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On Monday, I’m going to the Apollo cinema to see ‘Misty’, a film about the life of jazz pianist Erroll Garner. It’s a long way from Erroll’s album ‘Concert By The Sea’ to Jon Balke’s solo work ‘Skrifum’. Both share a total immersion in the material of the sounds, the one whirls with immense speed, the other seems to listen to every single sound, staging an ethereal realm of shadows and reflections parallel to the ‘real sounds’. It fascinates me how a different space comes into play with each piece (all tracks consist of one word alone). En passant, never crashing, gate after gate opens up. Sometimes there are traces of the Far East, sometimes a hint of Cage’s ‘In A Landscape’, a distant memory, once (and with a gentle shiver from vortex to vortex), of ‘The Plateaux Of Mirror’ by Eno and Budd, and and and and. Despite all the fleeting chains of association, you end up in the exciting, quiet presence of a horizon that is by no means aseptically cool. An experiment from the sound laboratory – and at the same time ‘blue jazz magic’! *****

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Wir können gerne, in der Folge, über Psychoakustik reden, und über Philosophie.

A cuppa tea, dawn, and „Skrifum“ plays, the forthcoming piano album by Jon Balke. It‘s his fourth solo trip on ECM, after „Book of Velocities“ (the late John Kelman loved it very much), „Warp“ (2016 – jazz album of the year at Deutschlandfunk, in the ears of Harald Rehmann and myself) and „Discourses“ (2020). And again it‘s different from the one before, as the third one was different from the second one, and the second from the first.

So far, so good. Along with Tommy Perman and Alabaster dePlume, Jon Balke is the third man talking on his new piece of art, in my radio hour on March, 27. His electronic audio tool is named „Spektrafon“: a live processing software he helped develop with technology professor Anders Tweit. Using this interface, Jon Balke is now able to directly manipulate ambient audio sound from the piano in real time – pulling out frequencies and sustaining them as chords of harmonics, showers of sparkling overtones, or eerie drones. Activated and energized reverberation thus becomes new material for improvised interaction and dialogue, often with quite beautiful results.

So far, so good. All these sentences rely on the background informations of ECM Headquarter – and me working on my playlist in motion you can find in the RADIO column of our „monthly revelations“. Skrifum means “write” in Icelandic and, for all the technological sophistication employed, there is an almost calligraphic quality to the melodic lines and sounds that Balke carefully shapes along the way: writing, drawing and designing the music in the changing light and lengthening shadows cast by the processed material.

Ich übersetze die letzten Sätze mit Deepl, um mir ihren Inhalt noch klarer vor Augen zu führen: Skrifum bedeutet auf Isländisch „schreiben“, und trotz aller technischen Raffinesse haben die melodischen Linien und Klänge, die Balke auf dem Weg dorthin sorgfältig formt, eine fast kalligrafische Qualität: Er schreibt, zeichnet und entwirft die Musik im wechselnden Licht und den länger werdenden Schatten, die das verarbeitete Material wirft.

So weit, so gut. Das alles steuert auf zwei, drei Fragen zu, die ich stellen werde. Den kreativen Prozess führt Jon besagtem Hintergrundtext weiter aus: “The Spektrafon’s sound feeds back in ways that demand space,” says Jon Balke. “So I take that opportunity to play mostly monophonically and to focus on every single note and its weight and position in the soundscape.” Zu deutsch: „Der Klang des Spektrafons ist sehr raumfordernd. Ich nutze also die Gelegenheit, meist monophon zu spielen und mich auf jede einzelne Note und ihr Gewicht und ihre Position im Klangbild zu konzentrieren.“ Eine fast kalligraphische Qualität also – man sehe sich nur das Cover an. So sieht es aus, wenn Jon Piano spielt, und dabei das Spektrafon bedient: HIER!

Am Montag gehe ich ins Apollo-Kino, um „Misty“ zu sehen, einen Film über das Leben ses Jazzpianisten Erroll Garner. Es ist ein weiter Weg, von Errolls Album „Concert By The Sea“ bis zu Jon Balkes Solowerk „Skrifum“. Restlose Versenkung in das Material der Töne haben beide gemeinsam, der eine wirbelt mit immensem Tempo, der andere scheint jedem einzelnen Sound zu lauschen, inszeniert, parallel zu den „realen Tönen“, ein ätherisches Reich von Schatten und Spiegelungen.

Es fasziniert mich , wie da mit jedem Stück (alle Titel bestehen allein aus einem Wort) ein anderer Raum ins Spiel kommt. En passant, nie krachend, öffnet sich da Pforte auf Pforte. Es gibt mal fernöstliche Spuren, mal einen Hauch von Cages „In A Landscape“, eine ferne Erinnerung, einmal (und mit sanftem Schauer von Wirbel zu Wirbel), an „The Plateaux Of Mirror“ von Eno und Budd, undundund.

Bei allen flüchtigen Assziationsketten landet man letztlich und in einem fort in der aufregenden, stillen Gegenwart eines keinesfalls aseptisch-unterkühlten Horizonts. Ein Experiment aus dem Klanglaboratorium – zugleich auch „blue jazz magic“! *****

Nun die Fragen: wie triggert
Jons asketisches Spiel, das
das zuweilen durchaus up tempo ist,
diese elektronischen Sphären, wie
genau entsteht der Sound
im Klavier, wie laufen da,
in Sekundenbruchteilen,
ästhetische Entscheidungen ab?

Meine erste Philosophievorlesung in Würzburg fand ein einem prunkvollen Raum der Residenz statt. Der Professor, tatsächlich mit wallend weissem Haar, warf Bilder an die Wand aus der Zeit der Höhlenmalerei und wollte an ihnen aufzeigen, wie man sich damals in die Empfindungswelt von Tieren einfühlte, um den Jagdsinn zu schulen. Ein wenig kam ich mir wie bei Jules Verne vor. 1931 entdeckten Forscher in Südfrankreich am Eingang einer Höhle eine große Muschel. Auf den ersten Blick unscheinbar, schlummerte sie jahrzehntelang in den Sammlungen eines nahe gelegenen Naturkundemuseums. Hier schien nun eine andere Art des Kreativen zu wirken. 2020 wurde diese rund einen Meter lange Muschelschale nämlich mit moderner Bildgebungstechnologie neu analysiert, und man kam zu dem Schluss, dass die Muschel absichtlich zerkleinert und durchlöchert wurde, um sie in ein Musikinstrument zu verwandeln. Es scheint sich also um ein extrem seltenes Beispiel eines „Muschelhorns“ aus dem Paläolithikum zu handeln. Und es funktioniert immer noch – ein Musiker entlockte der 17.000 Jahre alten Muschel kürzlich drei Töne. Das ist doch fast unglaublich.

Es gab in meinen zwei letzten Jahren auf dem „Max Planck“ ein Transistorradio in der Küche, und da spielte eines morgens Frank Zappa. Es war die Zeit seines fulminanten Jazz-Rock-Epos „The Grand Wazoo“, und bei diesem unvergesslichen Liveaufritt gab ein gewisser George Duke den Keyboardmeister, der Frank Zappas vertrackten Synkopen in jeden hintersten Winkel und darüber hinaus folgte. Ich hatte grossen Spass an dieser Musik, zumal ich meinen leichten „Kater“ vom Vorabend mit zwei grossen Gläsern Milch und einer Alka-Seltzer gut in den Griff bekam. Was für eine verspielte, wandlungsfreudig rockende Big Band!

Frank Zappas Hang zur Satire sorgte dafür, dass ich das Opus irgendwo zwischen den Marx Brothers und Monty Python einsortierte. Nie in meinem Leben liess ich auch nur den geringsten Lacher los beim Ansehen eines Films der britischen Komiker, während der anarchistische Humor von Groucho und Co. mich meistens leichtfüssig einfing. Es passt dazu, dass ich „The Grand Wazoo“ seit damals mit einem gewissen Hin- und Hergerissensein hörte: enweder liess mich die ausgefuchste Big Band kalt, oder sie packte mich mit ihrer immensen Spiellaune, die, live dargeboten, noch manch freien Extralauf und Schabernack bereithielt.

Zuletzt hörte ich das Album in wunderbar gelungenem Surround, und das Pendel schlug wieder aus in Richtung der unbändigen Freude von einst, anno 1972, in der Küche mit dem silbernen Toaster, dem kleinen Metallradio, George Dukes irrwitzigen Läufen, meinen 17 Lenzen, und zwei rasch heruntergestürzten Milchgläsern! Aber, im Vergleich, und im Gegensatz zu den historischen Rückblicken, mag ich den Vorgänger, „Waka Jawaka“, noch etwas mehr, purer Jazzrock von Mr. Zappa, und ich frage mich einmal mehr, wieso ich zu Zappa in meinen gesetzten Jahren tiefer vordringe als damals, in der wilden Jugendzeit. „Waka Jawaka“ in Surround und Stereo, das ist beides rundum gelungene Klangkunst voller body & soul!

Ich schrieb eine längere Mail an die grosse „Zappa Family“, die für all die wunderbaren „reissues & archival discoveries“ sorgt. Darin ging es um eine andere Zappa-Lieblingsplatte, die ich in meinen Studentenjahren am liebsten hörte, „Zoot Allures“ (ich glaube, mich an die 4-stars-Besprechung in Down Beat zu erinnern) – und eine Gemehmigung, in einem Beitrag für den NDR auf ein „sehr inoffizielles“ Interview zurückgreifen zu dürfen, in dem Zappa einen einminütigen Lachanfall bekam. Demnächst mehr dazu. Long story short: sie schickten mir, neben einem freundlichen „Yes“, die Vinylwiederveröffentlichungen der beiden Fusion-Werke. Und sie klingen so fantastisch, wie es Mark Smotroff in „Analog Planet“ beschrieben hatte. Und sie haben SOUL (vielleicht habe ich das damals nicht wahrgenommen, morgens in der Küche, bei den zwei Milchgläsern. Es war das Jahr, in dem ich wie verrückt, Bo Hanssons „Lord of the Rings“ hörte.

„Doesn’t seem to be a shadow in the city 
All around, people lookin‘ half dead“
(The Lovin Spoonful, Summer In The City)  

Es war ein Sommer in den Sechzigern, in dem die Siebziger schon rückwärts ein paar Schatten warfen, eine Ahnung erfüllter Zeiten, die ersten Jukeboxen, ledergebundene Single-Alben in unserer kleinen Kirchhörder Welt. 1967. Conny war ein älterer Teenager, und er hatte die grösste Kollektion an Singles. Wenn ich mal bei ihm vorbei kam, legte er gerne The Small Faces auf, und kurz blitzten all die Dinge auf, von denen Frischlinge gerne träumten. Einmal fiel ich bei Conny nach Sekunden in eine tiefe Trance, als er, frisch aus dem Single-Presswerk, „Summer In The City“ auflegte, von The Lovin‘ Spoonful. Es war wohl eines der ersten Lieder, bei denen mir bewusst wurde, wie bezaubernd die alltäglichen Sounds einer grossen Stadt sein konnten. Der erste Riff, die Melodie, die Stimme John Sebastians. Ich bat Conny inständig, mir die Single einen Tag zu leihen, ich sagte nicht, dass ich sie unendlich oft hören wollte. Schliesslich gab er nach, und ich musste ihm versprechen, die Ware am folgenden Tag um Punkt 17 Uhr bei ihm abzuliefern. Das war ja nun kein Problem, oder doch, ein kleines. Ich war so umrauscht von dem Song, dass ich dachte, in einer Zeit, in der wir alle Grenzen überschreiten würden, wäre es kein Problem, diesen himmlischen Song noch ein bisschen länger zu behalten.

„Pictures Of Lily helped me sleep at night“
(The Who, Pictures of Lily“)

Ich hatte die „Bravo“ neben dem Bett liegen, und war nicht erfreut, zu lesen, dass The Kinks, meine Lieblingsband, mal wieder betrunken auf der Bühne aufeinander losgegangen waren. „Hot town, summer in the city / Back of my neck getting dirty and gritty / Been down, isn’t it a pity / Doesn’t seem to be a shadow in the city“. Irgendwann nachmittags rief mich Uwe an (mit dem ich selten zu tun hatte, er besass als Erster „Hey, Joe“ von Jimi Hendrix), und sagte mir, er habe eine Überraschung für mich, und ich möge doch zu unserem Bolzplatz kommen. Als ich dort war, traten Uwe und Conny hinter einer Hecke hervor, und Conny schlug mir voll in den Bauch, so dass mir die Luft wegblieb und ich auf den Boden kippte. Er erinnerte mich an unsere Abmachung, und als ich wieder Luft bekam, entschuldigte ich mich. Jetzt war Uwe dran, und schlug noch einmal mit voller Wucht zu. Ich bekam es mit der Angst, und wartete, bis der Atem wieder einigermassen auf und ab ging. Dann rannte ich los, was verrückt war, weil die beiden älter waren, und mich jederzeit einholen und weiter auf mich einprügeln konnten. Stattdessen traf mich ein Stein an der Schläfe, und ich sank schreiend zu Boden. Das Blut floss über Augen und Nase, und ich weiss heute nicht mehr, welcher Zeuge der Ereignisse dafür gesorgt hatte, dass ich ins Krankenhaus kam und mit etlichen Stichen genäht wurde. Am Tag darauf legte ich kdie Single, verpackt in in einen Umschlag, in Connys Briefkasten. Ich sah ihn nur noch aus der Ferne danach, und dann nie mehr. Hier und da noch hatte ich Doppelbilder, und selbst meine „Pictures Of Lily“ waren eine Zeitlang leicht verwackelt.

(1) Alles, was ich in dieser Woche schreibe, findet sich hier, und dreht sich, in engeren und weiteren Umlaufbahnen, um Brians erste „lecture“. Das heisst, dieser Text wird immer wieder mal ergänzt. Eher ein Wimmelbild voller Gedanken als ein ausgefeiltes Mosaik. Zeitgleich mit dem Webinar habe ich mit einer Psychologin eine „Luzide Traum-Gruppe“ ins Leben gerufen, die sich einmal pro Woche trifft.

(2) Wie schön, dass Brians Vortrag mit einem „reality check“ begann. Das machen wir, die wir luzide Träumer lieben, täglich. Alle Songs, die in diesem Text auftauchen, sind in irgendeiner Art Teil der Vorlesung, oder höngen assoziativ damit zusammen. Ein Paradestück eines ex-zentrischen Liedes von Richard Dawson wird hier genauso viel Sinn machen wie ein italienisches Fischrezept und eine Erinnerung an Brians „Spider and I“. Oder dieser seltsame Song aus dem Jahre 1957: The Silhouettes: Get A Job …

(3)„The best thing of getting ahead is to get started.“ Dieser Satz von Mark Twain hätte hervorragend in die erste Vorlesung gepasst. In voller Länge: American writer Mark Twain commented, “The secret of getting ahead is getting started. The secret of getting started is breaking your complex overwhelming tasks into small manageable tasks, and starting on the first one.” 

(4) In Berlin sassen Eno und Bowie zusammen und arbeiteten an einem Track, der später „Moss Garden“ heissen sollte. Als Inspiration zog jeder der beiden – verdeckt – eine Karte aus den „Oblique Strategies“. Und ohne den Inhalt auszutauschen, versuchte jeder, der jeweiligen Anweisung, die im nachhinein ziemlich widersprüchlich erschienen, nachzukommen.

(5) Eine Art Hassliebe pflegt Eno zu Songlyrics. Zu leicht ziehen sie seiner Meinung nach die Aufmerksamkeit von dem Klängen auf die Worte, den Sänger, die Bedeutung. Er stellte diverse Strategien vor, diese Bedeutungseben auszuhebeln, von „unsinnigen Wörtern“, wie sie auf „Get A Job“ auftauchen, über andere Limitierungen, die einen frischen Zugang zu Wörtern als Klang befeuern. Es ging um die Klangmuster englischer Glockenspiele, um Haikus – und folgendes kleines Gedicht von Rick Holland hätte auch auch wunderbar in diese erste Vorlesung gepasst:

Vaults

Danil Pulin and young I sub stars 
Daniel Pulin sad 
I accompanying in proximity to his pain 
I so young, Danil so sad. 
But both aghast at upwards vast
Backs to a flint wall 
Sitting on cold grass 
So far from familial warmth 
Of any kind
Gazing up - Danil talks of star magic
and Star shoots that instant across a vast night sky 
Both of us GASP
Danil is an outcast, glass, short sight, so solo 
I accompanying - through my own odd
Two young boys and a night-time 
Star magic upwards 


Danil Pulin and Stars (a writing exercise in not using letter ‘e’ – prompt from Roger Robinson book ‘On Poetry’)

(6) Damit das alles nicht ausufert, arbeite ich doch nur an diesem einen langen Echo, und mit einer klaren Spielregel. Jeder Subtext wird mit fettgedruckten Buchstaben markiert. Ich sollte mir also gut überlegen, was ich aufgreife, weiterspinne, was nicht. Denn nach 12 ist Schluss. Und dieses sechste Echo ist somit schon mal sinnfrei verschossen.

(7) Als kleines Schmankerl befasst sich „das siebte Echo“ mit einem Fischrezept, das zu einem wiederkehrenden Ritual deines Alltags werden könnte. Wenn Richard Dawson einen Song schreiben kann über den Zauber von Kleingartenanlagen – HIER – aus seinem im Februar rauskommenden Album „End Of The Middle“, wird mir sicher ein feines Loblied auf ein Kartoffelbett gelingen: und diese Kreation hat zudem ein bisschen was mit Enos Webinar zu tun, geht es doch zuweilen um „breaking the routine“ sowie minimalen Imput mit maximalen „Impact“. Aber hier nun das, was dein Leben verändert:

Wenn ihr euch die Zutaten für das folgende Rezept besorgt, und es sind nur wenige Zutaten, kommt es auf die Details an. Die geschälten Kartoffeln (mit Hilfe einer Mandoline) in feine Scheiben schneiden. Um den Kartoffeln etwas die Stärke zu nehmen und aie davor zu bewahren, im Ofen zu sehr zu verschmelzen, kann man die Scheiben einfach in kaltem Wasser abspülen. Aber auch ohne diesen Schritt geraten sie sehr gut, nur halt etwas cremiger. Am besten, du probierst beide Varianten aus und entscheidest dann, was dir besser schmeckt.

Knoblauch und Ptersilie fein hacken und mkteinander vermengen. Unbehandelte Zitronen gut waschen und einige wenige feine Scheiben davon herunterschneiden, um sie unter die Kartoffelscheiben zu mischen. Die genaue Menge findest du schon selber raus, je nach der Grösse deines Bleches. Die Kartoffeln und die Zitronenscheiben auf eben diesem Blech oder in einer Gratinform ausbreiten und salzen. Einen Teil der Knoblauch-Petersilie-Paste darüber verteilen und grosszügig supergutes Olivenöl hinzufügen. Mit deinen Händen alles gut miteinander vermengen, sodass Kartoffel- und Zitronenscheiben von Salz, Olivenöl, Petersilie und Knoblauch überzogen sind. Uff, das wäre geschafft!

Die Kartoffeln nun in den auf 180 Grad vorgeheizten Ofen schieben und schon einmal vorgaren. Je nach Menge und Dicke dauert es 10, 15 Minuten, bis die Kartoffeln weich im Inneren und an den Rändern golden und knusprig werden. Damit sie gleichmässig garen, kann man sie zwischendurch einmal umschichten. Während Kartoffeln tendenziell gar nicht gar genug sein können, ist Fisch oft sehr viel früher gar, als du denkst. Bleibt er nur zwei Minuten zu lang im Ofen, gerät er trocken, und sein Potential ist ruiniert.

Nun also zum Fisch: du kannst so gut wie jeden nehmen, und wenn dir das Rezept einmal in Fleisch und Blut übergegangen ist, wirst du Fisch nur noch selten anders zubereiten wollen, versprochen! Die Einfachheit dieses Rezepts ist genial: zu einem bestimmten Zeitpunkt legst du den Fisch als ganzen auf das Kartoffelbett. Die mitsen oben genannten Zutaten aromatisierten Kartoffeln geraten knusprig und cremig, die Zitronen karamelisieren an ihren Rändern leicht und liefern eine feine Süsse und Säure. Der Fisch bleibt bei sich, und darf seine ganze Frische und Qualität zeigen.

Wähle einen Fisch, der sich in glänzender Frische mit prallen, glasklaren Augen präsentiert. Steibutt, Seelachs, Rotbarsch, Wolfsbarsch, Dorade, Saibling, Forelle, whatever – auf einem Kartoffelbett fühlt sich jeder Fisch wohl (das gilt natürlich auch für Filets). Wichtig: den gewählten Fisch auf der Oberseite mit einem scharfen Messer mit wenigen parallelen Schnitten einschneiden und etwas von der Petersilie-Knoblauch-Mischung darauf verteilen. Auch das Innere des Fisches damit einreiben.

Den Fisch des Vertrauens auf den fast garen Kartoffeln platzieren, und unter wachsamer Beobachtung zwischen fünf und fünfzehn Minuten garen lassen. Zwischendurch an der dicksten Stelle einmal vorsichtig einstechen und den Gargrad kontrollieren. Den perfekten Gargard erkennt man daran, dass das Fleisch nicht mehr ganz durchsichtig, aber noch etwas glasig und überaus saftig ist. Und dann, ratzfatz, das Blech sofort aus dem Ofen nehmen, und heiss auf die Mitte des Tischs stellen. (sorry, Jan from Pittsburgh that you can‘t join the party with your allergy – but what about a T- Bone Steak (that reminds me of the beautiful Neil Young song with minimal lyrics and smashed potatoes! And back we are in song territory!)

(photo taken in 2014, in Brian‘s Notting Hill studio, one day before the interview with Eno & Hyde, a short time after his travel to Morocco – the hat is from there!)

(8) Die erste „lecture“ begann also mit einem Traum. Brian wurde vo einem dunklen Uber in immer fremdartiger wirkende Regionen Südlondons gefahren, die ihm völlig unbekannt waren. Der Fahrer trug eine eigenwillige Haarpracht. Am Ende der Fahrt öfnete, so erinnere ich es, eine korpulente Frau die Tür, und fragt Eno: „Are you the speaker?“. Tatsächlich, enthüllt Brian, sei dies gar kein Traum gewesen, sondern eine reale Erinnerung an eine Fahrt an ein Kunstinstitut, in dem er einen Vortrag hielt. Anschliessend ermunterte er alle Teilnehmher, sich in der Folge zwei kurze Filme anzusehen, und sich von ihnen zu einem kleinen Song anregen zu lassen. Man möge alles Urteilen vermeiden, und ganz frei den Angeboten der eigenen Empfindungen und Assoziationen folgen. Man bekam zu dem zu entwickelnden Lied ein paar schriftlich formulierte Ideen mit auf den Weg. Danach gäbe es eine zehnminütige Pause, die man nach diesem Kraftakt entspannter Imagination auch nötig habe. Einer dieser Sätze lautete (wiederum ging es darum, Konventionen auszuhebeln): „Ein Song kann aus nur einem einzigen Wort bestehen“. Das hat fast Koan-Qualität, dachte ich mir und summte ein launiges „Ommmm“ vor mich hin.

(9) Was für mich so faszinierend ist: in der Tradition jener britischen Kreativschmieden, an denen Eno Kunst studierte, unterrichtet er hier auch. Alles ist durchdacht, aber nicht in kleinen akkuraten Bausteinen zusammengesetzt. Brian stromert durch seinen eigenen Wissens- und Erfahrungsfundus, und dockt, quer durch die Jahrzehnte, an alten und neueren Liedern an. Und ich kenne diese Songs soooo gut. Eine Freude, zu hören was er über die Songtexte von „Spider and I“ und „Miss Shapiro“ kundtat! Unterschiedlicher können zwei „lyrics“ kaum sein. Und so gleite ich mit Brian vorwärts und rückwärts durch die Jahrzehnte. Durch gelebtes Leben hindurch, und bleibe dabei, im Idealfall, erfinderisch statt nostalgisch!

(10) – Brian Eno und Herbie Hancock – ich wusste gar nicht, dass die Zwei mal gemeinsam im Studio waren. Es gibtjedenfalls keine recordings. Aber die Story war gut. Und die Sache mit „Spider and I“: ja, es gibt, neben der romantischen auch die unheimliche Dimension dieses Songs: eine welt nach einer möglichen Katastrophe, das einsame Driften durch dem leeren Raum. Ich habe eine ganze persönlich Geschichte mit diesem Song, sie führt zurück in das Jahr 1978. ich habe sie bestimmt schon einmal erzählt. Die Wintersonne von Gerbrunn bei Würzburg ist mein Zeuge.

(11) – Gestern Abend (12.00 pacific time) war ich bei der ersten Serie der Questions and Answers dabei. Die Fragensteller werden per Zoom zugeschaltet, Eno nimmt Aspekte ihre Antworten auf, um dann, konzentriert und mäandernd zugleich („I‘m the master of tangents“) darauf einzugehen. Leider war mein Wlan etwas zu stotterig, ich werde mir die Aufzeichnung in Ruhe ansehen.

(12) – Dieses Seminar ist so überfliessend an Anekdoten, Techniken, Erinnerungen, Homeworks, dass ich es nicht weiter in „literarischer Form“ begleiten möchte. Erst am Ende, ein Rückblick. Ich nehme einfach dran teil, I enjoy, I surrender!