Als Ingo sich vor Tagen erkundete, was denn so unsere Lieblingsalben der 1960er Jahre wären, wurde mir klar, dass ich, Jahrgang 1955, ein Kind der 1970er Jahre bin. Denn in den „wild sixties“ bestand meine Sammlung ais einem Haufen Singles und nur sehr wenigen Langspielplatten. Die Kinks waren meine Band, auf Augenhöhe mit den Beatles, aber ich hatte vom ihnen nur einen Haufen Singles. Keine Lust hatte ich, aus ich meiner heutigen Sicht die Klassiker jenes Jahrzehnts zu versammeln, und so schrieb ich meine Bestenliste mit einem Augenzwinkern Richtung Ror Wolf bzw. der „Poesie“ seines Fussballbuches „Punkt ist Punkt“. Hätte er ein Musikbuch geschrieben, ein imaginäres „Sound ist Sound“, hätte sie dort einen guten Platz gefunden.

Meine schönsten Alben der 1960er Jahre

1. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
2. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
3. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
4. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
5. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
6. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
7. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
8. The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
9. Pink Floyd: A Saucerful of Secrets
10. The Rolling Stones: Aftermath

Carefully remembered and evaluated by Michael E.

Dann ging es richtig los. Der grösste Teil der „Prägungen“ meiner Vorlieben, was Genres betrifft und Seelennahrung, meine „gates of perception“ entstand zwischen 1970 und 1975, mit Wucht: ob es die hohe Kunst von Neil, Joni und Leonard war, der Free Jazz und alles andere auf Impulse, der „elektrische Miles“, Soft Machines drittes Album, die frühen „golden years“ of ECM, Gustav Mahler, und, kein Witz, um den Nikolaustag des Jahres 1975 herum, meine Story mit Brian Eno. Genug Stoff, genug Fundamente für ausgefüllte Radionächte im Deutschlandfunk viele Jahre später. Es gefiel mir natürlich als Carla Bley in einem Interview erzählte, für wie unerschöpflich und reich sie die Musik von Sgt. Pepper und Gustav Mahler hielt (etwa zur Zeit zwischen „Escalator Over The Hill“ und Tropic Appetites“)

Bei dem Engländer verwunderte es mich anfangs, dass mich seine frühen Ambient-Platten genauso bezauberten wie seine Songs. Ich weiss noch genau (jetzt folgt eine Repertoire-Geschichte, aber man verzeihe mir in diesen Wochen eine Portion Nostalgie), wie ich im Zeitschriftenladen „Montanus“ in Würzburg die neue Ausgabe des „Melody Maker“ oder „NME“ in die Hönde bekam und einen gnadenlosen, hämischen Verriss von „Music For Airports“ las.

Ich weiss nicht, ob jemals jemand von den Lesern dieser Zeilen eine solche Vorfreude auf ein Album entwickelt hat wie ich in jenen Minuten (es war ein heisser Sommertag anno 1978, glaube ich), eine Vorfreude, die allein auf einem fast schon hasserfüllten Artikel fusste. Dass der Kollege einen an der Waffel hatte, war mir sofort klar (Punk war offensichtlich seine Religion, und brachte damals ein paar erstaunlich reaktionäre Musikkritiker hervor, erinnert sei, in der seligen Sounds, an Alfred Hilsbergs dumpfbackigen Verriss von „London Calling“). Während sich also der englische Kritikaster amüsierte über die Dämlichkeit des Wortes „Ambient“, klopfte ich den Text ab auf seine wenigen sachdienlichen Informationen ab, und mein Herz machte einen weiteren Sprung, als ich las, dass Robert Wyatt für die Klaviertöne sorgte.

Als sich Wochen später das Album endlich zum ersten Mal auf meinem Plattenteller drehte, übertraf seine stille Wucht meine kühnsten Träumereien. Ich höre es heute noch liebend gerne, und spürte von Anfang an, dass den Klängen weitaus mehr als ihr Merkmal einer rein „funktionellen Musik“ innewohnte, etwa eine leise, seltsame, sprachlich überhaupt nicht greifbare, Melancholie! An einem öffentlichen Ort hörte ich Brians Flughafenmusik nur im Café und den vulkanischen Pfaden von Jameos del Agua auf Lanzarote. Jahr für Jahr, looping the loop. Auch das unvergessen.

Lieber Micha,

ja, das Leben hat es gut mit uns gemeint. Während Du die Norddee genossen hast, waren wir in der Bretagne mit Monika C. und ihrem französischen Ehemann.

Bekannte hatten uns vorgewarnt, dass man mit viel unangenehmem Nieselregen und Wind rechnen muss, aber davon haben wir nur einen halben Tag lang etwas abbekommen.

Nächstes Jahr noch einmal Sylt. Vielleicht wird es dann ja etwas mit den Parallelwelten!?

Für dich erweitert sich der Radiohorizont nun also ins Unendliche. Abschiedsschmerz, Neugier auf das Danach?

Brian Eno hilft bestimmt bei der Abrundung der Klanghorizonten-Gestalt.

Ich habe erst kürzlich wieder „Thursday Afternoon“ aufgelegt und habe mit etwas Wehmut an die Zeit gedacht, als unsere Kinder klein waren und die CD regelmäßig beim Vorlesen der Gutenachtgeschichten lief. Die Jungs nannten sie „Tröpfchenmusik“.

Halt die Ohren steif!

Und die inneren Ohren offen,

Ralf

„Second Song“ ist ein Akt der Hypnose. Bei allem anhaltenden und sich endlos erneuernden Einfluss von Neil Young ist diese Kraft etwas, an das niemand heranreicht. Man kann sein launisches, miauendes kanadisches Jammern nachahmen; seinen Verité-Ansatz bei Studioaufnahmen übernehmen; die Akustikgitarre auf Drop-D stimmen und die E-Gitarre über einen Vintage-Verstärker mit Overdrive spielen; ein Solo aus nur einer Note reißen und sich in das Griffbrett graben, als hätte dir ein schwächerer Spieler sein Instrument gereicht, um den Hals einzuspielen. Aber wer sonst kann mit solcher Leichtigkeit und Geduld, mit so wenigen Mitteln, diesen körnigen, herbstlichen Traumzustand heraufbeschwören? Zum ersten Mal seit dem lauteren und raueren „Psychedelic Pill“ aus dem Jahr 2012 schwelgt Young auf seinem 50. Studioalbum in dieser Gabe und verbreitet einen Schimmer bittersüßer Zufriedenheit, der in seinem Gesamtwerk einzigartig wirkt.

So beginnt Sam Sodomskys Besprechung von Neil Youngs neuer Platte, und ich unterschreibe jedes Wort dieses Auftakts. Ich habe sie heute nachmittag zum ersten Mal gehört, und die Songs transportierten mich.

Dieses Cover von Brian Enos „Discreet Music“: erst sieht man einfach nur etwas Schwarzes, dann erkennt man eine Großstadtarchitektur, von einem Schwarzfilter nah ans Unsichtbare gedrängt. Und so, wie man sich langsam auf die Klänge einschwingt, so gewöhnen sich die Augen auch erst allmählich an das Cover, an die Dinge, die sichtbar werden. Ein kleines Viereck macht sich frei von diesem Filter, und man erkennt dort eine Spur von warm strömendem Tageslicht.

Wir wussten es damals nicht, aber bei dieser Etude in Unendlichkeit konnte das Unbewusste üben, wie es ist, wenn Menschen kommen und gehen, kleine Lieben, große Lieben, flüchtige Freunde, gute Bekannte, vertraute Gesichter, kurz aufflackernde Moden, Frauen, die damals Hanne hiessen oder Verena oder Julia. „Discreet Music“ war der sanftese „Melancholie-Hammer“ meiner jungen Jahre. Und der späteren. Alles ist flüchtig, ein Quantum Glück. Eine Musik, die, wäre sie nicht so schwebend, auch purer Abgrund sein  könnte, musique noir. Der immense Reichtum der Obertöne, wenn das Geschehen verlangsamt wird.

„Der Inhalt einer Sanduhr in ein Tuch geschüttet. Du kannst die Zeit tragen, wohin du magst. Ihr gebrochenes Herz, wenn die gesammelten Stunden in der Tasche vergessen werden. Die Überlebenden sind sorglos. Manchmal spüren sie ein Staubkorn, das im Auge reibt. Zaghafte Vergänglichkeit.“ (Karl Krolow) 

People  come and go / And  forget to close the door / And leave their stains and cigarette butts / Trampled on the floor / And when they do, remember me, remember me“ (Brian Eno)

„For a long time, releasing this music seemed impossible. The loss felt too sudden, and the emotional connection too profound. As time passed, it became clear that these twelve musical encounters should have life outside the archive. To honor Ryuichi’s wish, these pieces are now being released as the continuation of a dialogue that extends beyond the physical.“

So endet der Begleittext von Carsten Nicolai alias Alva Noto zu der am kommenden Freitag erscheinenden Arbeit „12 Conversations“ von Sakamoto und Noto. Rasch lösten sich die typisch feuilletonistischen Reflexe griffiger oder halbwegs origineller Worte zur Musik in Luft auf. Wie bei den Alben „Belladonna Nocturne“ von Daniel Lanois und „Sol.Hz“ von Seefeel machte sich mehr und mehr Sprachlosigkeit breit, ein Begleitphänomen reinen Verblüfftseins. Ohne das ausdrücklich zu erwähnen, habe ich drei Stücke dieser in jedem Format erhältlichen „Langspielplatten“ im ersten Teil meiner kommenden „Horizonte“ untergebracht, mit dem Obertitel „Nocturnal Green“. Wie der Titel von Teil 2 suggeriert, „Red Cabrio in Los Angeles“, nimmt die Musik, flapsig gesagt, Fahrt auf, und zum Ende hin wirds gleich eine ziemlich wilde. Ein rotes Cabrio in L.A.? Der Drummer von Michael Jackson? Nicht, dass Sie sich im falschen Film wähnen, und jetzt jemand an „Bullitt“ denkt, mit Steve McQueen, Jacqueline Bisset, und einer furiosen Verfolgungsjagd. Der Film mit dem keine Gefangenen machenden Soundtrack von Lalo Schifrin wurde ja auch in San Francisco gedreht.

Der Komponist, den „der Meister“ an Land gezogen hatte, nutzte für diesen ganz und gar besonderen Film, der wahlweise tiefe Trance oder extreme Langeweile erzeugte, in lang vergangenen Studententagen (da hat jeder seine eigene Geschichte) Tropfen und Spritzer als Grundlage für seine an Popol Vuh erinnernde kosmische Filmmusik. Inspiriert von der klassischen indischen Musik verwob der Soundtrack, den es nun in einer kleinen „Schatzkiste“ gibt, Flöte, Cembalo und die iranische Tar zu dem vorsichtig, sehr vorsichtig optimistischen Hauptthema des Films, wobei das anhaltende Gefühl absoluter Trostlosigkeit nie ganz verschwand.

Heute morgen, nach einem dunklen Traum mit Seewetterbericht und sich auf der Nordsee rumtreibenden Eisschollen, gingen mir diverse Filme, ausschnittartig und von dezenten Gedanken begleitet, durch den Kopf, in der langen Schlange beim Brötchenholen. Neben den Traumresten war es auch die Planung eines Filmabends früh im Oktober, in meiner elektrischen Höhle, mit Susi und Nico und Joana, die meine kinoverliebte Assoziationskette beschleunigte.

Wieder mal wird einer meiner Lieblingsfilme, made in Germany, über den Abschied von der Kindheit auf grosser Leinwand zu erleben sein, „Absolute Giganten“ von Sebastian Schipper. Da spielte auch die Musik von The Notwist eine Rolle – eine Szene im Fahrstuhl kam mir in den Sinn. Vor unseren Filmabenden hier mache ich stets eine kleine und, wie ich hoffe, launige Einführung für alle Anwesenden, wobei ich Wert darauf lege, keinen Spannungsbogen im Vorfeld zu killen.

Und dann natürlich gestern Abend DER Film (ein Dank an Thomas P. für diesen Tip!) in den ich so tief versank, obwohl der Ton der Synchro so unstet und dünn war, Sidney Lumets „Flucht ins Ungewisse“, im Original „Running On Empty“, wie der Titel des wunderbaren Jackson Browne Albums, das gar keine Rolle spielt in diesem Film über ein rastlos Familienleben, dafür aber jenes andere Lied eines Barden, das Trost, Ausgelassenheit und einen tänzerischen Moment bereithält, James Taylors „Fire And Rain“. Der junge Hauptdarsteller war im realen Leben fünf Jahre später tot, die Folge eines Speedballs, und keine vierundzwanzig Jahre alt. (Auch der Protagonist der „absoluten Giganten“ würde dem Dreh nicht lang überleben, Gallensteine und so verdammt jung.)

Martina könnte ihrer Kinoreihe über „Das Ende des amerikanischen Traums“ ein weiteres Kapitel beifügen. Wie sehr mich dieser recht späte Film von Sidney L berührte, lag kaum daran, dass mit Christine Lahti, mein „Urtyp“ in Erscheinung trat. Ich kannte sie nicht wirklich (Laugh Out Loud.) Sie hätte auch die „Mutterrolle“ in Louis Malles „Herzflimmern“ spielen können – damals (ach, ach!). als ich diesen kleinen Film aus dem alten Paris in Dortmund in einem alten abgewetzten Kino in der Brückstrasse sah, mitten im Rotlichtmilieu, packte mich zum ersten Mal Charlie Parkers Jazz.

Dabei sollte der gestrige Abend ganz anders verlaufen, nachdem ich im Guardian die ersten Sätze einer Lobeshymne von Luke B. auf die brandneue Apple Plus-Serie „Last Seen“ gelesen hatte, den „Aufmacher“: „Patrick Brammall and Maxine Peake star in this superbly acted and absolutely riveting drama about a father who thinks his missing daughter may still be alive after a mysterious phone call“. Ich liess alle weiteren Worte stehen und liegen, machte den „Zwei-Minuten Test“, beim Ansehen der ersten 120 Sekunde eine Ahnung vom Flowfaktor der gesamten Serie zu entwickeln.

Und was sah ich: Natur, Wind, alles archaisch, dunkles Abenteuer. Wie in der Nacht dann der letzte Traum vorm Erwachen: das vom Eis heimgesuchte Meer, gefrorene Strassen. Unheimliche Räume wie im eingangs erkundeten Soundtrack von Tarkowskys „Stalker“. Safe Journey! (Jan Garbarek ist ein bekennender Freund von Tarkowskys Werken, und sein umwerfendes Soloalbum „Those Born With Wings“ ist inspiriert von nachhallenden Kinoerlebnissen mit dem lang nicht mehr unter uns weilenden Exilrussen.)

“Oren Ambarchis „Cooked“ mag zwar als Soloalbum betitelt sein, ist aber in Wirklichkeit ein echtes Ensemblewerk: zwei wunderschöne, spannungsgeladene Seiten mit nächtlichem Jazz und rätselhafter moderner Komposition. Zum Teil verdanken „Hidden Tableau“ und „Sleight Of Hand“ ihren Erfolg den Beiträgen von Ambarchis sorgfältig ausgewählten Mitwirkenden: Eiko Ishibashis kaskadenartigem Klavierspiel; Joe Talias stotterndem, stolperndem Schlagzeugspiel; dem leisen Murmeln von Johan Berthlings Kontrabass. Jim O’Rourke soll angeblich irgendwo dabei sein, obwohl niemand so recht weiß, was er dort eigentlich macht. Ambarchis Rolle besteht darin, überall und nirgends zu sein; seine formwandelnde Gitarre setzt schräge Akzente oder verliert sich in schimmernden Träumereien. Das Ergebnis ist manchmal rätselhaft, oft aber magisch – wie eine mutierte Version des Miles Davis der 70er Jahre oder eine besonders exzentrische ECM-Veröffentlichung.“

Das, was Louis Pattison hier schreibt, in der November-Ausgabe von Uncut, kann ich nur bestätigen. Vor gut sieben Jahren habe ich ihn „entdeckt“, dank seines Albums „Simian Angel“, auf dem u.a. auch seiner Liebe zu Nana Vasconcelos und dessen grossartigem ECM-Album Tribut zollt. Wenn Louis eine „besonders exzentrische ECM“-Arbeit ins Feld führt, als Ankerpunkt seiner Fantasie, kommt mir, nach mehrmaligem Hören, genau so ein „Teil“ in den Sinn, „Lost River“. Von und mit Eivind Aarset.

„Cooked“ ist ist kein bisschen weniger zauberhaftt, und wenn ich mal das alte Spiel spiele, mit den Ohren anderer zu hören: Olaf West und Olaf Ost und Olaf, der Interaktionist, werden wohl sehr, sehr angetan sein, Thomas P. und nicht zuletzt Eivind Aarset, der übrigens am 28. September in meiner zweiten Heimat Aachen am frühen Abend im Musikbunker aufspielt. Hier meine damalige kleine Fantasie über „Simian Angel“…

Tous les panneaux de sortie sont allumés. I listened to „Simian Angel“ for the first time at the end of summer 2019, on headphones, at night. A long cable, a chaiselongue in the garden. Heaven seems to be the most lonesome place, at least from the point of view of gardening and Japanese tea ceremonies. Nearly knowbody knows this album.

Strange enough, we can still feel in harmony when looking at the sky at night, that time being seduced by Oren Ambarchi‘s album – two long compositions that defy definitions, limits, opening a constant feel of joy and wonder, kling and klang. A touch of kosmische music here and there.

His guitar sounds like a synth, and an organ, most of the time, and when he plays what sounds like a piano (and is again, made with his guitar – a special treatment really), you might feel, for a moment, a „Music For Airports“-vibe – just another illusion, up, up, and away, with the blink of an eye.

Oren’s partner is Brazilian percussionist Cyro Baptista, and when he starts on berimbau at the beginning of vinyl‘s second side, you are in wonderland. Yes, I thought, for another sequence of seconds, of Nana Vasconcelos‘s famous (or not so famous) solo album „Nana Vasconcelos“, the one with violins and violas coming completely out of nowhere, and knowing about Oren‘s passion for a lot of ECM records, I’m quite sure he might have had a similar memory, for a moment.

The music is crossing area after area, you are not able to, surely not keen on marking a spot. All exit signs on! The earth never solid, the percussion drifting in the windmills of your mind. Not all riddles solved, what do you think. I listened to it again tonite. Another word for melting kindly required, all these thin places.

Nachklang 1: Alle Leser, die jetzt leicht beunruhigt sind und fürchten, ich könnte nun einmal mehr eine Patience legen und die Playlist meiner finalen Klanghorizonte am 24. September neu umeinander wirbeln, dürfen erleichtert aufatmen. Es bleibt, wie es ist, sonst müssten ja auch noch die Don Cherry-Ausgrabung „Sunrise“ sowie „Traces In The Sand“ in der Stunde auftauchen. Fraglich nur, ob Dan Lanois sich noch mit einer Story zu einem Stück von Belladonna Nocturne meldet: ansonsten endet die Runde am virtuellen Lagerfeuer mit einem roten Cabrio in Los Angeles und Exstase pur: JUST LOOK! Reading the playlist, Eivind just mailed me: „What a finale!! Belladonna and Bright Red are also among my favorite albums alongside Nerve Net!“

Nachklang 2: „On „Cooked“ Ambarchi layers, edits and recombines performances in a way that recalls Edgar Froese’s spiraling synth rock, Steve Hillage’s cosmic guitar flights, and the studio‑obsessed pop alchemy of Godley & Crème, yet never feels like pastiche.“ (SoundOhm)

„Musically, the new album  occupies the same acoustic landscape as Silver & Gold, Harvest Moon and Prairie Wind – ‘reflective Neil’, basically. Crucially, the Chrome Hearts understand when not to intrude, surrounding Young’s songs with sympathetic accompaniment that favours atmosphere over embellishment. Alongside co-producer Lou Adler, Young opts for warmth and space over the compressed sheen favoured by many of his contemporaries, allowing these songs room to breathe and their emotional nuances to emerge.“

„There is a pleasing symmetry in Young, on his 50th studio album, revisiting on two cases material written at the very start of his career. The frailty of his voice, worn and weathered by age, gives these songs an additional poignancy, a reminder that these reflections come from an artist advancing into his ninth decade. Far from sounding diminished, however, Young has delivered one of his most affecting 21stcentury albums, equally sad and beautiful at the same time. For all the album’s reflections on ageing and loss, Second Song is sustained by what remains.“ (Michael Bonner, Uncut, album of the month of november)

Ich freue mich auf das neue Album, das am 17. September erscheint. (m.e.)

Two reissues on their way of Eno‘s Another Day On Earth and Brian‘s team-up with Peter Schwalm for „Drawn Fron Life“. It will happen on October 16. „Drawn From Life“ gets a new cover, a really beautiful cover. I did long interviews with Brian and Peter in those old days about these albums that will be available on Cd, Dl, and, for the first time, on vinyl.

Funny enough, before hearing all this, „Just Another Day“ (from „Another Day On Earth“, a fantastic song about better not missing the magic of the here and now, without any preaching undertone) had nearly made it as the closer of my final radio hour on Sep 24 at Deutschlandfunk.

In the end, I preferred „Spinning Away“ (for reasons of sequencing) and then again, I changed my mind one more time – and I am so happy that my long life at the radio will come to an end with a red cabrio strolling through the streets of Los Angeles!