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More Songs About Buildings And Blue
They were a short-lived group with a history. They were nearly lost in oblivion, aside from the happy few New Yorkers with some of their vinyl from the early days of CBGB’s. Arthur Russell was part of the game, and part of their ending, but The Necessairies were not his band. First steps included a single produced by John Cale. Brian Eno lived around the corner. I never even heard the name of the band, till the label sent me the reissue vinyl copy. Nice cover, I thought. And Arthur Russell? Remember this fucking genius who died so early – the endless line of HIV victims brought bitter endings to a blossoming cultural climate of the ’80s. Arthur Russell was no icon, no hero, he was a versatile composer and creator who preferred the background, loved going to extremes and sabotaging every trace of mainstream. He was re-discovered by a long article from David Toop (!) in the „Wire“, more than ten years ago. From that time on, his old works surfaced one after the other. The Necessairies belonged to his most accessible collaborations, maybe one of the reasons he quit service on a taxi ride when street traffic brought evrything to a long halt. For him it might have looked metaphorically. Life is full of errors. Listening to the re-mastering of „Event Horizon“ left me stunned. You know the difference between finding an artefact from times long gone and nod your head in respect – and jumping from your seat by the sheer joy of a „love at first sound“-album . „Event Horizon“ is such a beautiful thing, that of course exists in a power spot of New York’s New Wave offsprings from The Modern Lovers to The Talking Heads. That said The Necessairies delivered their unique version of sharply cut „sunshine avant-pop“ with a fantastic rhythm section, great guitar work and the undergrowth of Mr. Russell. Its originality and playfulness is ending every discussion of just playing the memory game.
2025
Ist eine Sendung zu „20 Jahre Punkt“ geplant.
In einer Rundmail über nahe und ferne Radioproduktionen
wies ich auch auf das aktuelle Programm hin,
mit diesem Link: punkt.noUnbekannte Klassiker (no. 1) – Showtunes
Das erste Mal hörte ich den Namen Lambchop, als David Byrne in einem nun auch schon uralten Interview davon sprach, wie ihm das Album „How I Quit Smoking“ gefalle. Als jene Songs dann bei mir landeten, ahnte ich, das würde eine neue Lieblingsband. Der ehemalige Fliesenleger – und eine Band wie einen Malkasten einsetzen. Seitdem besorgte ich mir jedes Album. Vor Jahren wurde „What Another Man Spills“ für eine Vinyl-Ausgabe neu remastert, und dieses Remaster war so unheimlich gut, dass ich das Werk, obwohl ich es von früher kannte, gleichdam neu entdeckte. „Is A Woman“ galt früh als Klassiker, „Nixon“ als ihr vielleicht berühmtestes Album, und „Damaged“ war lange Zeit mein heimlicher Favorit. Diese Formation, um den Sänger und Komponisten Kurt Wagner herum, hörte nie auf, neue Wege zu beschreiten, und als er dann begann, die eigene Stimme zu verfremden, mit „FLOTUS“, musste ich nicht überredet werden – Effekte sind bei Lambchop keiner Mode geschuldet, immer dem musikalischen Ausdruck. Und nun also „Showtunes“. Ein Wunderwerk, und wenn ich die gute halbe Stunde höre, etwa auf weissem Vinyl mit 45 Umdrehungen pro Minute, gibt es keinen überflüssigen Moment – all diese Samples, akustischen Vignetten, dunklen Winkel, Midi-Verwandlungen, Murmelmelodien, Interludien etc. fesseln ohne Ende, und entfesseln etwas in mir. Von den lyrics und dem Hund auf dem Cover ganz zu schweigen. Wie Kurt Wagner Motive des Erhabenen (Oper, Broadway, Sinatra) in eine erfüllte Leere laufen lässt, ist atemraubend, und gipfelt im letzten Song, der en passant, in einer eingigen Phrasierung, dem späten Scott Walker zunickt. Flüchtig gehört, könnte „Showtunes“ seltsam fragmentiert wirken, dabei ist es formvollendet. Man stelle es ins Plattentegal neben „Mark Hollis“, „Trio Tapestry“, „The Marble Index“, „Open, to Love“, „Another Day On Earth“, „I Trawl The Megahertz“, „Music For A New Society“ und Jacques Brels letztes Studioalbum, das mit den Wolken und dem blauen Himmel. In genau diesen Regionen bewegt es sich, und bleibt doch ganz bei sich.
Lichtspiel
Wenn man der Kritik glaubt, dann muss Daniel Kehlmann mit Lichtspiel mindestens den besten Roman seit der Erfindung des aufklappbaren Regenschirms vorgelegt haben. Er ist auch, das sei vorweggenommen, wirklich gut. Trotzdem: Tyll (2017) fand ich besser. Aber das ist eine Frage von Nuancen.
Es geht in dem Roman um den österreichischen Regisseur Georg Wilhelm „G.W.“ Pabst (1885-1967), der zu den bedeutendsten des frühen deutschen Films gehört: Die freudlose Gasse (1925), Geheimnisse einer Seele (1926), Die Liebe der Jeanne Ney (1927), Die Büchse der Pandora (1929), Die weiße Hölle vom Piz Palü (1929, Co-Regie mit Arnold Fanck) — ich will sie nicht alle aufzählen; im Prinzip sind alle Filme Pabsts vor 1933 sehenswert, insbesondere deshalb, weil er anders als seine heute berühmteren Kollegen Fritz Lang, F.W. Murnau und Robert Wiene nicht so sehr den Spuren des Expressionismus folgte, sondern der Neuen Sachlichkeit. Dabei entwickelte er eine beeindruckende Filmsprache, wobei seine ganz große Spezialität im Schnitt, in der Montage lag.
Pabst galt als „rot“. Er war deshalb gut beraten, Deutschland zu verlassen, als die Nazis ans Ruder kamen. In Hollywood aber hatte er Pech: Er inszenierte einen Flop, und das verzieh man ihm nicht. Er bekam keine zweite Chance, sondern hätte als Regieassistent sein Leben fristen müssen. Das sah er nun als deutlich unter seiner Würde an. Seine wirkliche Tragik aber begann erst, als er mit Frau und Sohn nach Wien zurückkehrte, wo er einen Sanatoriumsplatz für seine demente Mutter finden wollte. Dort nämlich überraschte ihn der Beginn des Zweiten Weltkrieges — und er konnte das Deutsche Reich nicht mehr verlassen.
Kehlmann schildert in geradezu filmisch gedachten Schnitt- und Szenensequenzen, wie Pabst sich „arrangiert“, wie er eigentlich gegen seinen Willen beginnt, sich von den Nazis einspannen zu lassen. Seine Unterredung mit Goebbels (der namentlich nie genannt wird) gehört zu den Schlüsselpassagen des Romans — unendlich lange Korridore, ein unfassbar riesiges Büro mit einem Schreibtisch ganz am Ende, vor dem man auf dem Weg durch den Raum immer kleiner wird, und „der Minister“ ist einerseits die Höflichkeit selbst, lässt aber keine Sekunde einen Zweifel daran, dass er auch anders könnte. Und vor allem daran, dass Pabst Kriegsgefangener und als solcher von des Ministers Gnade abhängig ist. Eine Szene, die einem kalt den Rücken herunterläuft. Eine besondere Hintertreppe tut sich dadurch auf, dass Pabst die Tatsache, Kriegsgefangener zu sein, auch als Entschuldigung dafür einsetzt (sich selbst und anderen gegenüber), sich auf die Nazis überhaupt eingelassen zu haben. Man würde sich nicht wundern, wenn „der Minister“ das genau so einkalkuliert hätte.
Auch Trude, Pabsts Frau und Drehbuchautorin, wird mithilfe eines Lesekreises in die NS-Szene geholt, der die Schundromane eines Herrn Karrasch in den Himmel hebt. Dessen Schmachtfetzen Die Sternengeige muss Pabst schließlich verfilmen, und darüber wird ihm klar, dass die Statisten, die er herumschubst, KZ-Häftlinge sind. Sein letzter Film, Der Fall Molander (1945), den er selbst für seinen besten hält, geht verloren. Und weil das alles noch nicht reicht, wird auch Pabsts Sohn, eigentlich ein amerikanischer Junge, ein Anhänger der HJ.
Ich will hier nicht die ganze Geschichte erzählen. Sie beruht auf Recherche, ist aber um Eigenerfindungen des Autors erweitert, wie das in letzter Zeit ein wenig in Mode geraten zu sein scheint. Viele Zeitgenossen und Kollegen Pabsts tauchen auf, teils als Gesprächsthemen und Klatschobjekte, teils real, darunter Schauspieler wie Heinz Rühmann, Paul Wegener und Werner Krauss, auch eine Leni Riefenstahl, die so widerlich ist, dass man fast Mitleid bekommt. Aber auch die klassischen Mitläufer fehlen ebenso wenig wie die, die mit Begeisterung dabei sind und später von nichts gewusst haben wollen.
Der Ton des Romans ist vielseitig, den jeweiligen Szenen und Perspektiven angepasst. Kehlmann kann sowas, das hat er schon in Tyll gezeigt. Hier allerdings treten gelegentlich Längen auf, einiges ist mir schlicht rätselhaft-verworren geblieben, manches kommt mir ein wenig gewollt atemlos vor. Ein gutes Buch also auf jeden Fall, aber der annoncierte Jahrhundertroman ist es nicht. Immerhin aber ein echter Pageturner, und ich tippe mal, auf eine Verfilmung werden wir nicht lange warten müssen.
… som congaseller bongotrommene, eller hva nå trommedelene var…
Det var en øyeåpner den gangen,
for det er absolutt ikke slik
at favorittmusikerne dine alltid
alltid matcher din egen smak,
når de skryter av favorittplatene sine.I Amsterdam Record Shop rett overfor
overfor Dortmund sentralstasjon,
så jeg en gang dobbeltalbumet
«Get Up With It» av Miles Davis,
og tok den straks fordi den var helt ny.(Jeg kjøpte også, rykende fersk og helt ny, Keith Jarretts
helt ny, Keith Jarretts «Köln Concert», en
rush. Ikke så mange år senere
Werner Panke snakket om en annen type rus,
Eller kalte han det et «rusmiddel». Det var
«Sun Bear Concerts», Keith i Japan, solo,
10 plater. Jeg bestilte dem fra «jazz by post»,
Jeg ser meg selv for meg i dag, da pakkebudet leverte,
løpende ovenpå med esken. Det var en
RAUSCH. Men hallo 🙂Tilbake til «Get Up With It».
Hjemme hørte jeg på de fire sidene i ett strekk,
og ble begeistret, spesielt av den
lange, merkelig annerledes klingende «He Loved Him Madly».
Noen uker senere leste jeg i det franske
«Jazz Magazine» en anmeldelse av en franskmann
som ville bygge en bro
mellom den elektriske Miles, og
de lytterne som sørger over Miles‘ gamle musikk.
Miles‘ gamle musikk.Så han skrev: «Folkens, vær så snill å lytte til
«Mayisha» og ‘He Loved Him Madly’.
«He Loved Him Madly», kanskje dere liker den også.
som E.S.P. og alle platene til den andre
av den andre Miles Davis-kvintetten.
Godt forsøk.Det gikk noen år, så roste Brian Eno
Brian Eno hyllet denne hyllesten til The Duke,
som en blåkopi og lydideal for «On Land».
Jeg spurte ham om det en gang, og han sa
at han elsket det, sammen med alt annet, som congas
eller bongotrommene, eller hva nå trommedelene var,
hørtes ut så utrolig langt unna, 200 meter bak scenen.
bak scenen, som fra horisonten.Jeg skulle gjerne hørt surroundversjonene av
HE LOVED HIM MADLY og ON LAND!!!!
On Land er tilgjengelig fra apple som surround hodetelefoner,
Jeg synes ikke det er på langt nær like spennende som
Som en ekte quad eller 5:1 miks.Jeg elsker forresten også de to siste innspillingene
av Electric Miles. AGHARTA og PANGAEA.
Folk liker å kritisere dem for ikke å være gode
lydopptak, enten det er fra plate eller CD.
Men når man lytter til disse to dobbeltalbumene
fascinasjonen av lydene
alltid hatt overtaket
over det analytiske øret.Die Sache mit der Bibliotheksmusik (1)
Der eingeschliffenere Name: „library music“. Das zentrale Problem der „Bibliotheksmusik“ ist, dass sie nicht dafür gedacht war, auf normale Weise gehört zu werden. Doch mit der Zeit geschah genau das. Was von einschlägig bekannten Firmen auf Platten gepresst wurde, das bekamen nur Abonennten zu hören – die Platten landeten nicht in den Geschäften oder auf den Plattenspielern. Die Empfänger dieser Musik kamen aus der Werbe-, Film- und Fernsehbranche. Sie waren auf der Suche nach Material, das sie in ihren Produktionen verwenden konnten, ohne ein Aufnahmestudio buchen und einen Arrangeur, Komponisten, Musiker oder Produzenten beschäftigen zu müssen. Es war eine effiziente und kostengünstige Möglichkeit, Themen und Begleitmusik zu beschaffen. Man bezahlte sein Abonnement, erhielt die Alben, hörte ein passendes Stück und vereinbarte, es für die Untermalung des Bildmaterials zu verwenden. Bis zum Auftauchen dieser Alben in Second-Hand-Läden wussten nur wenige Plattenkäufer, dass es diese Welt gab. Und damit kommen wir zu dem Album, das in den „monthly relevations“ unter „Archive“ zu finden ist. „Library Music“ ist eine faszinierende Unterabteilung des „Undergrounds“. Und zuweilen verdammt gut. (Fortsetzung folgt.)Faraway Places, Coming Close
Rantum Beach, Autumn 2020. Well, it‘s cold here, winter is comin‘, my big black coat does a good job, the lonesome beach chair, too.
If someone would approach me to write a book for 33 1/3 on a Brian Eno album, three would spring to mind at first. „On Land“ would be an obvious option, but, on the same level of interest, „Taking Tiger Mountain (By Stategy)“ and „Music for Films“ would be a labour of love. And this is not from the point of you of „iconic“ or „canonization“, but from the sheer pleasure of living with certain albums. I have lived with „Music for Films“ since it was released, and that album has never lost my interest. Why so?
My three questions for Brian (about the new compilation, and the old „classic“, for my Christmas radio show titled „horizons of sound“), turned out to be a kind of collection of thoughts, sidesteps, short film reviews, memories – so, in the end, I deliberately tried to stop writing to keep the stuff, well, a bit shorter at least … as an artist who loves to keep things minimal, my „epic approach“ might appear to him as an overdose in regards to a standard question catalogue. So again, why do I change into a storyteller mode when „Music for Films“ is on my mind?
Quite often in conversations, Brian speaks about wanting to make a music about places / worlds where he would like to live / be. This is a recurring thought, but one that leaves a lot of space to think about the nature of those places of yearning, or fantasy. I think, since its release I have listened to that record about 1.000 times. In the background, fully immersed. And I rarely have visual, or „cinematic“, fantasies. Okay, during the track „Events in dense fog“ I can imagine, well, events in dense fog (when thinking of the title). No mystery jungles do appear otherwise, no distant hills, no underwater worlds. I do much more connect with a certain (uncertain) range of emotions (not classified, never of clear meaning).
When the wonderful Richard Williams once upon a time wrote a review on the album in the „Melody Maker“, calling it „Modern Mood Music“, he made comparisons to miniatures (program music / piano pieces) by Claude Debussy – if I don‘t remember it wrong, one track like „Aragon“ made him think of the Frenchman‘s „The Sunken Cathedral“.
For sure, Eno didn‘t listen to any Debussy albums during the making of „Music for Films“. So, such sidesteps occur when artists from different times may dream about faraway places. It‘s common ground, part of the human DNA. As someone who never believed in a priority position of classical music, I was, at some time, looking for that Debussy stuff. Surely great music, but it didn‘t stay with me.
With their flair of „gifts of the moment“, with their melange of acoustic and electronic instruments, with their „anti-perfection spirit“, with their vague suggestions of „cinematic value“, I can just say: though it would be a one on/off experience of curiosity, I would never want to live with a virtuoso version of „Music for Films“ by The Arditti String Quartet or even Bang On A Can (though they did a touching version of Music for Airports, Laurie Anderson even called it „heartwrenching“ in regards to opem up a melancholic sphere in a piece of so-called „functional music“).
I love the fleeting, fugitive experiences of losing myself in the original, the old album with the monochromatic cover. (The new compilation is similarly addictive.) The tracks of his first album for imaginary films – every one of them – seem to vanish, nearly, in the moment of their first taking shape (blossoming). Like apparitions. That‘s why I often don‘t wanna miss a moment. Holding time. They are simply – said simply – too beautiful. And they make me, too, dream of places I wanna be, with the slight difference, those places are, most of the time, the rooms (spaces) exactly, where I am when the music plays. Here. Now.
In my mind at least, for now. Rantum Beach, Sylt. The lonesome beach chair. My long black coat. And, secret revealed, a psychedelic scarf around my neck, blue, red, orange, violet. Faraway places, coming close.
“Wir sind ja hier nicht in der Philharmonie“ – Arbeitstitel meiner Kurzgeschichte über meine Begegnung mit Beth Gibbons in Brüssel
Sie haben lange kein aktuelles Interview mehr mit Beth Gibbons gelesen?! Das wird sich bald ändern. Die einstige Sängerin von Portishead gibt ja prinzipiell keine Interviews. Als ich sie vor Monaten auf einem alten Filmchen in einer Gesprächsrunde sah, in der sie, im letzten Jahrhundert noch, von einem Quasselkopf ohnegleichen befragt wurde, der die Antworten stets selbst lieferte, konnte ich gut verstehen, wieso. Nun, am 6. Dezember , gibt es hier meine short story zu lesen meine 30-seitige Novelleüber meine aussergewöhnliche Begegnung mit Beth, die mit „Lives Outgrown“ gewiss nicht nur mein „album of the year“ herausgebracht hat. Gebunden wie einst im Copyshop, simpel, und mit lediglich meinem Autogramm ausgestattet, gibt es 50 Exemplare davon, als ideales Weihnachtsgeschenk für Liebhaber von Beth Gibbons‘ neuem Album und ihre Sangeskunst überhaupt. Jedes handverlesene und nummerierte Exemplar (es werden 50 durchnummerierte „Unikate“ sein, und es wird kein einundfünfzigstes Exemplar geben) kostet jeden Vorbesteller 100 Euro Vorkasse. Ich sehe das auch als Dankeschön mancher LeserInnen für 12 Jahre Manafonistas und 1 Jahr Flowworker. Ich bin zudem aus besonderen Gründen verpflichtet, hier mitzuteilen, dass es ein Werk der Fiktion ist, welches auf wahren Ereignissen basiert. Meine Lieferung kommt per Post, um den Nikolaustag herum, und enthält zusätzlich, natürlich ohne Aufpreis, fünf Cds, von denen ich annehme, dass sie der Bestellerin oder dem Besteller zusagen. Mir unbekannte Aufrragserteiler erhalten zeitnah einen Fragebogen über Lieblingsalben. Diese Unternehmung ist durchweg ernstgemeint. Die vorbereitenden Notizen sind alle untter Dach und Fach, mit dem Schreiben beginne ich, sobald 25 Bestellungen eingegangen sind. Dann auch erst werde ich um Vorkasse bitten. Die Kommentarfunktion und alle Rechtswege sind ausgeschaltet. (Michael Engelbrecht)Fleeting thoughts on Julia Holter songs (2)
When Devin Hoff’s fretless bass enters, it does so like a layer of molasses; rich, sticky and sweet. Hoff’s contributions are an essential component of the record, calling to mind the vital role that bass plays in the music of Holter forebearers like Kate Bush or Joni Mitchell. (…) Perhaps the greatest feat of Something in the Room She Moves is that, while there are plenty of organic instruments all over these recordings, it’s the synthesizer playing and sound design that lend the record its characteristic lived-in, sinewy and roving lifeforce. this is what Tom Piekaraki writes. And now our fleeting notes. On side B.
Spinning
Olaf: A steady beat is the ground from which strange textures blossom – moog, bass, voices, noises, delays, only a few wind instruments for a change. Everything disintegrates towards the end, the textures wither away, the the song tumbles and falls apart. (I repeat myself but I really like what the bass player does, very melodic and sensitive playing.)
Michael: So here we are, at the beginning of side B. The perfect place to let the rhythm in… and, yes, while it nearly all dissoves into air at the very end, another kind of voice takes the lead: calm clear, focussed. The calmness after the dance. The track grabs me more and more. This album seems to be the classic grower.
Ocean
Michael: The ambient piece, the oceanic piece. Julia is smart: instead of delivering a purely peaceful landscape, she let‘s the uncanny in sideways, after a while. You never know, oceanwise… it ends on a tranquil note though.
Olaf: Nothing to add. „Ocean“ is another proof of Julia Holter‘s versatility; unique music, that fits perfectly at this moment. And it wouldn‘t feel out of place on any state of the art ambient album. This snapshot of the ocean was made in the evening, which brings us to the next song.
Evening Mood
Olaf: A counterpart to „These Morning“. Being tired after a long day, its events appear like a mild vortex on the threshold of sleep. The voice binds the musial elements of this vortex into a song. Again: lovely singing, beautiful bass playing – and a dash of Harmonia towards the end.
Michael: Really, Harmonia? Have to listen again with your ears. The calmness, and zhe apparitions of the day receding… but after initial moments of letting loose and introspection , a lingering irresisitibe melody blows new life into the singer‘s voice and leads us through the evening‘s offerings between the wistful and the dreamlike. All in perfect union with heightened awareness.
Talking To The Whisper
Michael: Maybe the most complex song… you never know where the journey of a single track goes, except sideways, most of the time: in the second half Chris Speed‘s saxophone conjures a dark fantasialand full of wonder, a sense of danger follows, then: boiling point.
Olaf: It really is a complex song, constantly on the verge of ending, laying false trails. At the same time I find it one of the most emotionally engaging songs on this album. There is this middle section that totally gets me: „Let me light, let me throw light/ On your path, little one / Leave me time to stop and say / Love can be / Shattering“.
Who Brings Me
Olaf: A lullabye to close the album. Major themes reoccur: sleep („As I fall asleep“) water, sound („And the eyes of the water tide / Scanning blind with just the sound to guide“), love („You, my love waking up my every day“). Sparse instrumentation, the string instrument and the overall atmsophere remind me of the Velvet Underground – gorgeous and uncanny.
Michael: This song has to happen at the end. Things calm down. But not like all is good and pancakes. Unsettling dream images pop up… („Fading gusts of luck change my breath“) … and I ask myself: what has that all been about (ready for a second, for sure, deeper journey)… There‘s an interesting balance on this whole album between, well, apparitions from nowhere (dream life), clear structures (for a while), and things / sounds falling apart.
