Es gibt Gedichte, die hallen nach seit frühen Jahren. Auf jeden Fall erging es mir so mit dem berühmten Dreizeiler von Ezra Pound, betitelt „In a Station of the Metro“. Wie oft dachte ich an ihn, wenn ich in London mit der Underground fuhr, Richtung Notting Hill, Picadilly Circus, oder Angel Station. Der Text ging so: „The apparition of these faces in the crowd: / Petals on a wet, black bough.“ Zuweilen, wenn der Blick ins Leere ging, oder in Sekundenschnelle fremde Gesichter zu lesen versuchte, schwebte dieses Bild einher von den Röhren der unterirdischen Räume als nassen kalten Baumstämmen. Aber ich habe gewiss nicht damit gerechnet, dem Gedicht auf dem im September erscheinenden, dritten Album von Erik Honoré, „triage“ (Punkt Editions), zu begegnen. Mind the gap, mind the gap, mind the gap. Der nächste Track für die Klanghorizonte im Juli.

„Ein Wort der Warnung. Es gibt Filme – und davon gibt es viele -, die beim ersten Anschauen beeindrucken, die aber in dem Moment, in dem man das Kino verlässt, wie eine Handvoll Sand versickern. Dann gibt es andere, weitaus weniger, die beim ersten Sehen wie ein Blitz einschlagen und bei Ihnen bleiben, sich in Ihre Psyche einnarben und Ihr Kinoparadigma subtil, aber dauerhaft um die eigene Achse drehen. Jonathan Glazers meisterhafter und abschreckender The Zone of Interest gehört für mich zur zweiten Gruppe. Ich verließ den Film erschüttert und betroffen; in den folgenden Monaten blieb er hartnäckig bei mir.“ (Wendy Ide, The Guardian)

Ich teile die Meinung von Wendy Ade über Jonathan Glazers Film „The Zone Of Interest“ – ein „long burner“, den man bei amazon prime kaufen kann, wenn man ihn im Kino verpasst hat. Fragte man mich nach solchen lang nachhallenden Filmerlebnissen, quer über die Jahrzehnte verstreut, fielen mir zuerst folgende ein, hin und her springend, und mit immenser „Affektladung“ (nicht immer würde der lang anhaltende Zauber von einst heute noch wirken): „Wenn die Gondeln Trauer tragen“, „Amarcord“, „Die Mutter und die Hure“, „Paris, Texas“, „Celine und Julie fahren Boot“, „Absolute Giganten“, Donnie Darko“, „Blade Runner“, „Die 39 Stufen“, „Eine kurzer Film über die Liebe“, „Psycho“, „Jules und Jim“, „McCabe und Mrs. Miller“, „It Follows“, „Silverado“, „Tierra“, Diva“, „The Duke of Burgundy“, dieser Weihnachtsfilm mit James Stewart, „Blue Velvet“, „Der dünne Mann“, „The Big Sleep“, „Wer die Nachtigall stört“, undundund, und eben zuletzt „The Zone Of Interest“.

Ich empfehle, sich zwei ruhige Stunden einzurichten, wenn man sich das Anschauen zutraut, und die obige freundliche Warnung ernst nimmt. Bei der Oscarverliehung hielt Jonathang Glazer eine Rede, in der er unter anderem über den Angriff Israels auf Gaza sprach, die von jüdischer Seite für jede Menge Empörung, aber auch viel Zuspruch sorgte, nachzulesen im Wikipedia—Eintrag zu Jonathan Glazer. Ich teile seine Ansicht voll und ganz, auf jeden Fall zeigen die aktuellen „Wirkungstreffer“ und „Wirkungsgeschichten“ dieses Films (und um diesen Film herum), wie traurig brisant und aktuell dieser Film ist (die Markierungen einzelner Worte stammen von Wikipedia).

„Alle unsere [filmischen] Entscheidungen haben wir getroffen, um uns in der Gegenwart zum Nachdenken anzuregen, und nicht um zu sagen: »Seht, was sie damals getan haben«, sondern: »Seht, was wir heute tun.« Unser Film zeigt, wohin die Entmenschlichung in ihrer schlimmsten Form führt; sie hat unsere gesamte Vergangenheit und Gegenwart geprägt. Gerade jetzt stehen wir hier als Menschen, die es ablehnen, dass ihr Jüdischsein und der Holocaust von einer Besatzungsmacht gekapert wird, die so viele unschuldige Menschen in einen Konflikt gezogen hat. Ob die Opfer des 7. Oktober in Israel oder des andauernden Angriffs auf Gaza, alle Opfer dieser Entmenschlichung, wie können wir Widerstand leisten?

P.S. Weil mittlerweile so gut wie allen die Story des Films, das Thema, bekannt ist, wird Teil 2 eine Filmkritik in kurzen Absätzen und Sprüngen sein, und jeder, der will, kann sich, wenn er den Film gesehen hat, drauf einlassen, einen Abgleich mit eigenen Empfindungen anstellen, im besten Fall das eine oder andere Aha-Erlebnis haben, oder verwundert den Kopf schütteln. „Etwas besprechen“ also nicht, um den Schlaumeier zu mimen, sondern Ungefähres, Verschwommenes, Unklares auf den Punkt zu bringen, scharfzustellen, Scheinbar-Entferntes nah aneinander zu rücken. Und „etwas besprechen“ bedeutet auch, Ambivalenzen auszuhalten und sich nicht gleich in der Expertise zu verschanzen.

Teil 3 wird dann eine Art Kindheitsgeschichte sein, mehr short story als long story, und wohl auch eine fragmentierte Form annehmen, es geht da um ein paar Schatten aus der Nachkriegszeit. Alles im Vorübergehen notiert, flüchtig, wiederum ohne „grosse Töne“. Vielleicht auch nur ein Gedicht. A propos grosse Töne, kleine Töne. Die „Musik“ des Films stammt von Micachu aka Mica Levi. She wrote a score, most of which was ultimately cut as Glazer and Burn did not want to have the film sweetened or dramatized by it. The sound collages Levi wrote for the prologue and the epilogue remained, as did soundscapes created for the sequences involving the Polish girl. Aber damit bin ich schon mitten in Teil 2. Das hier ist ja nur das Vorgeplänkel.

Dreamtime: In The Past

“Dreamtime“ was recorded in 1980 at Systems Research Center, Palo Alto, CA. The Dreaming is used Down Under to represent the concept of „time out of time“ or „everywhen“, during which the land was inhabited by ancesteal figures, often of heroic proportions or with supernatural abilities. The piece is taken from the wonderful boxset „Degrees Of Freedom Found“. Imagine Blue Gene Tyranny meeting Bo Hansson!

After my recommendation of the treasure box titled „Degress Of Freedom Found“, Amazon realized people are buying this dust collector again, so now it is no longer cheap as chips, and the price went up 300 %. A friend of mine said, as some old-fashioned vinyl dude I should give this unknown „classic of its own kind“ a spin. Out Of The Blue. Lovely music, from start to end, indeed. Makes sense, the Boomkat review: „Tyranny’s 1978 solo debut ‘Out Of The Blue’ remains a perennial cult favourite, existing on the sweetest, inventive edges of rock, pop and avant-garde composition in a manner that was entirely characteristic of the amazing Lovely Music, Ltd. label, with whom he’s most closely associated. Quite simply, there’s little out there that matches ‘Out of the Blue’ for sheer charm, placing a deep knowledge of experimental and pop music’s internal workings at the service of a ripely melodic and dreamlike suite with results awaiting discovery by new ears.“

It is a very good blog, and Stephan Kunze’s „Zen Sounds“ delivers in the same way as we deliver when something hits us deep. You just have to pay. Being hit deep, that happened lately, when Stephan listened to the new album „Soft Power“ by Ezra Feinberg, a Jewish psychoanalyst, living in Brooklyn. Like Stephan and me, Ezra, too, fell in love withe Steve McQueen’s fabulous film Lovers Rock. Mr. Feinberg sees one scene particularly before his eyes that inspired the musician and composer. A quote from Stephan Kunze‘s text:

“It’s at this London soundsystem party in the late 70s, an incredible long shot of people dancing and singing at the top of their lungs, just this ecstatic release. We would have these reggae dance parties in our apartment, just my wife and I and our two little kids, listening to the song ‘Silly Games’ from that scene in the film. It was a way to keep joy alive.” While those living-room parties inspired the vibe of Feinberg‘s  Soft Power, it’s clearly not a reggae or dub record. “The influence is not on the musical surface”, he nods, “but the spirit is very much there.” While those living-room parties inspired the vibe of Feinberg‘s  Soft Power, it’s clearly not a reggae or dub record. “The influence is not on the musical surface”, Ezra nods, “but the spirit is very much there.” Soft Power is an irresistibly joyous album but difficult to categorize – somewhere between ambient, jazz, minimal music, krautrock and outsider pop, its rich sound palette mainly derived from analog synths, organs, acoustic guitars and wind instruments.“

(Meanwhile I do have the audio files at my place, and a quiet hour soon will decide, if Ezra‘s music is just nice or interesting, or if it hits me that deep, that it will find its place into the Klanghorizonte at the end of July.)

When the Punktfestival, Kristiansand, will open its gates in early September, this album is about to be released. And what an album it is (that I can say after a first listening session some hours ago)! Two months earlier this work, simply named „Punkt Live Remixes, Vol. 2“ (by Sidsel Endresen, Jan Bang and Erik Honore), will be one album (and a central one) in my edition of „JazzFacts“ at Deutschlandfunk radio, 9.05 p.m. July 4th.

By the way, and in regards to depth and flow and sensuality, these „live remixes“ of Sidsel, Erik and Jan certainly belong to the „class A“ works of explorative „song worlds“ from Beth Gibbons‘, Norma Winstone‘s, Jessica Pratt‘s and Julia Holter‘s 2024 records – with the small difference that Sidsel‘s vocal journeys are strictly stepping back from „words with meaning“. And it will be a special pleasure – within my jazz hour – to compare the albums of Sidsel and Norma in regards to their very different approach to language.

ALBUM – Warrington Runcorn New Town Development Plan: Your Community Hub FILM – Das leere Grab (von Agnes Lisa Wegner & Cecile Mlay) PROSE – Nils Jockel: Kellertänzer TALK – „Der mit den Tönen tanzt“ (Jan Bang) POETRY – „Wenn der Ostwind weht“ (Cornelia Schleime) BINGE – „The Return Of Twin Peaks“ (David Lynch) ARCHIVE – Jonny Trunk: Audio Erotica (Hi-Fi Brochures 1950s – 1980s)

Ich erinnere mich an den Pausenhof des Max Planck-Gymnasiums, 15 Minuten zu Fuss vom Stadion Rote Erde entfernt, wohin wir ab und zu zum Training hingingen, und ich endlich ein Autogramm meines grossen Helden Hans Tilkowski  bekam. Ich erinnere mich, wie Klaus, unser bester Gitarrist, immer wieder die berühmten „Ba Ba Ba‘s“ von „Barbara Ann“ intonierte, und wir mit Leib und Seele die Mehrstimmigkeit probten. Wir waren offen für die kalifornischen Botschaften der Beach Boys. Den Beatles standen sie viel näher als die Stones, und man weiss, was Brian Wilson alles anstellte, um ein transatlantisches Pendant von Sgt.Pepper zu entwickeln. 

Ich erinnere mich, wie ich 1990, um Mitternacht herum, John Zorn nach einem Konzert mit „Naked City“, in seinem Mannheimer Hotelzimmer interviewte, und er mir seine Version der tiefen Melancholie vieler Brian Wilson-Songs kundtat, eine abgrundtiefe Tottraurigkeit, die sich in  vielen Winkeln der Lieder verbarg und, als Unterströmung,  die Klänge von Glück, Strand und Liebe dezent aushebelte, und die so viel früher, als es die späteren Hollywood- und Drogendramen besorgten, manch naive Hippieträume zu Grabe trug.

Vielleicht habt ihr „Love and Mercy“ gesehen, das Brian-Wilson-Biopic von 2014: da gibt es einen Moment, in dem sich Paul Dano als junger Brian ans Klavier setzt und einen Song spielt, den er gerade geschrieben hat. Als seine Hände die ersten Akkorde von „God Only Knows“ spielen, überkommt uns ein Gefühl des schieren Staunens. Ich meine, woher kamen diese Sachen, diese Stimmlagen, diese Progression, diese Melodie?  

Darüber und über vieles andere habe ich nachgedacht, als ich Anfang des Monats las, dass Brian aufgrund seiner fortschreitenden Demenz und nur wenige Wochen nach dem Tod seiner zweiten Frau Melinda unter eine formelle Vormundschaft gestellt worden war. „Won’t last for ever“, sang er  1964 mit großer Voraussicht auf einer großartigen Single. Sechzig Jahre später hat ein Gericht in L.A. entschieden, dass seine persönlichen, medizinischen und finanziellen Angelegenheiten von nun an unter der Kontrolle seiner Familie und seiner Freunde stehen.

Im Auto hörte ich an diesem Tag einige Lieblingslieder, von „Surfer Girl“ bis „Surf’s Up“ und darüber hinaus. „Please Let Me Wonder“. „Wendy“. „Girls on the Beach“. „Caroline, No“. „When I Grow Up (To Be a Man)“. „Let Him Run Wild“. „The Little Girl I Once Knew“. „She Knows Me Too Well“. „The Warmth of the Sun“. „Kiss Me Baby“. Und natürlich „Don’t Worry Baby“, das wahrscheinlich mehr von der Essenz in einem einzigen Stück zusammenfasst als alle anderen: die sonnengeküssten Harmonien, die Autos, die Mädchen, die jugendliche Verzückung und die narürlich wieder unterschwellige Traurigkeit. Und die Art und Weise, wie Brian anfing, die Standardbesetzung Gitarre-Tasten-Bass-Schlagzeug wie eine neue Art von Orchester klingen zu lassen.

Und dann sah ich mir „The Beach Boys“ an, eine neue 112-minütige autorisierte Dokumentation unter der Regie von Frank Russell und Thom Zimny, die die Geschichte der Gruppe von ihrer Gründung in der Garage der Familie Wilson in Hawthorne, Kalifornien, im Jahr 1961 bis zum Comeback in den frühen 1980er Jahren erzählt. Als Stream könnt ihr euch das jetzt auf Apple + anschauen. Eine sinnvolle zeitliche Einschränkung, auch wenn sie bedeutet, dass Brians  Renaissance im 21. Jahrhundert mit den Pet Sounds-Konzerten und der SMiLE-Neuauflage ausgelassen wird. Ich sah Brian Wilson damals in der Frankfurter Oper, und es war sehr speziell.  Nun, ich habe hier eigene Erinnerungen mit dem neuesten Text von Richard Williams verwoben. Nebenan zu lesen in seinem Blog „The Blue Moment“. Es gab bekanntlich schon viele Filme über die Beach Boys, und dieser hier ist sehenswert allein wegen seiner Fülle an Archivmaterial, auf und abseits der Bühne. Und nicht nur deshalb. All these blue moments, you know what I mean. Allerdings verdanken sich diese „blue moments“ nicht einer kritischen Reflexion, da gehen die Macher eher mit Märchenonkelnbrille ans Werk, sondern unserem „Lesen zwischen den Bildern“. Das sanfte Erschauern beim Eintauchen in alte Zeiten. The impact of childhood and singing „Barbara Ann“ on the schoolyard.

2022 sah Brian Eno dieses keineswegs besondere Foto im Rahmen einer Mail, und er wollte in dem Moment auch gern auf Kreta sein, schrieb er mir. 1970 sah Joni Mitchell natürlich auch diesen Küstenwinkel, als sie mit ihrem flüchtigen Lover Station machte und die Anfänge zu dem Song Carey schrieb. Ich habe dort einen Abend lang, was ein wenig abwegig und leider auch abschüsssig war, in einer dieser Höhlen im Schlafsack verbracht, weil ich zu gerne via Trauminkubation in das hippieske Matala zu Beginn der Siebziger zurückreisen wollte. Immerhin hörte ich die erste Seite von Evening Star im Ohr, von Fripp & Eno. Als ich dann im Dämmer fast ins Meer gepurzelt wäre, brach ich die Unternehmung ab. Im  Widerschein fahler Lampen, sah ich wie aus dem Nichts die Umarmung eines Paares, das sicher schon vor Ewigkeiten den Anblick des Mondes geteilt hatte. Er der ewige Hippie, der hier seit dem summer of loveLiebschaften aneinanderreiht, sie mal wieder vor Ort, und ihre Sprache, mal radebrechendes Griechisch, mal Heraklion-Airport-Englisch, mal Schwabendeutsch. Ein leicht ermüdeter Abglanz. The circle game.

The flowworker all star think tank ensemble is kindly asked for input of uninhibited brilliance!

Am 18. Juli um 21.05 Uhr widmet mein Kollege Michael Frank Joni Mitchell eine knappe Stunde. „Both Sides Now“ nennt er seinen Ausflug in die Jazzwelten von Joni Mitchell. Zwei Wochen vorher gibt es, am 4. Juli, ebenfalls im Deutschlandfunk, meine Ausgabe der JazzFacts mit Neuem von der improvisierten Musik. Ich habe keine Ahnung, was Odilo Clausnitzer Anfang Juni vorstellen wird, aber ich ahne, er wird mir einiges, und das mit guten Gründen, vor der Nase wegschnappen, wie das aktuelle „Borderlands“-Doppelalbum bei Intakt, das Oded Tzur-Album bei ECM, auch Bill Frisells „Orchestras“ (Blue Note) sind fast schon überfällig (s. Besprechung von Richard Williams in The Blue Moment). Wer weiss, ob das „Central Park“-Opus mit Wadada Leo Smith dann nicht auch schon „Geschichte“ ist. Immerhin habe ich wenigstens Niklas Wandt beauftragt, ein feines, experimentelles Werk aus dem Hause Pyroclastic vorzustellen. Das Label Clean Feed bietet mindestens einen Kandidaten (s. Coverabbildung, oben). Sonst gibt es keine festen Buchungen, auch Tom Skinners „Voices Of Bishara Live at Mu“ (International Anthem) will erst noch gehört werden. Ich bin neugierig, was sich in den nächsten Wochen einfindet. Zuletzt konnte ich aus dem Vollen schöpfen, aber nun nähert sich die sommerliche „Jazzpause“. Ich hoffe auf Sidsel Endresens Cd von „Punkt Editions“, aber das wäre fast schon ein Vorgriff auf dem Herbst. So viele Namen rauschen durch diese Zeilen durch, und es ist fraglich, ob all das am Ende eine kompakte Struktur annimmt voller Leit- und Unterthemen – oder ob die Hörer, mit jeder Neuvorstellung, in eine gänzlich andere Welt transportiert werden. Es darf improvisiert werden. Let’s call it an „outpost of dreams“.