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Meine Frau gehört zu den Menschen, die beim Stichwort „Jazz“ eher distanziert reagieren. Freiwillig würde sie nie auf ein Jazzkonzert gehen, aber immer wieder haben gute (musik- und kunstliebhabende) Freunde uns zu Jazzkonzerten mitgenommen (wo sie oftmals ihre Vorbehalte bestätigt findet), da einer dieser Freunde gut vernetzt in der Berliner Jazzszene (bzw. einem bestimmten Teil davon) ist und diese Musiker gerne auch mal einlädt, bei seinem Geburtstag zu spielen. Die „Jazz“-Musik von bspw. ECM ist diesem Freund eher zu sphärisch und zu wenig kraftvoll, Gruppen wie Art Ensemble of Chicago ausgenommen. Selbst leidenschaftlicher (wenn auch nicht professioneller) Saxofonist, verirrte er sich vor ein paar Jahren in ein Konzert von Charles Lloyd, bei dem der Altmeister mit Zakir Hussain spielte – und spricht bis heute davon, dass das Konzert wie „Don Cherry auf Valium“ gewesen sei (wenngleich er das Können der Musiker nicht in Abrede stellt).

Ich erlebte Lloyd im gleichen Saal – der Pierre Boulez Saal eignet sich hervorragend für diese Art von Musik – zwar nicht bei diesem Aufritt, aber bei anderen, u.a. einmal mit dem „Chapel Trio“, mit Bill Frisell und Thomas Morgan, und zuletzt mit dem „Ocean Trio II“, d.h. Gerald Clayton und Marvin Sewell, plus Jakob Bro als Special Guest. Vor einem Jahr nahm ich meine Frau in einen Film mit – Music for Black Pigeons – ohne ihr zu sagen, worum es geht, schon gar nicht verriet ich, dass es ein Dokumentarfilm über (ältere) Jazzmusiker ist. Das Ende vom Lied war, dass sie vollauf begeistert von dem Film war und ihn seitdem jedem aus vollem Herzen empfiehlt. Außerdem hat sich seitdem ihr Verständnis von „Jazz“ geändert, sie hat sich im Anschluss sehr gerne in meine Jakob-Bro-CD-Sammlung gestürzt und großen Respekt für die älteren Herren in diesem Film gewonnen.

Als eben Ende des letzten Jahres Charles Lloyd mit Jakob Bro nach Berlin kam, konnte ich sie dort also gerne mit hinnehmen, und sie war ebenfalls sehr begeistert von dem intensiven Abend mit dem 85 Jahre alten Wahlkalifornier. Im Pierre Boulez Saal wird immer streng darauf hingewiesen, dass man keinesfalls das Mobiltelefon herausnehmen dürfe, und schon gar nicht dürfe man fotografieren oder „filmen“. Ich weiß nicht wie, aber irgendwer „filmte“ offenbar das komplette Konzert, wie diese Aufnahmen bei YouTube zeigen — und wie es aussieht, saß er fast genau dort, wo wie saßen. Vielleicht hinter uns? Diese Videos zeigen sehr schön, wie Lloyd seinen Musikern immer viel Raum gibt und selbst oftmals über längere Strecken nur dabei sitzt, bevor er wieder mit dem Saxofon oder der Flöte einsteigt. 

Nach dem Konzert wechselte ich wie häufiger ein paar Worte mit Jakob [der, nur nebenbei bemerkt, fast auf den Tag gleich alt ist wie ich, nur vier Tage unterscheiden sich zwischen unseren Geburtstagen], und da erzählte er mir, dass er in der darauffolgenden Woche mit Charles Lloyd in Kopenhagen ein Duoalbum aufnehmen würde. Als wir uns letztens im Februar wieder im Pierre Boulez Saal trafen (als er diesmal mit Ambrose Akinmusire und Gregory Hutchinson die Stücke aus dem Album Owl Song spielte), bestätigte er, dass die Aufnahmen gut gelaufen seien, aber er konnte leider keine Angabe dazu machen, ob wir nochmal die Chance bekommen, die beiden gemeinsam auf der Bühne zu erleben. In jedem Fall würde ich, sollte es noch einmal möglich sein, ohne zu Zögern Karten für Lloyd in irgendeiner Gruppe kaufen. 

Heute feiert er seinen 86. Geburtstag, und zu diesem Anlass erscheint sein neues Album The Sky Will Still Be There Tomorrow, mit einer All-Star-Besetzung — Jason Moran, Larry Grenadier und Brian Blade. Auch wenn wir von Lloyd in den letzen zehn Jahren, seit seinem letzten ECM-Album (der Duo-CD mit Jason Moran), im Schnitt jedes Jahr eine neue Platte geschenkt bekamen, bietet dieses Doppelalbum seine ersten Studioaufnahmen seit 2017 (als Vanished Gardens eingespielt wurde). Die 15 Stücke bieten sechs neue Kompositionen, vermutlich während der Corona-Zeit (die seine Frau Dorothy in einem vom Pierre Boulez Saal finanzierten und dort vorgestellten Dokumentarfilm mit der Kamera begleitete) geschrieben, sieben Neueinspielungen von Stücken, die auf früheren Alben bereits auftauchten, und zwei neue Interpretationen traditioneller Lieder. „Charles Lloyds […] neues Album [ist] ein Meisterwerk voller Wärme und fröhlichem wissendem Optimismus […] und schöpft aus den Klängen und Schwingungen seines ganzen Lebens“, schreibt Mauretta Heinzelmann. „The Sky Will Still Be There Tomorrow stands as one of his best late-career master works.“ schreibt heute Thom Jurek über das Album und vergibt 4,5 Sterne, John Fordham gibt im Guardian sogar 5. Ich glaube, dem muss ich vollauf zustimmen, auch wenn ich es gerade erst zum ersten Mal höre. Die souveräne Vielseitigkeit und Ruhe des späten Charles Lloyd, wie ich sie sowohl in seinen Konzerten als auch auf seinen letzen Alben (u.a. dem „Trio of Trios“) erlebte, zeichnet diese gut anderthalb Stunden sehr aus. 

Heute Abend war ich im übrigen, hier die Straße runter, mit eingangs erwähnten Freunden in einem Jazzclub-Konzert von Dave Douglas, der seine Band „Gifts” präsentierte, mit der er, auch auf dem Album, das offiziell Mitte April erscheint (aber heute schon erhältlich war), neue Kompositionen spielt, die vom Leben und der Musik Charles Lloyds inspiriert sein sollen – so die Beschreibung des Konzertprogramms: Das „Gifts Quintet” reflektiert die Weisheit, Vision und Positivität des Komponisten und Saxophonisten auf innovative Weise und erforscht insbesondere Lloyds Faszination für die Musik von Billy Strayhorn. Der Klang des Quintetts konzentriert sich auf die Liedform und erforscht deren Möglichkeiten auf so noch nie gehörte Art und Weise. Ich habe das zwar so deutlich in dem Auftritt nicht herausgehört, habe aber die CD mitgenommen und bin gespannt, wie sich diese hochspannende, facettenreiche Besetzung auf dem gut einstündigen Album macht (James Brandon Lewis, Ian Chang und Rafiq Bhatia; live war noch Tomeika Reid dabei). Fürs erste nun aber: The Sky Will Still Be There Tomorrow — aber wenn Charles Lloyd morgen noch unter uns ist, muss man mit jedem neuen Tag von neuem dafür dankbar sein. Immerhin dürfen wir uns noch auf und über neue Musik des Altmeisters freuen. 

good that I‘ve never been a fan,
just an enchanted listener –
and, sadly so, two, three imaginary
records did, what imaginary albums do,
they‘ll never appear. Here, one song
of those two or three neverever works
to dream about

Dieser Song wird zu hören sein im Abspann der bald Premiere feiernden Doku über Brian Enos Werk und Leben. Kein Lied aus dem Archiv, eher ein aus dem Ärmel geschütteltes, neues Lied, ein Rückblick auf gelebtes Leben, mit wundersam beiläufigen Zeilen, die einst dem jungen Eno so leicht von der Hand gingen. So ist das mit der Stimme im Alter, sie rutscht tiefer, hat nicht mehr die gleiche Strahlkraft, another gravity. Von mir aus könnte er gerne zwölf Songs dieser Art in Szene setzen…aber da sind wir wieder bei den imaginary albums.

All I remember if gathered together would be
Solitary fireworks flashed over a fathomless sea
I try to recall all the treasures I found in those days
But the connection is weak
And the moment is lost in the haze
Feeling new feelings
Ketty Lester, Dee Clark, Bobby Vee
Walking the dyke out to dark
Where the river turns to the sea
Flickers in windows with 40-watt bulbs and TV
The flurry of gnats in a meadow, sunset 1963

Das waren besondere Jahre, als Thomas in meiner Nachbarschaft wohnte, und all diese besonderen, anfangs aus Gong-Samples entstandenen, Werke schuf, mit Namen wie „Teimo“ und „Permafrost“, die Brian Eno und Holger Czukay faszinierten, als ich sie ihmen schickte. Zwischendurch machte er mich auf Alben aufmerksam, die er selbst sehr gerne hörte, weil ihr Sound so wunderbar war, die Produktion, der Ausdruck, der enorm klar im Raum stehende Gesang, was immer. Dass die erste Cd von Gas dazu gehörte, aus dem Hause des Labels Basic Channel, kein Wunder, hatte Thomas selber doch auch zu diesem pulsierenden Elektro-Terrain seinen Beitrag geleistet mit „Porter Ricks“. Aber überraschender waren da schon die Alben „Sutras“ von Donovan, und „Moon Safari“ von Air. So überraschend aber auch nicht, wenn man sich einmal auf sie einliess. Donovan-Songs sangen wir schon auf dem Schulhof der Brüder-Grimm-Schule, die Refrains zumindest, von „Sunshine Superman“, „Mellow Yellow“, und sowieso die befreiende Passage nach all den wunderlichen „spoken words“, von „Atlantis“.

On April, 19, a very special solo piano album will be released, on vinyl and cd: even whithout knowing about Fred Hersch’s life, and thus possibly projecting one’s thoughts on the music, „Silent, Listening“ very much is a journey in itself, an unforgettable one, I suppose, a meditation on life grounded in complete surrender to the here and now. The record will be part of my jazz radio hour at the Deutschlandfunk on April, 4. “A living legend” (The New Yorker) within jazz’s piano pantheon, Fred Hersch was also one of the first openly gay, HIV-positive jazz musicians. He made his Princeton University Concerts debut as part of the „Healing with Music“ series to discuss this profound relationship to music. „Silent, Listening“ is a strangely uplifting album. Its title contains the best way to participate in this journey. After his brilliant duo album with Enrico Rava on ECM now available on vinyl, too), Fred returned to the famous studio in Lugano, and in my jazz magazine (and on „flowworker“) he will speak about his new, „nocturnal“ solo trip.

Here are my six questions for Fred:

One – the best way to listen (silently) to this album is from start to end. No distractions. Once you‘re inside, every composition has a unique atmosphere, and it all comes together in a perfect sequence. Can you say something about the „story“ of this album, framed by two standards that, from the titles, suggest drama and, well, no happy ending („winter of my discontent“) – then again, how warm sounding and heartfelt is that last piece! I divert. So what is it that makes this for you a kind of „nocturnal journey“? 

Two – … and this second piece: Night Tide Light. Though it has it abstract moments, no easy melody, it also  a very sensual sphere. Introverted as it is (or night time music, so to speak) it gets me every time…

Three – In May 2023 you returned to Lugano’s Auditorio Stelio Molo RSI. After the duo with Enrico Rava. Your support now and then Stefano Amerio behind the controls. And Manfred Eicher (with his very long history of solo piano recordings). I once was witness in the immense space there, when Tigran Hamasyan sat at the piano, so I know the place. Are there memories, conversations with Manfred, certain ideas, tiny moments, whatever… something you remember vividly from those two days?

Four – some titles reference not so nice things from the past, for example Akrasia  with its recurring short deep notes – and nevertheless tender moments in between. Uncanny, a bit, and nevertheless a strangely floating piece of music. In regards to your knack for computer games and detective novels during lockdown, is this a kind of musical study of overcoming obstacles? 

Five – there‘s a very distant echo in my ears, in regards to space, giving the sounds time for decay, short, breathing silences, to Paul Bley‘s early ECM piano solo album „Open To Love“. You may know it well or not – a kind of heigtened sensitivity can be perceived from my listener‘s side from the first sound onwards in your forthcoming work. Do you have a strategy (yoga, meditation…) to create a certain  mood or state of mind, for such a trip… or is it enough to focus on the moment and give it a go? 

Six – this album never appears like a sentimental journey in spite its beautul  takes on some old and famous melodies. Like „The Wind“. In the end, afterwards, when mixing and listening to the whole album for the first time: what did you surprise most? In spite of the fact you have a lifetime of knowledge about your playing? 

Bei so einem Titel laufe ich schon weg. Aber als ich in der SZ las, dass Bob Dylan nur ein Mensch sei, wurde ich hellhörig. Eine unfassbare Menge von Superstars kam für einen Abend und eine Nacht im Jahr 1985 zusammen, um für die Welthungerhilfe (Äthiopien) einen Song aufzunehmen, „We Are the World“. Faszinierend finde ich an dieser Doku, die man auf Netflix sehen kann, dass all die zusammengetrommelten Stars ins „Brennglas“ eines so gar nicht beabsichtigten sozialpsychologischen Experiments gerieten. Dezent hielt ein Schild eine Botschaft für Alle bereit: „Leave your Ego at the door“. Manche kannten sich nur von der Ferne, von flüchtigen Begegnungen, manche etwas besser, Kumpel, Konkurrenten (wo bleibt Prince ab?) – und hier trudelten sie nun ein, in Limousinen, Taxis, mit dem Flieger, um dem Song, der in Eile gestrickt war, Leben einzuhauchen, mit Quincy Jones als Produzenten, Lionel Richie als nimmermüden Mediator und Ko-Komponisten, sowie Michael Jackson als Vorsänger – so viele illustre Fuguren, die damals weder Schall noch Rauch waren, und jeder sollte, solo oder mehrstimmig, einige Zeilen singen. Bruce Springsteens Stimme klang nach langer Tour wie zerbrochenes Glas, Waylon Jennings haute als einziger ab, weil er als „american boy“, kein Suaheli singen wollte (wozu es garnicht kam). Paul Simon, Stevie Wonder, Cindy Lauper – das ganz grosse Aufgebot, und es ist spannend, sie „after hours“ zu erleben. Übernächtigt. Blass. Auf der Jagd nach einem Fishburger, einem Autogramm, einem gelungenen take. Am Ende war Diana Ross einfach nur traurig, dass alles so schnell vorbei war. Und, ja, Bob Dylan ist tatsächlich ein Mensch!

Die letzte Schulwoche vor den Ferien liegt vor mir, Montag bis Donnerstag werde ich eine 10. Klasse nach Berlin begleiten. Museumsinsel, Bundestag, Gedenkstätte in Hohenschönhausen, Informationszentrum zum Holocaust und wahrscheinlich noch das Humboldtforum stehen auf dem Programm. Zwischendurch schaffe ich es vielleicht noch in einen Plattenladen – das Hostel ist in Friedrichshain, da gibt es eine gewisse Auswahl.

Hinter mir liegt eine sehr anstrengende Woche. Kurz vor den Ferien sind alle müde und kaputt, dazu musste ich noch ein Mitarbeitergespräch führen, dass eher fordernd war. Nichts gegen den Stress, den meine Frau gerade auf der Arbeit hat – dagegen war meine Woche ein Zuckerschlecken! Dementsprechend war die Stimmung im Hause Westfeld am Wochenende aber ruhig und gedämpft. Und zum Glück ist music ja bekanntermaßen the healing force of the universe. Seit Freitag lagen folgende Alben auf dem Plattenteller:

Henri Texier: Varech (Low End Theories) / Van Morrison: Common One (Before Spirit Of Eden) / Bengt Berger: Bitter Funeral Beer (Ethnomusicology) / Dino Saluzzi: Kultrum (Nightscapes) / Marthe Lea Band: Asura (Rites Of Spring) / Karate: Unsolved (Guitarworker) / Bark Psychosis: Codename Dustsucker (Nocturnal Sound Paintings) / Henri Texier: Varech (A second time: Jazz Au Lait) / Charlie Haden: Ballad Of The Fallen (Soul Food) / Kalma, Chiu, Honer: The Closest Thing To Silence (Close to silence, and other grooves)