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Im letzten Jahr gewann Dag Johan Haugerud mit seinem Film Drømmer (aka Oslo Stories: Träume) den „Goldenen Bären“ der Berlinale. Drømmer/Träume ist nach Sex (Verleihtitel Sehnsucht, 2024 bei der Berlinale gezeigt) und Kjærlighet (Liebe, 2024 beim Filmfestival in Venedig uraufgeführt) der dritte veröffentliche Teil der „Sex, Dreams, Love“-Trilogie.

Die Filme waren in Gesprächen zwischen mir und Stephan Schoenholtz, Drehbuchautor und ebenfalls Filmemacher, im letzten Jahr viel Thema, unter anderem wegen der markanten Weise, auf die Dag Johan Haugerud mit Dialog erzählt und dass er, in diesen drei Filmen, aber auch darüber hinaus, ganz oft viele Dinge nicht macht, die man in Lehrbüchern und Seminaren zum Drehbuchschreiben immer vorgebetet bekommt. Der „Goldene Bär“ war eine wunderbare Wertschätzung für diese Art von unspektakulärem, persönlichem und nicht (wie bei der Berlinale oft der Fall) demonstrativ politischem Kino und Erzählen, dem sonst oft die Anerkennung verwehrt bleibt. Und Drømmer war auch einer der klar besten Filme des letztem Jahres, letztlich ein beeindruckender Höhepunkt in der künstlerischen Laufbahn des 60 Jahre alten norwegischen Filmemachers und Romanautors, der außerhalb Norwegens bis dahin kaum jemandem bekannt war.

Stephan schlug also vor, gemeinsam nach Oslo zu fahren und Dag Johan Haugerud für REVOLVER, die seit 28 Jahren von deutschen Filmschaffenden geführte „Zeitschrift für Film“, zum Gespräch zu treffen, um über sein gesamtes filmisches Werk und seine Arbeitsweise zu sprechen. Unsere Begegnung, also das Gespräch fand im Dezember im Literaturhaus in Oslo statt, und es dauerte tatsächlich bis jetzt, bis unsere von gut drei Stunden Talk auf 30.000 Zeichen ins Deutsche übersetzte Verdichtung gedruckt erscheint.

Das neue REVOLVER-Heft Nr. 54 erschiein am 30. Juni und ist per ISBN in jedem Buchhandel oder über die Revolver-Webseite erhältlich, als 160-seitiges Buch im Format DIN-A6.

Natürlich mussten wir beim Verdichten vieles weglassen, also teile ich hier einen längeren Auszug des Gesprächs, den wir in der deutschen, gedruckten Fassung nicht dringelassen haben. Da geht es weniger spezifisch ums Erzählen und die Drehbucharbeit und die Regie-/Autoren-Themen als im Revolver-Text, sondern speziell um die Musik.

ijb: In your film Kjærlighet (Oslo Stories: Love), I felt there’s a very specific way of using music. How did you discuss music and decide where to place music with the composer? How much did you know when you wrote and shot the film?

Haugerud: Let’s take Barn (Beware of Children) as an example, because there the plan was [for it to be] almost like a musical. It was supposed to have music all the time.

ijb: All the time?

Haugerud: Yes.

ijb: 2.5 hours?

Haugerud: Yes. And there was a composer who tried to do that. And of course, it was impossible. It didn’t turn out well at all. The music didn’t work, and it wasn’t possible.

ijb: When did you have that idea?

Haugerud: I just felt it – „wouldn’t it be great if it felt like a musical without being a musical?“ It was like a crazy [idea]. That was in the directing note. So that was what we were [starting with].

ijb: Is there a lot of music in the film now?

Haugerud: No, there is not. […] Obviously it didn’t work. So then we had to reconsider how we should use the music there. I really like to listen to music when I watch a film, but when the music is there, I want to have time to go into it and listen to it. And I don’t really like [film] music when it’s trying to seduce me into feeling something; if it’s manipulative. I don’t know what you think about that, but when you start editing, you kind of want the film to work on its own, without music. You don’t want to need the music [for] it to work. But I really like music in films, so then you have to use it in a different way. Not as a kind of just a soundtrack… and since [cinematographer] Cecilie and me are interested to try to „pull the world into the film“, we can use it in those elements. In Sex (deutscher Titel: Sehnsucht / Oslo Stories: Sex) I think it’s [very much] used in that way. But it’s used in that way in both I belong (Som du ser meg) and in Barn as well I think. And also in Love.

sts: Yes, in I belong, the music characterizes each of the three episodes.

Haugerud: Yes.

sts: I found that quite … courageous. Or interesting, experimental how you introduced all of the three musical themes at the beginning.

Haugerud: At the beginning, we are putting them on top of each other. That was the composer who wanted to do that. And I think it was a great move, because it becomes almost cacophonic.

sts: Yes, exactly.

ijb: And then each of the stories has a very different way of using music.

Haugerud: Yes, because we wanted to have different instrumentation for each person. 

ijb: And the music is also following a different approach in each of the episodes. And I have a feeling in the „Oslo trilogy“, too. In Dreams (Drømmer), when did the composer, Anna Berg, come in into the process, and what did you tell her? How did you know when you wanted to have music? Sometimes it’s quite surprising, I think, to hear music in some sections.

Haugerud: First of all, I have to say that she was supposed to make the music for Love, but she didn’t manage to do it time-wise. Then we decided that she should make the music for Dreams instead. She comes with a lot of ideas. I wanted her ideas because she’s a contemporary composer; I wasn’t so interested in melody as I usually am. I wanted her to use and develop some compositional elements she has been working with before – before she started to work on this project. She hadn’t done anything for cinema before. She’s quite a young composer.

ijb: Did she start working on the music when the edit was finished or before?

Haugerud: A bit before, but then she gave me different tracks to listen to, different ideas, and we discussed them. I think it’s always hard to talk about music, because we tend to not talk about the same things, even if we try to describe it as well as possible. I had to understand her way of thinking. She’s very technical about composing. It’s almost like a formula.

ijb: Would you say the music is analytical in this film?

Haugerud: Yes, very much so. Peder Kjellsby, who composed the music for the other two films, is more like an emotional composer.

ijb: That was my feeling, too. That’s why I think it’s so special. Sometimes the music appears and it seems to comment on the story, but not in the way that you expect it to comment. It’s more like it’s opening up a different storyline at the same time, like a parallel story. And sometimes it’s going away from the characters. You were talking about the camera sometimes going away from characters, like when in Kjærlighet they’re on the terrace and the geologist is talking and then you are doing that one long camera pan. 

Haugerud: Yes. And then you hear the sound from the earth. 

ijb: So sometimes I feel the music is doing the same thing, like moving into a direction that is going away from the characters.

Haugerud: Yes.

ijb: Sometimes I can’t be sure what it is that it’s telling me. […] There’s one shot of Oslofjord at night, from the ferry, later in the film, like three, four minutes or something and only music to the city at night, slowly moving, on the ferry ride. The music is quite strong there. How did you decide to make this long shot there; how do you decide it’s going to be that long with nothing else happening? 

Haugerud: That’s just I was talking about [earlier]: In order to start looking at the traffic or the choreography in the streets or the buildings, it needs to have a certain duration. Otherwise, it’s just transportation. It’s not supposed to be that. It’s supposed to make you look at the city hall and the city behind it. There’s a lot of traffic going on in there. That’s the image I like the best of the whole film, because that’s what I love to see.

ijb: So did the music come afterwards?

Haugerud: We had shot it [first, a] very long [take], for ten minutes.

ijb: So he composed music and then you decided how long the shot would be in the film?

Haugerud: He composed the music that was supposed to be „night on the boat“. When we are talking about music, we always try to capture, you know, how we feel. „What is the music of these streets?“, in a way. How do we feel when we are walking down the street? We know Oslo very well, both of us. And there are a lot of things that make music. There are a lot of memories and thoughts of what has been before, what kind of music has been going on in our lives. If you have some memories from walking down the street, these [will] come into the music. Of course we don’t have the same memories, but we are about the same age, so we have the same references in a way. So we come up with some music that to us feels quite true to the different locations. That’s the soundtrack to this part of the city. But for other people, it might be totally different. [There are] a lot of elements from jazz, because he’s a jazz musician. So it’s a lot of elements from Norwegian jazz throughout.

ijb: That’s why it ends with the jazz quintet on the city hall.

Haugerud: Yes. [Regarding] Sex, in Norway, there was a kind of yacht jazz-rock band called „Lava“ in the 80s, and we both feel that a lot of the locations in Oslo are very connected to that kind of music. Sidsel Endresen was also singing in that band. It is some kind of jazz-rock style. And we wanted to bring that back into those locations. Strangely, it works very well for us, and strangely, it works for other people as well because they think, „oh yeah!“ It’s not even a theory. It’s just what kind of music you relate to different places can be very different, of course. You just have to use yourself, your own memories and your own nostalgia.

Nils Petter Molvær tritt heute, am 24. Juli um 18:30 Uhr, im Auditorio Kursaal in San Sebastián auf. Das Konzert ist Teil des 61. Jazzaldia Festivals, bei dem er sein berühmtes Album Khmer neu interpretiert. Das Foto von Jan Bang entstand eine Minute vor Einlassbeginn.

Khmer reste aussi provocateur et magnétique qu’à ses débuts, un voyage hypnotique qui oscille entre intensité, beauté et vibrations électroniques. Un pont entre les générations et les genres, une œuvre magique qui continue d’inspirer, toujours vivante et toujours nouvelle. Un joyau de l’histoire du Jazz norvégien qui nous emmènera vers des territoires inexplorés, beaux et vibrants.

Höchst faszinierend, wie diese Suite in einem Flow als ein klassisches Album workt. Wie ich las, gab eine Depression im Zuge der Entwicklung im Jahr 2020 Ed O’Brien Anstoß für die Arbeit an Blue Morpho. Und mit diesem Hintergrundwissen ist es gleich nochmal eindrucksvoller, wie diese sieben subtil ausufernden Stücke vielschichtig eine inspirierende Erfahrung, einen persönlichen, sozusagen inneren Weg nacherleben lassen. Ich meine, ich greife nicht zu hoch, wenn ich nach einigen Hördurchgängen dieses Albums von einem Meisterwerk spreche, das im aktuellen Jahr den Status eines Klassikers verdient hat und womöglich das beste Radiohead-Album seit fast 20 Jahren ist. 

(ingo j biermann)

While the A-side of the Mattias de Craene & Black Koyo album is more up tempo, the B-side has a slightly different feeling: a quieter and dream like assembly of different soundscapes, of chants that gives a sense of a physical place. A Bridge of Dust and Air is a collage of textures, abrupt digital noise as If captured from a signal station: Background chants, almost whispering voices and distant singing; field recordings from Mattias´ visits in Marocco that includes the sound of waves, sounds from the minaret, bird calls and children playing. A project like this has many layers: the traditional music inherited from generations of players that has been developing through migration and in meetings with other traditions; Mattias de Craene´s search for a spirituality in music; New technology and ancient traditions. Neither jazz nor world music, but an assembly of what resonates within himself.

(jan bang)

These are our „albums of July“. Looking forward to August, our monthly revelations will probably be Nils Petter Molvaer‘s „Be Quiet“ (presented by Jan Bang, who was on the mixing desk, too) and Daniel Lanois‘ „Belladonna Nocturne“ (highly recommended by myself). „I am very curious if there will be song albums this year that will impress you to the same degree or even more than Lambchop‘s Punching The Clown will possibly do.“ This I emailed to Jan Bang, and his answer was: „Haven’t heard the Lambchop album yet, but the Ed O’Brien song «Incantations» comes close to brilliance.“

(m.e.)

Some days ago, Thomas, Andy Beta and I exchanged and talked about our favourite Marion Brown albums. Underrated in every way is Brown‘s last album for Impulse, named „Vista“, produced by Ed Michael in New York, Besides the appearance of jazz maestros like Reggie Workman or Stanley Cowell (whose „Illusion Suite“ will soon be released on ECM’s „Luminessence vinyl series), the album is notable, too, for the appearance of ambient pioneer Harold Budd on celesta and gong on his own composition “Bismillahi ‘Rahmani ‘Rrahim” that would appear in longer form on Brian Eno-produced album “The Pavilion of Dreams” in 1978. „Vista“ as a whole is a never-ending summer love affair, the deepest kind of „easy listening“, in the same way, you could call Eno‘s „Music for Films“ modern mood music. Few albums in my life are more connected to that perfect summer vibe and breeze in the mid-1970‘s, all gates open, all fields green. How I long to feel that summer in my heart, but, why longing, HERE it is! In other words, „Vista“ is a labour of love. Thinking of summer vibes, maritime moods, floating spheres, there will be one album that may match and mirror moods of „Vista“ this year, Enzo Favata‘s „Ritornare“

Man mische in einer großen Schale: ein Bund in Scheiben geschnittene Frühlingszwiebeln, 4 grob geriebene Karotten und einen fein geschnittenen Weiß- oder Spitzkohl. 

Für das Dressing in einem Glas mit Deckel (zum Beispiel ein altes Senfglas) je 2 EL Sojasauce/Weißwein- oder Reisessig/Sesamöl/Olivenöl und je 1 EL Honig/gepressten Knoblauch/geriebenen Ingwer gründlich vermischen, so dass der Honig aufgelöst ist. Anschließend mit dem Gemüse (+ Salz und Pfeffer) vermengen. 10-20 Minuten ziehen lassen, mit etwas Koriander bestreuen und ein paar Spritzern Limette beträufeln – und dann essen. (Nach Täglich vegetarisch von Hugh Fearnley-Whittingstall).

There’s a subtlety and nuance to all of Tibbetts’ work that I find hard to pin down or name. And over the past few years, he’s moving at his leisure: in the 21st century, he’s released albums in 6-8 year spans. Even after dozens of listens to his latest, 2025’s Close, it felt like spilled mercury. The more I tried to grab a hold, the more it moved through my grasp. It feels like it will continue to yield new aspects of his sound over the next few years until the next glimpse of his sound comes into earshot.

„„Widow’s Bay“ ist eine Horrorkomödie über eine kleine Insel in New England, auf der ein jahrhundertealter übernatürlicher Fluch lastet. Das Beste an diesem Film ist seine absolut meisterhafte Beherrschung des Tons. Meistens, wenn so etwas versucht wird, gerät die Balance ein wenig aus dem Lot; entweder sind die Schreckmomente zu parodistisch oder ironisch, oder die Witze dienen lediglich als faule Spannungsbrecher. „Widow’s Bay“ schafft es jedoch irgendwie, beides genau richtig hinzubekommen. Der Film ist gleichzeitig eine wunderbar bissige, spritzige, charakterbasierte Komödie und jene Art von wirklich beunruhigendem Horror, bei dem man unbewusst den Atem anhält. Dass es dem Film gelungen ist, dies zu erreichen, ohne irgendetwas zu verwässern, grenzt an ein Wunder.“ (Stuart Heritage, The Guardian)

1) John Sugar, Staffel 2 (Apple +)
2) Maximum Pleasure Guaranteed, Staffel 1 (Apple +)
3) Widow‘s Bay, Staffel 1 (Apple +)

“Dead Of Winter – Eisige Stille“ (prime, bluray, dvd)

Man nehme meine Empfehlungen mit gebotener Vorsicht auf, denn bei etlichen Filmen, die hier über die Jahre begeisterte Resonanz auslösten, blieb ich komplett gelangweilt zurück, ob es um etliche „Linklaters“ geht, um Baumbach-Filme a la „The Meyerowitz Stories“ oder „Marriage“, um „Die Fablemans“ von Stephen Spielberg oder James Ivorys „Was vom Tage übrig blieb“ (wo übrigens auch Emma Thompson mitwirkt).

„Dead Of Winter“ benutzt einige „basics“ des Klassikers „Fargo“ der Coen-Brüder: eine irre Psychopathin, gandenlose Winterlandschaften, und eine starke weibliche Protagonistin. Allerdings webt der Regisseur James Kirk daraus eine ureigene Geschichte von Liebe, Tod, Trauer und Wahnsinn. Ein Drehbuch der Extraklasse, das jeder Oberfläche einen eigenen Abgrund unterlegt.

Wie man puren Horror und schwarzen Humor eins werden lassen kann, beweisen die beiden neuen Serien „Maximum Pleasure Guaranteed“ (wo es auch um Vereinsamung in virtuellen Wirklichkeiten geht) und „Widow‘s Bay“ (wo ein „Nebel des Grauens“ a la John Carpenter mehr als einen Abstecher nach „Twin Peaks“ bereithält!), dermassen raffiniert, dass die Stories weit über die Erfüllung genretypischer Muster hinausgehen. Bleibt noch der Privatdetektiv John Sugar, mit Colin Farrell: auch die zweite Staffel eine Meditation über essentielle Fragen des Lebens: Kino pur im TV-Format!

Ich weiss ziemlich genau, was mich an diesem „quartet of excellence“ fesselt, dieser „sehr“ persönliche Faktor, der meistens in Filmkritiken ausgespart wird. Gutes Entertainment allein langweilt mich genauso wie – mitunter (!) – kanonisierte Filmkunst. Das „gewisse Etwas“ ist zwar nicht so schwer in Worte zu fassen, aber selten ein schlagendes Argument. Weil: strictly personal! Der Filmkritiker ist letzlich ein unverlässlicher Erzähler, aber mit der Zeit lernen wir bestimmte Unverlässlichkeiten besonders schätzen!

Zugabe: Um hier auch bei Filmen auf drei Empfehlungen zu kommen, möchte ich an zwei ältere Filme erinnern, die ich erst lange nach ihrer Entstehung entdeckt habe, und seitdem wieder und wieder und wieder ansehen kann, so sehr gerate ich jedesmal in ihren Bann.

“Medium Cool“ (Haskell Wexler, USA, 1969)
“Das rote Eichhörnchen“ (Julio Medem, Spanien, 1993)

Es ist schon ein paar Jahre her, da sah ich einen anderen meiner vier Lieblingsfilme des Basken über eine Woche lang an, jeden Tag einmal, in den Abendstunden, „Tierra“. Es war ein unvergesslicher Trip, jedesmal öffneten sich Horizonte, jedesmal das volle Programm von Wirbelschauern, Ergriffenheit und tiefer Trance! Ich stellte mir keine klugen Fragen, ich ordnete das, was ich sah, nicht in die üblichen Fächer. Ein Film, der mir ein paar Schlüssel in die Hand gab, ich musste nur den Mut haben, die eine und andere Pforte zu öffnen.

Jetzt wurde dieses Album also wieder auf den Markt gebracht, mit beiden Fassungen, die damals aufgenommen wurden: eine Ur-Opus des Free Jazz, ein weiteres Statement von John Coltranes unentwegtem Verschieben der Grenzen – er verstörte damit so viele seiner alten Hörer, wie Miles Davis mit „Bitches Brew“. Free Jazz!

Es war damals mein erstes Coltrane-Album, ich war um die 18 und hatte Joachim Ernst B’s Jazzbuchklassiker verschlungen – dort nahm ich wohl die Spur auf. In der Folge entdeckte ich andere Free Jazz-Alben des Frühverstorbenen, die mich mehr packten, dauerhaft und folgenreich, wie etwa das über drei Lps verteilte „Concert in Japan“: wer sich in dieses Album verliebte, hatte den sog. Free Jazz endgültg für sich entdeckt, radikaler geht es nicht, und doch wurde mir seltsam bewusst, welche melodischen Anteile und Elemente (und viel mehr als Spurenelemente) in dieser kollektiven Exstase mitschwangen, bei Coltrane, Sanders, Alice, Rashied, und Garrison. Das wurde bei Verächtern dieser Kost nie wahrgenommen oder unterschlagen. Dass diese japanischen Konzerte übrgens allesamt in Mono waren, mochte bei manchen die Akzeptanzschwelle noch etwas erhöhen.

Nun bin ich neugierig, wie ich auf „Ascension“ anno 2026 reagiere, denn kleine Ewigkeiten lang habe ich es nicht mehr gehört, anders als etwa „Crescent“ oder „Interstellar Space“. Im September jährt sich John Coltranes 100. Geburtstag – die Jazzredaktion des Deutschlandfunks liess sich einiges für diesen Monat einfallen – und sollte ich in den Klanghorizonten am 24. September wenigstens am Rande darauf eingehen, dann vielleicht mit einer Platte von Marion Brown, der zu den Solisten auf „Ascension“ gehört und später bei „Impulse“ und anderswo wunderbar freigeistige wie melodische Alben veröffentlichte – wir berichteten darüber. (m.e.)

„Die Kraft der Soli von „Ascension“ ist gewaltig, wobei die instrumentale Stimme jedes einzelnen Musikers ihren eigenen Weg bahnt – Pharoah Sanders’ übertriebene Obertöne, Archie Shepps herzliche Flamme, Marion Browns süße Schärfe, McCoy Tyners funkelnde Kraft. All dies entfaltet sich in einem Raum, den Coltrane geschaffen hat und in dem absolut kein Platz für Ego ist. Es war das Ego, das den feurigen Rashied Ali davon abhielt, an der Session teilzunehmen, da er nicht bereit war, sich die Schlagzeugpartie mit Elvin Jones zu teilen. („Stell dir vor, er wäre dabei gewesen!“, sagte Courtney Pine.) Ali bereute diese Entscheidung später, entwickelte sich jedoch zu einem prägenden Schlagzeuger der Free-Jazz-Ära und ersetzte schließlich Jones in Coltranes letzter Besetzung: einem Quintett mit Sanders am Tenorsaxophon, Alice Coltrane am Klavier und Garrison am Bass.

„Niemand bei einer kommerziellen Plattenfirma hätte 1965, hätte man ihm die erste Pressung davon gegeben, gesagt: ‚Das müssen wir veröffentlichen‘“, sagt Kahn. „Es ging so weit über die Erfahrung und das Verständnis aller bei Impulse! oder dessen Muttergesellschaft ABC hinaus.“ Doch Coltrane hatte sich seine Freiheit verdient. 1963 hatte Produzent Bob Thiele ihn zu zugänglicheren Projekten gelenkt – ein Album mit Duke Ellington, eines mit Johnny Hartman und eine Sammlung von Balladen. Coltrane willigte ein und lieferte einige der kommerziell erfolgreichsten Aufnahmen seiner Karriere ab, wenn auch zu seinen eigenen Bedingungen, wobei er oft Material wählte, das außerhalb des Standard-Jazz-Repertoires lag. „Er hatte 1963 getan, was Thiele wollte“, sagt Kahn. „Jetzt waren sie an der Reihe, das zu tun, was er wollte.“

(Uncut, August 2026)

„Thank you for publishing a feature that treated Ascension not as a difficult historical artefact, but as a living work of art that still speaks with urgency, power and humanity more than sixty years after it was recorded.“ (Federico Forni, London)

In der SZ wird in der Wochenendausgabe auf den Film „Saturday Night Fever“ hingewiesen, der heute Abend auf Arte um 20.15 Uhr läuft, als „einer der zentralen Filme, die parallel zu den Zeitläuften das Lebensgefühl der westlichen Siebzigerjahre-Jugend einfangen“. Nun, so stromlinienförmig lief das damals nicht ab, und wenn man bei vielen Einzelwesen von damals das „Herausrevoltieren“ aus konservativen Kreisen nachzeichnet, tritt immer wieder Überraschendes zutage. Von Anfang an fand ich die von John Travolta gespielte Figur kurz-vor-ätzend. Trotz meiner gesammten romantischen Sehnsüchte und Transzendierungsideale: die Disco-Welt kam darin nicht vor, sie hatte zuviel Glitzerpomp und Balzgehabe für mein Empfinden. So dauerte es durchaus lange und war schon fast detektivischem Rückblick geschuldet, dass mir eines klar wurde: wie wunderbar und, ja, auch sehnsuchtstrunken, der Soundtrack der Bee Gees für „Saturday Night Fever“ ist. Wenn man ihn nur trennte von diesen angestrengtem Rumgewuppe zwischen Neonlicht und Discokugeln. Von der exzessiven Haarpflege ganz zu schweigen! Ich erinnere mich an einen Besuch mit meiner grossen Liebe der 1970er in einer Diskothek jener Jahre. In Würzburg.

Frisch verliebt waren wir, und es lief ein Song von dem wunderbar ausgeflippten ersten Kate Bush-Album, und sehr zu meiner Freude, mein Lieblingssong von 10CC, „Dreadlock Holiday“. Ich lotste meine hinreissende Christiane auf die Tanzfläche, wir schwangen die Hüften, und ich konnte meinen Blick kaum abwenden von ihrem alsbald herrlich verschwitzten Gesicht. I wanted to kiss her forever! Rückblickend war das der einzige haftengebliebene „Disco-Moment“ meines Lebens, schon damals etwas verleidet dadurch, dass Afroamerikanern der Zutritt verwehrt blieb. In unserem Liebesnest im Internationalen Studentenhaus lief dann, vor und nach Mitternacht, und früh am Morgen, der „Soundtrack unseres Lebens“, „Desire“ von Bob Dylan, „Zuma“ von Neil Young, und „Yellow Fields“ von Eberhard Weber. Thank you for the days!