Es ist wohl zehn Jahre her, dass ich auf den Mix „Fairlights, Mallets and Bamboo“ gestoßen bin, der mein Hören wirklich verändert hat. 

Der Untertitel versprach „Fourth World Music From Japan 1980-1986“. Das Fourth-World-Konzept einer künstlich erschaffenen imaginären Musiktradition war mir unbekannt, japanische Musik aus den 80ern auch. Der Mix lief über Monate praktisch auf Dauerrotation – und ich hörte mit weit geöffneten Ohren. 

In den folgenden Jahren wurden LPs wiederveröffentlicht, die wohl zu den Klassikern des Genres zählten. Einige davon habe ich mir gekauft und mich teilweise beim Hören gefragt, ob ich überhaupt schon einmal bessere Musik gehört habe – sei es das traumhafte „Through The Looking Glass“ von Midori Takada oder das fast schon eingängige „Kakashi“ von Yasuaki Shimizu.

Warum dieser lange Vorlauf? Weil der Mix von Spencer Doran stammt, einer Hälfte von Visible Cloaks, die im Mai mit „Paradessence“ ein neues Album rausgebracht haben.

Und was ertönt da aus meinen Boxen: zerbrechliches Knistern, dürres Knacken, feines Klirren, sorgfältig gewobene Flächen, gelegentlich schwebende Töne. Vor allem aber ganz viel Raum. Stille. Nachhall. Geräusche, die sich ausdehnen, Gestalt und Position wechseln, langsam ausklingen oder abrupt abbrechen. Die Musik scheint sich immer wieder selbst aufzulösen, ihr Zentrum zu verlieren, sie wird zu musique concrète aus digitalen Quellen; selten schälen sich kurze melodiöse Motive aus dem Klangraum.

INTARSIA

„Paradessence“ ist mehr als eine Demonstration von Klangtransparenz und räumlicher Tiefe, mit der man seine High-End-Anlage beeindrucken könnte (auch wenn das vermutlich hervorragend funktioniert). Aus den Zwischenräumen schweben Bilder empor, Landschaften aus Rauch. Die Zeit scheint langsamer zu vergehen. Die zarten Klänge leuchten wie Glühwürmchen in tiefer Nacht.

Elvis Presley: From Elvis In Memphis / Boards Of Canada: Inferno / Visible Cloaks: Paradessence / Shane Parish: Autechre Guitar / Mikhail Pletnev: Chopin & Scriabin – Préludes / Linton Kwesi Johnson: Dread Beat An‘ Blood / Horace Andy: Dancehall Style / Blumfeld: Jenseits vom Jedem / Miles Davis: Filles de Kilimanjaro / Jeff Parker: Happy Today / Boards Of Canada: Inferno

unusual and strange in a way that might be funny or annoying: 

a whimsical tale

Despite his kindly, sometimes whimsical air, he was a shrewd observer of people.

Manche Wörter muss ich häufig nachschlagen, als ob die an keiner Stelle meines Gedächtnis andocken können. „Whimsical“ ist eines davon, ich kannn mir nicht merken, dass man auf Deutsch dafür Worte wie skurril, verspielt oder wunderlich benutzt. Die Zeilen sorgen hoffentlich dafür, dass dieses schöne englische Wort in Zukunft einen Platz in meinem Gehirn findet.

Ich scheine auch eine Vorliebe für Musik zu haben, die whimsical ist, wie zum Beispiel die Band Woo, die mir vor drei Jahren durch ein wirklich nettes Video des Youtubers Dom (Seeking A Thread) vorgestellt wurden und deren Musik mich gleich angesprochen hat. Die Schallplatten sind out of print und auch gebraucht nicht ganz günstig, ich habe mich da erstmal nicht weiter drum gekümmert. Aber nun ist eine Neuauflage ihres Erstlings „Wichever Way You Are Going, You Are Going Wrong“ remastered und mit einer zweiten LP voller Outtakes erschienen.

Die Musik auf dem Album ist irgendwie zeitlos, sie könnte an der Weser in den 70er Jahren, in den 80ern im japanischen Hinterland oder in London oder Chicago der 90er entstanden sein. Die beiden Brüder Clive und Mark Ives haben sie in den späten 70ern in einer Wohnung im Süden Londons aufgenommen und dabei sehr leise gespielt, damit die Nachbarn nicht gestört werden. Irgendwann kamen sie auf die Idee, die Gitarre mit den Synthesizer zu verbinden und so deren Klänge zu verfremden; sie fanden so einen sehr eigenen, verspielt-verträumten und sehr melodischen Sound.

First Song – Best Song: Das Album beginnt mit dem wunderbaren Swingtime, ein Song, der mich sofort einnimmt und gute Laune macht. Die Stimmung ist damit gleich gesetzt – skurril und wunderlich, verwunschen und von einer eigentümlichen Liebenswürdigkeit; ich kann mir das gut als Soundtrack für ein psychedelisches Puppentheater vorstellen. 

Alles ist irgendwie beschaulich und wahnsinnig relaxed. Die Brüder geben ihrer Musik alle Zeit der Welt. Sie reihen Melodien aneinander, lassen Klangwolken und lustige Geräusche vorbei ziehen, benutzen hierfür immer wieder unterschiedliche Instrumente – neben zahlreichen Synthesizern und Gitarren kommt die Klarinette immer wieder zum Einsatz, dazu Klangschalen und ein Xylophon. Bass und Schlagzeug bilden immer das Fundament für die kleinen Kuriositäten. Auf dem Song The Attic wird gesungen und spätestens da erinnert es mich doch sehr an Brian Eno.

Musik die sich allen Kategorien entzieht: Kein Ambient, kein Pop, weder Folk, noch Elektronik – die Musik bewegt sich spielerisch zwischen diesen Polen. Das Album klingt nach neugierigen Menschen, die ohne großes Konzept ihren Ideen folgen und dabei etwas Eigenes erschaffen haben. Und „whimsical“ ist glaube ich das passende Wort dafür.

Whoever says that music when it is sublime is beyond definition is perfectly right… There are cloying sounds that fill commercial radios and there are millions and millions of music that the world gives us, we just have to search with love and patience…. Safe Journey is not an album to listen to in the background. This music takes all your attention, turns your day around and transforms an afternoon that could have been nice with a book into a real vision of everything that life could give you only if you take the trouble to look for and listen to your heart. 

Here, among the grooves of the record, hides the wonderful idea that there is only one language, not spoken, not written, but with which it is possible to tell or just listen to something infinite that can embrace every human being. Steve Tibbetts flies high, rely on his guitars. You’ll fly very high and everywhere.

Die Erinnerung ist verschwommen, aber vielleicht begegnete mir das Pink Floyd Album „Animals“ wenige Woche vor meinem 15. Geburtstag, vielleicht auch kurze Zeit danach, das spielt ebenso wenig eine Rolle, wie die Art und Weise des Zusammentreffens. Da ich damals ein regelmäßiger Nutzer der Musikbibliothek war und es dort nicht nur Schallplatten zum Anhören, sondern auch schon CDs zum Ausleihen gab, vermute ich, dass ich in diesem Zusammenhang auf das 10. Studioalbum der Band aus dem Jahr 1977 gestoßen bin; oder es war die Leihgabe eines Freundes. Ich hörte das Album jedenfalls nur ein einziges Mal und hielt es für die beste Arbeit von Pink Floyd. Ich wollte diese unglaublich tolle Musik erst wieder hören, wenn ich sie besitze, und das dauerte dann halt ein bisschen. Angeregt durch Martinas Post über ein seit Jahrzehnten erwartetes Pink Floyd Album und Michaels Beitrag über „Batik“ („wiedergehört nach Ewigkeiten“), habe ich im März 2026 bei Dussmann eine LP-Version erstanden.

Das Album wird gerahmt von zwei kurzen und ruhigen Stücken: akustische Gitarre, Gesang, Vogelgezwitscher, viel Raum. Jedes der anderen drei Stücke ist über 10 Minuten lang und nach Nutztieren benannt (Dogs, Pigs, Sheep). Es gibt unterschiedliche musikalische Themen, Spannungsbögen werden aufgebaut und enden in dichten, flächigen und oft gespenstischen Sounds, (zum Teil mit field recordings von Tiergeräuschen versetzt) die sich dann wieder verdichten, bis das Schlagzeug wieder einsetzt und den Song vorantreibt. Das ist alles sehr dynamisch und abwechslungsreich, aber auch wie aus einem Guss. 

Wie schon mit 14 beeindrucken mich David Gilmours Fähigkeiten an der Gitarre, die er singen, perlen, sägen, wimmern, fauchen, jubilieren läßt, mit der er mal ausgiebig soliert, mal den Rhythmus unterstützt – und auch alle anderen Tricks beherrscht. Aber alle Musiker spielen sehr präzise und fein. Pink Floyd bilden auf „Animals“ eine riesige Maschine aus poliertem Chrome, die eine restaurierte, penibel gesäuberte Industriehalle fast vollständig ausfüllt.

Wobei das Album von mir aus ruhig instrumental hätte bleiben können. Die thesenartigen Texte werden in meinen Ohren eher zickig deklamiert als gesungen, insgesamt nicht wirklich mein Fall. Vielleicht gefällt mir „Animals“ nicht ganz so gut wie vor Jahrzehnten, vielleicht ist es auch nicht das beste Pink Floyd Album, aber insgesamt höre ich es wirklich gerne

Ein schwarzer Theatersaal mit steil ansteigenden Sitzreihen. Wir sitzen in der fünften Reihe, mittig vor der Bühne. Das Konzert ist fast ausverkauft. Im Saal sitzt ein hippes, aufgeklärtes und zugleich abgeklärtes Großstadtpublikum, überwiegend männlich, das Durchschnittsalter dürfte bei etwa 50 liegen.

Nach dem dritten Klingeln geht langsam das Licht aus, doch der schwarze Vorhang öffnet sich zunächst nicht. Mehrere Minuten lang ist ein flächiges Gewaber aus dem Synthesizer zu hören, ab und an hallen einzelne Gitarrentöne oder das Geräusch einer Snare durch den Raum. Als schließlich der Beat einsetzt, öffnet sich der Vorhang. Die zunächst losen Klänge formieren sich zu „Night Air“, dem letzten und zugleich einem der besten Stücke des aktuellen Tortoise-Albums Touch.

Nun sind auch die Musiker von Tortoise zu sehen: fünf Herren um die 60. Einer von ihnen, John McEntire, hat an diesem Abend Geburtstag und bekommt später vom Publikum sogar ein zaghaftes „Happy Birthday“ gesungen.

Ansonsten sind die Zuhörer bemerkenswert aufmerksam. Nicht nur bleibt es während der Musik vollkommen still – ich habe seit Langem nicht mehr so wenige Smartphones im öffentlichen Raum gesehen wie an diesem Abend. Die Begeisterung gilt nicht nur der Musik selbst, sondern auch den musikalischen Fähigkeiten der Bandmitglieder, von denen jeder im Laufe des Konzerts mindestens zwei Instrumente spielt. Besonders eindrucksvoll ist die musikalische Kommunikation auf der Bühne – vor allem dann, wenn gleich zwei Schlagzeuger gleichzeitig am Werk sind.

Gespielt werden hauptsächlich Stücke von Touch, wobei das Klangbild live etwas organischer und weniger verzerrt ist als auf dem Album. Insgesamt orientiert sich der Sound eher an früheren Platten wie TNT, von der ebenfalls einige Stücke zu hören sind. Die Musik ist hervorragend abgemischt: laut, aber nie zu laut.

Etwas schade finde ich zunächst, dass Jeff Parker nicht dabei war. Er wird jedoch mehr als würdig vertreten.

Aus dem Absacker nach dem Konzert in einer Bar namens Mutter werden dann noch einige mehr. Insgesamt ein Ausflug nach Hamburg, der sich mehr als gelohnt hat.

Von Hannover ist es nur ein Katzensprung nach Osnabrück, zudem ist die Stadt an der Hase meine alte Heimat. Als ich dort am ersten Weihnachtstag abends kurz mit Freunden in einer Kneipe saß, lag auf dem Tisch ein Flyer: Jazzfestival Osnabrück, 13.–15. März. Angekündigt war unter anderem das Jakob Bro Trio. Noch 2025 habe ich mir ein Festivalticket besorgt.

Am Freitagabend standen drei Formationen auf der Bühne: das Aaron Parks Trio, Enji und Re:Calamari. Veranstaltungsort war das Blue Note, ein kleiner, intimer Club mit Baratmosphäre, der mich an beiden Abenden mit einem ungemein transparenten, sehr präzisen Klang überraschte.

Nach einer Fahrradfahrt durch strömenden Regen traf ich mich um 19:00 mit A., gerade als die erste Anmoderation vorbei war und das Aaron Parks Trio die Bühne betrat. Es war ausverkauft; wir wussten zunächst nicht recht, wohin, wurden aber sofort sehr gastfreundlich auf zwei freie Stühle an einem Tisch hingewiesen.

Kaum hatten wir Platz genommen, begannen die drei zu spielen: Klavier, Schlagzeug, Bass – sehr lyrisch. Jede*r bekam viel Raum, und doch hörten die Musiker einander aufmerksam zu. Schon zu Beginn ein echtes Highlight. Der lange Applaus bestätigte das.

Das zweite Konzert war von der mongolischen Sängerin Enji, die von Kontrabass und einer erzählenden Gitarre begleitet wurde. Ganz feine Klänge wurden hier gewoben; viel Raum zwischen den Tönen, die Musik konnte atmen – und das Publikum ließ ihr gebannt diesen Raum. Kaum Husten, kaum Gläsergeklirr, kaum Gerede. Die Entscheidung der Veranstalter, den Getränkeausschank während der Konzerte zu unterbrechen, konnte ich spätestens jetzt gut nachvollziehen: Die Nebengeräusche wären viel zu laut gewesen. Insgesamt war das wunderbare Konzert der Formation um Enji mein Favorit des Abends.

Das letzte Konzert spielten Re:Calamari, ein Fusion-Jazz-Quartett aus Köln. Sehr treibend und energetisch: abgefahrene Synthesizerklänge, virtuose Soli, Schlagzeug und Bass als Groove-Maschine. Ganz anders als die eher leisen Künstler zuvor – aber kaum weniger begeisternd.

Am nächsten Tag hörte ich mir um 17:00 ein Podiumsgespräch mit dem Titel „Jazz zur Sprache gebracht“ an. Kundig und unterhaltsam wurde anhand von Klangbeispielen – von Eric Dolphy über Django Reinhardt und Mary Halvorson bis zu Shake Stew – über Jazz gesprochen. Ein besonderes Highlight war eine unveröffentlichte Aufnahme des skandinavischen Keith Jarrett Quartetts aus dem NDR-Archiv.

Das Jakob Bro Trio war der eigentliche Anlass für meinen Besuch. Ich habe die Formation, Jakob Bro an der Gitarre mit Thomas Morgan am Bass und Joey Baron am Schlagzeug, vor ein paar Jahren in Hannover gesehen. Damals gefiel mir das Konzert sehr, doch der Samstag hat das noch einmal deutlich übertroffen. Über zwei Stunden betrieben die drei konzentrierte Klangforschung: spannungsgeladene, feine, leise (Zwischen-)Töne. Nach der Pause wurde es kurz einmal laut und krachig, meistens lauschte die Musik aber der Stille. The most beautiful sound next to silence.

Das Konzert der Band „Hilde“ am Sonntag habe ich dann nicht mehr mitgenommen – zu verführerisch war der freie Nachmittag zu Hause, sodass ich schon um kurz nach 11:00 wieder in der Regionalbahn saß.

Insgesamt ein sehr lohnendes Wochenende. Osnabrück ist zu wünschen, dass dieses kleine Festival zu einer festen Tradition wird und sein fantastisches Niveau halten kann.

Song des Tages:

Die Coverversion eines Jackson Browne Songs

Der Januar war noch nicht vorbei, da bin ich schon zweimal auf ihn gestoßen.

Erst fiel mir sein Bild unten rechts auf Seite 259 in dem Katalog „FMP: The Living Music“ auf. Ich stutzte, brauchte etwas das Gesicht mit dem markanten Schnauzer zuzuordnen und fragte mich, was der große Autor wohl mit Free Jazz zu tun habe.

Eine Woche später bekam ich eine E-Mail. Der Leiter einer Bildungsreise nach Danzig, an der ich Ende März teilnehme, gab Hinweise zum Ablauf und Lesetipps. Unter anderem die ersten beiden Bände der Danziger Trilogie von Günter Grass.

Als strebsamer Mensch bestellte ich mir dann „Katz und Maus“. Als ich F davon erzählte, war sein Kommentar dass er keine Bücher von Nazis lesen würde. Auch andere Gesprächspartner waren skeptisch, ob man Grass aus politischen Gründen noch lesen könne.

Ich habe da nicht ganz tief recherchiert. Grass war Mitglied der Waffen-SS und hat das erst recht spät – ungefähr 10 Jahre vor seinem Tod – zugegeben. Bei Kriegsende war er 17 Jahre, demzufolge bei Machtergreifung fünf, hat also das stark auf Indoktrination ausgerichtete NS-Bildungswesen voll durchlaufen. Hätte ich in der Zeit gelebt…, ich befürchte, dass ich überzeugter Mitläufer gewesen wäre. Er wurde zu Kriegsende eingezogen, war kein Funktionär und nach allem, was bekannt ist, kein Täter.

„Katz und Maus“ ist ein schmales Büchlein mit vielen Kapiteln, so dass man die Lektüre immer gut unterbrechen kann. Das Leben Jugendlicher in Kriegsjahren in Danzig wird teils sehr genau und teils fantastisch-magisch eingefangen. Mal wird gegenwärtig erzählt, mal die Hauptperson direkt angesprochen, mal aus der Erinnerung, so dass eine unwirkliche Atmosphäre entsteht. Und es ist sprachgewaltig; immer wieder mal habe ich mir unbekannte Worte übersprungen. Das Buch ist keine historische Rechtfertigung, eher eine Auseinandersetzung mit der Zeit.

Insgesamt hat mir „Katz und Maus“ so gut gefallen, dass ich mir heute „Die Blechtrommel“ gekauft habe. Auch dieses Buch hat zahlreiche Kapitel (47), allerdings auch sehr viele Seiten (in meiner dtv Ausgabe sind es 779 Seiten, dazu kommt dann noch ein Anhang). Mal sehen, ob ich das bis Ende März, dann fahre ich ja nach Danzig, gelesen habe.

Und wie kommt Grass in den FMP Katalog? Es scheint in den 70er und 80er Jahren auf verschiedenen Veranstaltungen zu Lesungen von Grass mit Jazz Musikern gekommen zu sein, auch mit Peter Brötzmann. Aufnahmen existieren mit Günter Sommer.