Sisters with Transistors
Die Dokumentation erzählt die verblüffende Geschichte der Pionierinnen der elektronischen Musik. In einer Mischung aus Archivmaterial, Interviews und visionärer Musik entsteht ein unterhaltsames Zeit- und Sittenbild von den Kriegsjahren bis heute, das von der befreienden Kraft neuer Technologien erzählt. Erzählerin ist die Musik-Ikone Laurie Anderson.
In memory of …
Later in his life, John Kelman wrote a stream of reviews about albums that did not get a fresh remaster or that just appeared in the endless stream of novelties. He had an eye on albums that he kept returning too every once in a while and nearly vanished from the public eye and ear.
One of these albums that just springs to mind, was „New Rags“ from Jack DeJohnette‘s Directions. A rather wild ECM production, full of energy and „uninhibited joie de vivre“. I bought that album in the days it was released, and was impressed when listening again, after reading John‘s text: I joined his excitement.
Now I remember our conversation about „Manafon Variations“ in Kristiansand, a sort of „remix-reshape-reinvention“ of the meanwhile classic „Manafon“. We talked about the richness of details, the impressing input of artists that were not around in the days of Manafon, and, especially David‘s „slow motion singing“. O me oh my!
This conversation on a rainy afternoon has happened a long time ago, and moments of it appeared out of nowwhere today when I put on the first vinyl reissue of „Died In The Wool – Manafon Variations“. The double album features an extra sidelong track „When we return, you won‘t recognise us“ that is so much more than a curiosity from dusted shelves.
Now, we old listeners do exactly return, and we experience every piece of it like it would be a terrific first time. This work is on par with Manafon, equally powerful. One of the side effects I experienced was, well, an uninhibited „joie de écouter“, a strangely elevating feel in a work that is generally supposed to come from the dark. A passionate affair all the way through!
In the words of John from 2011: „If Manafon was a masterpiece that found new ways to shape music, then Died In The Wool is equally important, as it eschews the concept of remix and, in its place, aims for reinvention—re-composition that takes place, in multiple degrees of separation, from the founding material that was the previous album’s inspiration.“
Richard Williams in memory of Roberta Flack
“Life can be so unpredictable,” she said. “One thing I know is that everything changes. I’ve tried to embrace the twists and turns that life’s changes have brought. I took my classical training and used it as the foundation on which I based my arrangements, my dynamics and ultimately my musical expression. I think if you’re rigid about how you see yourself and if you aren’t open to the changes that life brings you, the resentment will show in your music and can interfere with honest expression.”
I’m listening to First Take while writing this. Whether it’s in the quietly spine-tingling gospel of “I Told Jesus”, the laconic protest soul of “Tryin’ Times” or the sublime sophistication of “Ballad of the Sad Young Men”, honest expression from a great artist is what you get.
(More of Richard‘s memories in The Blue Moment)
music for dreaming
Ich verkaufe dreimal 50 Schallplatten, allesamt mint, near mint oder vg plus. An Händler oder Privatpersonen. Die drei Listen werden in der zweiten Märzhälfte in Rundmails verschickt. An mir bekannte Händler. Wer als Privatperson einen Blick darauf werfen möchte – es sind Sammlerstücke dabei – möge sich melden: die zwei erste Stapel kosten 520 Euro. Der dritte 800 Euro. Der Transport ist inclusive. Und die abgebildeten Schallplatten sind nicht dabei. (m.e.)Re-Discovery of Something Adventurous
MANAFON ist ein zärtliches Ungetüm. DIED IN THE WOOL – THE MANAFON VARIATIONS spinnt die Fäden fort, die sich da anbahnten, öffnet Räume, schliesst Fenster, lässt alte Gesänge seitwärts treiben, schiebt neue Songs hinterher.
Wer vor MANAFON flüchtete, wird sich auch hier in Sicherheit bringen wollen. Was passiert mit dem Originalstoff: mal verschwindet die Kulisse der frei improvisierte Gespinste, und wird durch den streng modernen Duktus eines japanischen Komponisten ersetzt, mal werden die detailfreudigen Forschungen des „Originals“ subtil variiert.
Das Amalgam funktioniert und nimmt gefangen: ob Arve Henriksens Trompete nordisch uncool die Vertonung eines Gedichts von Emily Dickinson anreichert, ob Samples aus einem Konzert von Skuli Sverisson (Kristiansand 2010) momentlang einen tonalen Untergrund bauen, wo sonst harmoniefreie Klangpartikel ins Offene entschweben, ob die Melange von Ambient Music und Song Herrn Sylvian zu einer Ballade treibt, die den Samen für ein ganzes Werk bilden könnte (I SHOULD NOT DARE)…
Was durchweg verblüfft, ist die Natürlichkeit, mit der hier Neue Kammermusik, Electrionica, Sampling sogenannter Pop- und Klangspuren von manch anderen Welten eins miteinander werden. Geradzu lässig, als ginge all das Unerhörte und Dunkle leicht von der Hand.
Michael Engelbrecht am 12. Mai 2011 auf dem alten Blog, carefully remixed
monthly revelations reshaped (march)
(album) das aussergewöhnliche Pianoalbum „Skrifum“ von Jon Balke, das m.E. in einer eigenen Sphäre existiert irgendwo zwischen Harold Budds und Brian Enos „The Plateaux Of Mirror“ (das Jon nicht kennt) sowie Paul Bleys „Open, to love“ (das eines seiner desert island records ist) (film) Ingo J Biermann erinnert an David Lynch (prose) Craig Thompson: Ginsengwurzeln (talk) „The infinity of goove“ – life and times of Philip Jeck (radio) Playlist in Motion: die Ausgabe der Klanghorizonte am 27. März (binge) Mo, Staffel 1 und 2, die tragikomische Geschichte eines Palestinensers in Mexiko (archive) Nicos „The Marble Index“, ein Remaster des Labels Domino, geschrieben von „special guest“ Richard Williams
Wir machen keinen Fetisch aus dem Neuen, und der „letzte Schrei“ ist oft überbewertet. Also leisten wir uns auch Blicke „vorwärts in die Vergangenheit“ und machen Altes im Sinne von Wiederkehrendem aufmerksam, das uns schlicht viel bedeutet in diesen Tagen: in den „march revelations“ sind es Erinnerungen an David Lynch und Philip Jeck, Olafs Lieblingsbuch des Jahres 2024, sowie eine Sternstunde von Nico (die bereits 2023 wieder veröffentlicht wurde). Es hätte auch Paul Bleys Meisterwerk sein könne, das nun in der ECM-Reihe „Luminessence“ vorliegt. Übrigens, zwei Alben, die sonderbar gut zueinander passen, nicht nur, weil sie beide 1973 rauskamen: „Open, to love“, und „Paris 1919“! (Die „april relevations“ kommen am 1. April! Die „may revelations“ wegen diverser Reisen schon Mitte April (es sei denn, jemand übernimmt den Wonnemonat!)
„I don’t know what jazz is“ – two cups of Usambara (and Alabaster speaking)
This may look like some wild journey through the worlds of jazz and beyond, „zigzagging“ is the keyword here I once learned from a Robert Wyatt song, still unable to write it correctly. And it IS a wild journey, an special mix of records either loved for ages, or records I‘ve heard for the first time like „Gravity“, or never before, like the „spirituals“ of Paul Robeson. Sorry for the „echoey“ sound of Alabaster‘s speaking, i had to record it from a speaker to place it here. I think you can handle it, and, maybe, you discover some wonderful music. For example Alabaster‘s „A Blade Because A Blade Is Whole“. To be released on my birthday on March 14.
I really use music as part of my survival kit, this is why i don‘t do yoga or zen meditation. The kind of music that takes risks, creates mysteries, haunts me with decent portions of light and shadow. Necessary in times like these anyways, and no escapism. Or the best escapism of all. It‘s an anti-depressant. A horizon.
Today, early in the morning, K7 (Berlin) delivered, to my surprise, the vinyl of „Gravity“, by Finnish Joona Toivanen Trio. Hearing it, I remembered their fresh approach to the piano trio format from an earlier album that was more on the moody side. No cultural baggage on their shoulders that can‘t be dissolved in fresh air. Pure joy to listen to, and go for the tiniest details. First 2025 release of WeJazz Records, Helsiniki.
Later in the afternoon a friend came by, who finally wanted get inside – with daylight vanishing behind the curtains – one of the last recordings of Charles Mingus, the quadrophonic version of „Mingus Moves“. Two big cups of Usambara for the journey, piano, bass and drums up front, the reeds coming from the rear speakers. Pure joy, part 2 (and more revelations in the lines to come…) The way Don Pullen hits the piano shows how to courageously handle the bass wizard!
And another „jazz vibe“ of the day: Marshall Allen, a member of the Sun Ra Arkestra since 1958 and its leader since 1996, has just released his debut solo album „New Dawn“. He is 100 years old now (and allows himself to be quite nostalgic). This makes him the oldest artist to ever release a debut album, and, by the way, when he was 90 or so, I saw him at Stadtgarten, Cologne, on a birthday of mine. It was – pure joy! As an inhabitant of too many caves, I mildly regret not having seen some of my old heroes when they were still around. For example, John Coltrane in 1961 at the Village Vanguard. I was six years old, I would have been ready for it. (In fact, Brad Mehldau, look at his early revelations Lajla has posted days ago, was a huge fan of Trane‘s „Live At The Village Vanguard (Again)“, more on the free side of jazz!)
And last, but not least, there is another cracker reappearing, from the mid-70‘s. On vinyl. A hidden gem from the few fusion-fuelled albums by saxophone giant Joe Henderson, named „Multiple“, with the infamous „stellar“ ensemble at his side. Time traveling at its best! Closing the circle, I cannot recommend Joona Toivanen‘s trio music of „Gravity“ high enough. Stephan Graham may have some minor quibbles in his 3 1/2 star review on Marlbank, but finally he concludes: „It’s not a band to get the party started. More it’s a unit made for deep rumination and some serious soul searching.“ I deliberately offer four glowing stars for this long lived trio that, instead of exercising a formula once found, acts with a „beginner‘s mind“ from album to album. There‘s a little mystery in each and every track here, let‘s call it „the blow away zone“!
Postscriptum mit „Interview“: Alabaster DePlume about three albums from the „spiritual“ side that sent him places: that one „Japanese Folk Song“ of Thelonious Monk‘s „Straight No Chaser“, „Paul Robeson’s „Live At Carnegie Hall, 1958“, and „Angels And Demons At Play“ by Sun Ra.
LISTEN NOW (in the words of Alabaster)
Ich war natürlich gespannt, welche drei Alben Gus Fairbarn alias Alabaster auswählen würde. Und als er auf dieses Stück aus „Straight, No Chaser“ zu sprechen kam, fiel mir ein, dass ich schon öfter eine gewisse „soulmateship“ zwischen Robert Wyatt, dem lange Zeit dezidierten Atheisten sowie „Humanisten“ Robert Wyatt (ich gebrauche das Wort „Humanist“ ohne elitären Ballast) und Alabaster DePlume wahrnahm, ihre Sicht auf die Kriegsverbrechen Netanjahus und seiner „Bande“ (Robert schrieb Lieder über das Grauen dort, Alabaster nahm Musik vor Ort auf): beide agieren mit einer sanften Stimme, eher untypisch für politische Songs, und beide finden einen Antrieb für ihre Musik in dem Mitgefühl für die Opfer, nicht in politischer Programmatik. Und beide haben einen besonderen „Draht“ zur Musik von Thelonious Monk.
Strandlektüre für Rantum im März
Geradezu „entdeckt“ habe ich einen „Professor of History at Middle Tennessee State University“! Ein fundiertes, alle Sinne ansprechendes Büchlein über John Cales „Paris 1919“. Auch wenn er zuweilen in munterem Galopp durch die Histore jagt (mit pointierten Pausen des Verweilens), von Versailles 1919, über Dada und Surrealismus und Dylan Thomas bis hin zu Andy Warhol und Fluxus, nimmt er all diese Hürden en passant, ohne oberflächlich zu werden. Alles kreist, bereichert mit spannenden Tangenten, um diesen gespensterreichen Songzyklus, voller Hintergründe und „sidesteps“.
Mir gehen reihenweise Lichter auf. Ich schätze zum Beispiel, wie Mr. Doyle die Unergründlichkeit dieser Lieder herausarbeitet. „Mark Doyle runs down the ghosts haunting Cale‘s most enduring solo album.“ ich begab mich ratzfatz auf seine Spur. Es gibt natürlich etliche Mark Doyles, aber genau dieser veröffentlichte 2020 auch ein Buch über die Kinks, Untertitel: „Songs Of The Semi-Detached“.
Die Helden meiner Kindheit und ihre „Psychogeographie“: die Kinks rangierten damals in meiner Welt knapp vor den Beatles. Und 1976 weigerte sich ein breites Honigkuchengrinsen , eine runde Woche lang in Würzburg mein Gesicht zu verlassen, als dank des bayerischen Zündfunks die Langspielplatte „801 Live“ meine Studentenbude flutete, Phil Manzaneras Super Group mit meinem damals brandneuen „Helden“ Brian Eno als Sänger und Synthesizerspieler, und seine „hot takes“ von „You Really Got Me“ und „Tomorrow Never Knows“ mich im Sturme nahmen, wie im gleichen Zeitenraum auch „Miss Shapiro“, und überhaupt das pure very britische Seventies-Opus „Diamond Head“.
Tja, und obwohl ich BRAVO-sozialisiertes „human being“ viel über die die Kinks wusste und weiss, mit all ihren Umwegen über „5 o’clock tea“, Carnaby Street, The Village Green Preservation Society und USA (und auch über Ray Davies’ innere Distanziertheit zu überschwappendem Flower Power), freue ich mich wie Bolle auf Boyles 213 Seiten am Meer, sowie einen historischen Kriminalroman, der in den holländischen Bergen spielt anno 1961, sowie auf Martina W.‘s Anthologie „Und man hört sie doch“, die tatsächlich schmökertauglich ist, sowie, bald oder etwas später, Jan R.s jüngsten Streich über einen mir weitgehend unbekannten Künstler. (Der hervorragende, 1975 und früher spielende Gesellschaftsroman „Der Gott des Waldes“ von Liz Moore, Krimi, Survivalkurs und tiefenpsychologische Finnesse in einem, ist soeben erschienen, und wurde leider schon von mir in atemraubendem Tempo verschlungen.)
Der Koffer ist gepackt, das Haus am Meer wartet auf mich, es hat einen Cd-Spieler, und ich wieder mal nur Ausgesuchtes dabei, sowie „Paris 1919“, dann die neuen Werke von Alabaster DePlume, Vijay Iyer & Wadada, zudem und sowiesoso „Grosses Wasser“ von Cluster (das lange Stück!) als auch Philip Jecks Vermächtnis „rpm“ (was gibt es Rauschenderes und Knisternderes als Jecks Vermächtnis nachts in „Klein-Afrika“ zu hören, auf Kopfhörern, die dem Sound der Wellen natürlich Einlass bieten!?)…
Für Scotch und Candlelight auf El Hierro und sonstwo
Vorspiel mit einem alten Text: Der vertraute Klang eines Cocktailshakers voller Eis und entfernter Möwen weichen einer einfachen Melodie, einem im Licht sich räkelnden Rhythmus. Wir befinden uns auf einer Zeitreise in ein Japan, das bald eine halbe Ewigkeit zurückliegt. Die Siebziger Jahre des 20. Jahrhunderts, jene tollkühne Dekade. Wir träumten damals vom Fujiama, der uns auf grossen Briefmarken entgegenblickte, verspielt und majästetisch, als wir baby boomer waren. Japaner träumten anders. Und so befinden wir uns gerade mitten in einer Musik, die deren ausgesuchte Urlaubsparadiese zu damaligen Wirtschaftsblütezeiten heraufbeschwörte. Die südlichen Inseln im Pazifik.
„Pacific“ ist der Titel dieser Langspielplatte. Das Werk entstand 1978. fast alles instrumental, bis auf die eine Zeile, die mit dem „Sommer in ihrem Haar“ alle Träumerei auf den Punkt bringt. Die drei Pazifikforscher: Shugeru Suzuki, Harry Hosono, der bald das Yellow Magic Orchestra mitgründen sollte, und der Dritte, einer der Cracks der japanischen City Pop-Szene, Tatsuro Yamashita. Wir erkennen einen alten Bekannten, der auf dem Album auch mitmischte, Ryuichi Sakamoto. So jung, man glaubt es kaum. Eine Prise früher Synth-Pop, die japanische Variante amerikanischer Exotikträume a la Les Baxter, melodische Funkrhythmen, ein schwebender Horizontöffner, eine Brise New Age, easy peasy, soft and breezy.
Ein gutes Jahrzehnt später. “I follow the peacocks as they sing like wo la la la”. Das Album: OMNI SIGHT SEEING. Anno 1989. . In den Achtzigern war „Weltmusik“ angesagt, aber vieles von diesen globalen Sounds hielt eine geschmäcklerische Sanftheit parat, mal virtuos, mal berechnend, und oft genug war das vollmundige „CROSSOVER“ einfach langweilig wie effekthascherisch.Wenig kam heran an die rohe Wucht und Durchschlagskraft von „My Life In The Bush Of Ghosts“ von Eno und Byrne, an die surreale Magie von Jon Hassell und den drei Codona-Alben auf ECM. Einiges wohl, aber vieles nicht. Und da taucht nun, als Reissue bei Victory Records, diese Platte auf, die diesen Globetrotter-Modus auch noch auf das Cover setzt, als Untertitel in schwarzen Lettern: „recorded in 1988 – 1989 from Showa to Heisen, Tokyo to Paris, Sung in Japanese-English, French and Arabic“. Und was darüber steht, wirkt wie eine touristische Animation: „omni Sight Seeing / the GLOBE WATCH TOUR: conducted by Hosoni Haruomi“. So weit, so gewöhnungsbedürftig.
(Die Fortsetzung mit „der psychoakustischen Erfahrung“ folgt in Kürze, die Platte kann man für erstaunliche 20,99 Euro bei HHV bestellen, Ingo könnte vorbeigehen in dem Berliner Laden und das Porto für die Lieferung einsparen (bei Amazon kostet das Vinyl einer anderen Ausgabe 338 Euro – und so viel vorab, ich gebe der Platte 4 von 5 Sternen und empfehle sie uneingeschränkt, Jan R. wird sie auf Tidal hören, wie er mir mailte. Das white marbled vinyl eine Augenweide.)
Ich besorgte mir das Album, weil ich Haruomis „Pacific“ vor Jahren als Entdeckung empfand, und einmal mehr überzeugt mich auch dieses Werk von Anfang bis Ende, warum, genau, kann ich aber kaum sagen. Es geht ja auf der Rückseite des Albums, im Kleingedruckten, noch weiter, und wenn man da von „Astralreisen“ liest und „spiritueller Reise“, noch dazu in recht plakativer Sprache, fragt man sich, ob der Gute zuviel Kaffee im Nirvana getrunken hat, ein romantischer Schwärmer ist, oder reale Grenzerfahrungen in Klänge übersetzt.
Denn dieses Album ist ein Tollhaus von kreuz und quer purzelnden Einfällen (das Cover passt da schon wunderbar!). hosono Haruomi in einem Samdkasten aus Alphaville. In eine japanische Technovariante mit Härte 8 schmuggelt er Bandoneonistas hinein, marokkanische Herzensgesänge, ein fröhlich aisflippendes Saxofon, um danach in einem wundersam floatenden Ambient Track jeder zerfliessenden Sekunde gewisse underwater vibes unzerzumischen – call it „balearic“! Schön verrückt und erfinderisch seine elektronisch unterfütterte Version von Duke Elllingtons „Caravan“! Alles kommt mit einem ausgeprägten Spieltrieb daher, und könnte leicht als nette multikulturelle Petitesse durchgehen, aber es fesselt mich, sorgt für Heiterkeit, Wundern und schöne Verblüffung. Seltsam.
Radio On
Today I got Alabaster‘s answers for the Klanghorizonte at the end of March. If you look at my playlist in motion, there are not many questions open in regards to the playlist, except the final piece, or playing three ECM‘s in one hour. I will ask for that, good arguments I have. There‘s is a fine connection over decades between Paul Bley‘s Open, to love and Jon Balke‘s Skrifum, for example. Anyways, HEAR the kind greetings from Alabaster! Afterwards he spoke about two songs, his saxophone paying and much more. HEAR The Hebina, Hebina story! Kindred spirits in peculiar ways, Alabaster and Brian! (I will write that hour on Sylt, cold cloudy winter days will be guaranteed.)