ROBERT ALDRICH
Rebell in Hollywood

Robert Aldrich (1918–83) zählt zu den großen Filmemachern Hollywoods. Doch im Gegensatz zu Zeitgenossen wie Sam Fuller oder Nicholas Ray wurde er nie kanonisiert, und sein Name ist bis heute weniger geläufig als jener von Stanley Kubrick, obwohl einige seiner Filme Weltruhm erlangten. Vielleicht ist das nur folgerichtig: Aldrichs rebellischer Geist sperrte sich gegen einfache Klassifizierungen und fordert bis heute neue Entdeckungen heraus. Seine kämpferische Persönlichkeit prägte auch sein kompromissloses Werk. Obwohl er populäre Filme für ein Massenpublikum schuf, blieb seine Botschaft stets subversiv. Sein großes Thema war das Leben als ständiger Kampf in einer feindlichen Welt. Kaum ein Regisseur seiner Generation stellte den Status quo so konsequent infrage. Hinter den Formeln Hollywoods verbarg Aldrich eine radikale Kritik und blieb sich dabei stets treu – auch auf die Gefahr hin, Publikum und Bewunderer vor den Kopf zu stoßen. (Programmhinweis)

Zur Retrospektive ist die erste deutschsprachige Monographie über ihn erschienen, eine Wahnsinnstat!

Robert Aldrich gehört seit Jahrzehnten zu meinen Helden des Genrekinos. Neben Don Siegel.

Meine drei Lieblingsfilme sind:

Kiss Me Deadly (1955)
The Dirty Dozen (1967)
Ulzana‘s Raid (1972)

Film Noir, Kriegsfilm, Western. Jenseits von gut und böse. Absolut modern.

Es gab eine Zeit, als Politikthriller Konjunktur hatten und gesellschaftliche Verhältnisse in spannenden Geschichten und mit innovativen Erzählweisen reflektierten. 
Macht, Korruption und politische Verantwortung. Wir sprechen über das Kino der späten 60er und frühen 70er Jahre, als die Dinge in Bewegung gerieten. In Hollywood brachten Alan J. Pakula, Sidney Pollack und Francis Ford Coppola kommerziell und von der damaligen Kritik hochgelobte Paranoia Thriller heraus, die insbesondere nach Watergate das politische Misstrauen in düsteren Bildern übersetzten.
In Europa überzeugten Costa Gavras und Francesco Rosi mit ihrem engagierten politischen Kino.
Der Grieche Gavras setzte stark auf die Mittel des Unterhaltungskinos, um seine linken politischen Überzeugungen zu vermitteln. Der Italiener Rosi war hingegen ein wahrheitsuchender Intellektueller, ein Zweifler auch an der linken Ideologie, der die kritische Distanz zu seinen Themen mit formalen Mitteln schärfte.

In der ARTE Mediathek sind in den nächsten Monaten zwei der prominentesten Vertreter des europäischen Polithrillers zu bewundern. Schaut Euch beide Filme idealerweise kurz hintereinander an, trotz der thematischen Nähe könnten sie unterschiedlicher nicht sein.
Es sind aus meiner Sicht hervorragende Beispiele aus der Hochphase des Autorenkinos, emotional und gedanklich bewegend, besetzt mit den damaligen Stars des europäischen Kinos.

Z – Anatomie eines politischen Mordes (1969, Costa-Gavras)

Nach dem Mord an einem linken Oppositionspolitiker in Griechenland deckt ein unbeirrbarer Untersuchungsrichter (Jean-Louis Trintignant) die Verstrickung von Polizei, Militär und rechtsextremen Gruppen auf. Es sind die Jahre vor der Militärdiktatur, die Ermordung des von Yves Montand gespielten Abgeordneten und Friedensaktivisten ist historisch. Z ist ein Film der politischen Anklage. In der damaligen Rezeption wurde er kontrovers besprochen, die Zeitschrift Filmkritik titelte „Ein linker Film für Axel Springer“. Aus heutiger Sicht sehr dogmatisch, dass politische Filme nur mit den erzählerischen Mitteln von Brecht und Godard erzählt werden dürften. Costa Gavras setzte Übertreibung, Zuspitzung, Karikatur erzählerisch ein, was vollkommen ok ist. Lediglich die Trennung von linken und rechten Protagonisten in gut und böse ist zweifelhaft. Das Ende entschädigt dafür…

Die Macht und ihr Preis (1976, Francesco Rosi)

In Italien untersucht Inspektor Rogas (Lino Ventura) eine Mordserie an hochrangigen Richtern. Seine Ermittlungen führen ihn zu einer politischen Verschwörung, in die staatliche Institutionen und politische Parteien verstrickt sind. Herkömmliche Kriminalfilme suggerieren dem Zuschauer, dass die Welt durch rationale Ermittlungsarbeit wieder verständlich werden kann. „Die Macht und ihr Preis“ zerstört dieses Vertrauen. Die allgegenwärtige Bedrohung wird in den Schauplätzen, den Handlungen und Dialogen erfahrbar. Sie wird nicht aufgelöst. Rosi hat ein zutiefst pessimistisches Meisterwerk abgeliefert, den für mich besten Paranoia Thriller des europäischen Kinos. Lino Ventura als hartnäckiger wie zweifelnder Ermittler ist ein Kämpfer, der sich mit den Mächtigen anlegt.
Selbst die linken Oppositionspolitiker haben kein Interesse an der Wahrheit, die Verhältnisse bleiben wie sie waren. Am Ende sagt einer von ihnen lapidar: „Die Wahrheit ist nicht immer revolutionär“.

Susumu Yokota – Sakura (1999): Japanische Elektronik zwischen Ambient, Minimalismus und Deep House – ein zeitloses Meisterwerk. Von Brian Eno empfohlen und von mir 😅 *****

Fabio Orsi – In the Quiet of a Short Winter, Every Hidden Thing Finds a Voice Sharper Than Memory (2026): Wenn Erinnerungen verblassen: langsam, fragil, melancholisch. ****

Love Is Yes – Ghost and More Ghosts (2026): Der Bandname der Holländer ist genauso eigenwillig wie die Musik: experimenteller, intimer Pop, wunderbar entrückt – die Geister der Liebe sind allgegenwärtig.****

Startled Insects – The Antenna Years (2026): Großartige Bristol-Ausgrabung: Post-Punk, Synth-Pop, Dub und Avantgarde aus Mitte der Achtziger – zurück in die Zukunft postmoderner Popmusik. ****

“They say ‘when you are in the water, you better swim’. It looks like I have been swimming most of my life, and many times against the tide. The most important thing is to have no regrets.”

— Joe Tossini

Der Plattendealer meines Vertrauens in Wien empfahl mir dieses Album.

1989 als Private Pressing erschienen, wurde es dreißig Jahre später von Jägern obskurer Schätze wiederentdeckt und schließlich zu einem kleinen Kultalbum.

Die Musik ist Lo-Fi-Lounge, Do-it-yourself-Pop. Gesang und Instrumentierung sind eigentümlich „neben der Spur“. Entfernt erinnert das an den verschollenen Kalifornier Lewis.
Tossinis Musik könnte auch wunderbar einen Kaurismäki-Film begleiten.

Was das Album aber so ausdrucksstark und liebenswert macht, ist die Geschichte des Mannes dahinter. Das Was und das Wie verschränken sich hier unnachahmlich.

Davon erzählen die Liner Notes, siehe Kommentar.

Ich saß gestern in einer Bonner Weinstube, las „Flowworker“ und trank ein Glas Weißburgunder.

Nach einiger Zeit setzte sich direkt neben mich ein älteres, gutaussehendes Paar, schätzungsweise Mitte 70. Die beiden unterhielten sich angeregt über ihre Reisen.

Als die Dame die Waschräume aufsuchte, sprach mich der Herr an. Er bedauere, dass es in Bonn nur noch ein richtiges Weinlokal gebe. Am liebsten trinke er Riesling, erzählte er mir, doch leider lasse sich diese Rebsorte in Südafrika, wo er lebe, nicht anbauen.

Gerade erst sei er mit seiner Partnerin auf der Queen Mary 2 von New York nach Hamburg gefahren. Im November wollten sie mit der Aida zurück nach Kapstadt reisen. Das sei doch viel schöner, als zu fliegen.

Ich sagte: „Wow, Sie unternehmen aber viel.“

Er: „Ja, ich habe nur noch ein paar Jahre zu leben. Ich bin schließlich 91 (!) Jahre alt.“

Ich: „Das glaube ich Ihnen nicht. Sie sehen mindestens 15 Jahre jünger aus.“

Er, sichtlich gerührt: „Das liegt an meiner Partnerin. Sie hält mich jung.“

Ich musste an Leonard Cohen und das Cover Motiv von „Popular Problems“ denken. 

…beide Platten habe ich erst nach über 35 Jahren entdeckt als Teile der „What Box?“: phantastisch.

Irgendwo zwischen Manhattan Transfer und Rickie Lee Jones.

Nächtliche Katzenmusik zum Rumstreunen.

Wenn ich mich recht erinnere, hat Michael diesen Begriff vor Jahren aufgebracht, um Werke von The Necks, Nik Bärtsch‘s Ronin oder Joshua Abrams‘ Natural Information Society zu beschreiben.

Liquid Music, rhythmisch, fliessend, repetitiv. 
Lange Stücke mit sich aufbauender hypnotischer Wirkung.

Das im Mai erschienene Album Lagoon des Berliner Klangexperimente Duos Flocks, Werner Durand und Uli Hohmann, würde ich dazu zählen. 

Seit Monaten zieht mich das Titelstück in seinen Bann. 

Eine schöne Besprechung liefert Vito Camarretta (chaindlk.com) aus der ich einige Passagen zitieren möchte:

„The Berlin duo’s second album follows their self-titled 2023 debut, extending an approach based on Durand’s drones and winds, Hohmann’s percussion and strings, and an assortment of electronics. The palette is remarkably tactile: tenor saxophone, extended shakuhachi, pan-ney, circular water ney, frog horn, PVC clarinets and horns meet daf, kanjira, riq, ghatam, Tibetan bells, Venetian shells, bamboo-tube zither and other homemade devices. It is quite a list. One suspects that if you invited these two men round to assemble an IKEA shelf, they would return three hours later with a new species of flute. What makes „Lagoon“ compelling, however, is that the instruments never become curiosities for their own sake. Their unfamiliar timbres are absorbed into a remarkably coherent musical ecosystem. The stated reference points, Krautrock and Jon Hassell’s Fourth World, are certainly audible, but Flocks do not sound like a tribute act rummaging through somebody else’s record collection. The relationship between drone, breath and percussion is too organic for that. Contemporary descriptions of the album have similarly emphasised its long-form, immersive character and the way Durand and Hohmann create a kind of minimal orchestral density from their small arsenal of sounds. (…) FORTSETZUNG IN COMMENT 1

(TP)

Mexiko-Stadt ist eine krasse Metropole. Sie liegt in einem Hochtal auf rund 2.200 Metern, die Metropolregion zählt mehr als 20 Millionen Menschen. Durch die besondere Lage, den dichten Verkehr und Millionen Autos liegt oft eine Smogglocke über der Stadt. Der Verkehr nervt.

Doch anders als Monterrey, wo wir zuvor waren, ist Mexiko-Stadt voller schöner Viertel, kulturell unglaublich abwechslungsreich und charaktervoll.

Und wirklich überall schallt uns Musik entgegen: Straßenmusiker spielen in Cafés bereits zum Frühstück, Mariachi-Kapellen auf den Trajineras, den bunten Flachbooten auf den Kanälen von Xochimilco. Aus Bars und Restaurants strömt unentwegt Latin-Musik.

Nie zuvor habe ich so viel Salsa, Merengue, Cumbia, Bachata und natürlich Mariachi gehört. Ich hatte keine Ahnung, wie schön diese Musik ist und wie sehr sie diesen Teil der Welt prägt.

Mexiko erscheint mir wie ein musikalischer Schmelztiegel, in dem Einflüsse aus Kuba, Puerto Rico, der Dominikanischen Republik und Kolumbien auf die vielfältigen eigenen Traditionen des Landes treffen.

Ich liebe es, Großstädte abseits der Touristenmeilen zu erkunden.

Roma Norte, ein Viertel mit vielen Parks und von Bäumen gesäumten Straßen, die Schatten spenden und zumindest ein wenig gegen Hitze und schlechte Luft helfen, erinnert mich an die ruhigeren, grünen Ecken Barcelonas.

Hier suche ich zwischen hübschen Geschäften zwei Record Stores auf: kleine Oasen für die Entdeckung verborgener Schätze. Im Gespräch mit den Inhabern erfahre ich einiges über Tropical Music – und nehme natürlich ein paar Platten mit.

Eine besonders schöne Empfehlung ist der Mexikaner Gerardo Bátiz, Multiinstrumentalist, Komponist und Arrangeur. In der mexikanischen Jazz- und Fusion-Szene ist er eine Institution, in Europa dagegen kaum bekannt.

Bátiz’ Album Arlequín von 1982 ist ein Meisterwerk, das Stück Amarillo ein Weltmusik-Juwel.

Es erinnert mich entfernt an die Grooves des Brasilianers Naná Vasconcelos. Die Bandbreite des Albums ist enorm: Piano- und Flötenmelodien von Bátiz, die wie ein Instrument eingesetzte Stimme von Cecilia Engelhart und das Schlagwerk von Fernando Toussaint. Das reicht von Latin Jazz über ECM-verwandte Weltmusik bis zu kammermusikalischen Passagen.

Einige Straßen weiter genieße ich Tacos mit den verschiedensten Zutaten. Es gibt kaum etwas, was nicht als Füllung verwertet wird. Mein Highlight: blaue Maistortillas mit Spareribs.

In dem Restaurant höre ich zum ersten Mal den Salsa-Klassiker Periódico de Ayer von Héctor Lavoe, dem El Cantante de los Cantantes. Seitdem bin ich on fire. Den Titel hat er sich verdient.

Lavoe nahm diesen großartigen Feger 1976 für sein zweites Soloalbum De Ti Depende auf. Geschrieben wurde der Song von Tite Curet Alonso, arrangiert von Willie Colón – jenem Posaunisten, Komponisten und Arrangeur, mit dem Lavoe zuvor den New Yorker Salsa der Siebziger entscheidend geprägt hatte.

Eine Jahrhundertverbindung wie Nelson Riddle und Frank Sinatra.

Periódico de Ayer ist jedenfalls kein Schnee von gestern: Selten habe ich eine schönere Verbindung von Trompeten, Streichern, Percussion und Gesang gehört.

Die musikalischen Entdeckungen von Gerardo Bátiz und Héctor Lavoe gehören für mich zu den Highlights von Mexiko-Stadt – genauso wie der Besuch im Blauen Haus, dem ehemaligen Wohnhaus der Künstlerin Frida Kahlo.

Ihre bewegte Lebensgeschichte wird in diesem Idyll der Kontemplation beinahe greifbar. Die üppige Vegetation und die Intensität der Farben sind überwältigend. Überhaupt scheint Farbe in Mexiko allgegenwärtig zu sein: in der Musik, im Tanz, im Essen, an den Häusern und auf den Märkten. Manchmal habe ich das Gefühl, das ganze Land drehe die Sättigung ein paar Stufen höher.

Wer mehr über das Leben von Frida Kahlo und ihrem Lebenspartner Diego Rivera erfahren möchte, dem empfehle ich den Spielfilm Frida (2002) mit Salma Hayek und Alfred Molina.

Zum Abschluss ein Besuch im beeindruckenden Palacio de Bellas Artes.

Wir schauen uns das Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández an.

Was soll ich sagen? Das Ensemble verfügt über ein Repertoire von mehr als 120 Originalchoreographien, in denen mexikanische Volkskultur monumental und hochprofessionell auf die Bühne gebracht wird. Kostüme, Tänze und Musik sind ein Rausch für die Sinne.

Als hätten Vincente Minnelli und Baz Luhrmann gemeinsam Regie geführt.

Nach diesem kulturellen Feuerwerk entschwinden wir Richtung Cancún – und springen in die Karibik.

Den Boden unter den Füßen zu verlieren gehört nicht zu meinen Stärken. Auch nicht, um vier Uhr morgens aufzustehen.

Dennoch haben wir es getan, um die Sonnen- und Mondpyramide in der Ruinenstadt Teotihuacán nordöstlich von Mexiko-Stadt zu sehen. Das UNESCO-Weltkulturerbe aus hundert Metern Höhe zu erleben, ist ein Erlebnis, das man wohl nur einmal im Leben hat.

In der Dämmerung starteten wir im Verbund von etwa 60 Heißluftballons. Der Startplatz ist immer derselbe, doch der Landeplatz ungewiss: The answer, my friend, is blowin’ in the wind. Aus den geplanten 45 Minuten wurden daher 70. Als Soundtrack hätte ich mir „On Land“ von Brian Eno gewünscht.

Der anschließende Besuch der Ruinenstadt war beeindruckend. Kaum zu glauben, dass hier einst hunderttausend Menschen gelebt haben. Ob Teotihuacán wohl schon einmal als Filmkulisse diente?

Abends dann Brot und Spiele in der Arena México vor schätzungsweise 10.000 Zuschauern: Lucha Libre, die wilde Schwester des US-Wrestlings. Die muskulösen Luchadores in ihren zum Teil albernen, hautengen Kostümen hauten aufeinander ein, als gäbe es kein Morgen. Die Choreografie erschien mir wie eine Mischung aus Zirkus Maximus und Slapstick-Komödie.

Die ersten drei Kämpfe waren unterhaltsam, danach wurde es monoton. Der Stimmung im Publikum tat das keinen Abbruch. Publikumsliebling war Blue Panther. Der Luchador ist 65 Jahre alt: Seine Bewegungen sind weniger geschmeidig, dafür hat er das Herz am rechten Fleck.

Ich musste die ganze Zeit an Mickey Rourke in dem erbarmungslosen Drama „The Wrestler“ denken. Hoffentlich nimmt das Leben der Luchadores ein besseres Ende.