Bob Stanley (St. Etienne) did it again. A master of modern day theme albums with twists and thoughts. „Nothing said new or modern or futuristic quite like a synthesiser in the 70s and 80s. If you were shooting an advert and you wanted your product or your company to appear forward-thinking and ahead of the game, then you would want something electronic, something out of the ordinary.“ Let‘s enter the workd of ancient „library music“ with a brilliant compilation. Even Mike Ratledge and Karl Jenkins from Soft Machine sometimes operated from the shadows…this is a sophisticated work with in-depth notes on all the music you get to hear.

„Tomorrow’s Fashions (Flowworker’s August relevation from the „archive“) is sequenced with care so it’s a linear, satisfying listen. It is not a pot-luck grab bag. The opening track is Simon Park’s “Coaster” (1982). With human drums, it glistens, is gently funky and exhibits a mind-set close-to the roughly contemporaneous Human League instrumental “Gordon’s Gin.” The earliest track is Sam Spence’s “Leaving” (1972). It pre-figures what Jean-Michel Jarre would be up to; considering this, it’s spooky that Spence had studied at the École Normales de Musique de Paris. “Leaving,” with its bargain-basement Tangerine Dream vibe, also ended up as a German single in 1973. Any such external musical connections with this material are, of course, imputed, implied, but a prime goal of library music was to tap into and co-opt current stylistic zeitgeists. This is how it would get to be used. Take Rubba’s fantastic “Space Walk” (1979), which is along the lines of both Jean-Michel Jarre and Space (the French synth-disco combo, not the Liverpool band). While the endlessly fascinating Tomorrow’s Fashions – Library Electronica 1972-1987 deftly opens the door on what’s been a less familiar aspect of library music which aesthetically ripples through recent-ish labels like Ghost Box and Warp it also, perhaps more importantly, confirms that while these composers and musicians operated out of the public eye without any recognition, they did draw from the wider world. The music itself proves this, that these often shadowy figures and their creations were no further from the latest flavours in popular music than what was on sale at the high street’s hippest record shops. How extraordinary it is, then, that what’s heard here has taken four or five decades to reach today’s retail outlets.“

(Kieron Tyler, TheArtsDesk)

„A documentary“

Some of you liked to listen to Malcolm Jiyane‘s music
in my edition of JazzFacts. One reason to dive into
stories and moments around the production,
and musical life, of the South African trombone player.

Henning Bolte

2024 has passed its middle already. I’m still in 2024 review-state. Events and experiences in dense succession:

* München Residency with three concerts and an exposition (January – March)

* Dortmund Exposition (February – July)

* Jazzahead! Bremen (April)

* Music Meeting Nijmegen (May)

* Acores, São Miguel, Pico (May/June)

* Jazzdor Berlin, InJazz Rotterdam (June)

* Prequel Triennale Monheim (July)

Great diversity to deal with, beautiful topics worth to dive in …

Als auf dem alten Blog Gregor noch auf Sylt die Jukeboxen bestückte, das dortige Mana-Treffen schon Geschichte war, da schrieb ich diesen Text. Viellecht waren John Steinbecks Reisen mit Charlie etwas spannender. Aber auf Langeoog sind luzide Träume stets so nah wie der Drachen in der Luft. Jetzt ist es wieder soweit. Einer Flowworkerin sei Dank!

„People Take Pictures Of Each Other“. Der letzte Song von Seite Zwei. Ach, die Kinks. Kennt ihr den berühmten Kinks Fanclub auf Amrum, in der „Blauen Maus“? Das Auto bleibt auf dem Festland. Sancho, mein Hund, und ich. Das Wetter bewegt sich konstant um 20 Grad herum, der Leuchtturm ist nicht so entlegen, wie ich es am liebsten habe, ich kenne ihn seit meinem achten Lebensjahr. Die Insel ist mir vertraut, überall Dejavues mit jüngeren Ausgaben meines Ichs, und all jenen, die lange fort sind, fast aus dem Sinn. Hier ist die Buchhandlung, in der ich Peter Rühmkorffs Gedichtband „Haltbar bis Ende 1999“ kaufte, dort ist das Cafe, deren Tortengrösse sich wohl seit den ersten Wallungen der Wirtschaftswunderzeit nicht verkleinert hat. Rumtorte, riesig, reine Nostalgie. Die Sandorntorte im Leiss. Pflaumenkuchenorgien. „Banana Split“ war in der alten Bundesrepublik mal so exotisch wie ein afrikanischer Klangtraum von Les Baxter in einem lang versunkenen Amerika. Der erste Stau auf der Fahrt in den Norden. Morgen der erste Sprung in die Wellen. Im Auto läuft Jan Garbareks „Dis“. Immer gut, mit eimer Windharfe ans Meer zu reisen. Sancho liebt das Autofahren. Er träumt, wie ich herausfand, meistens in Farbe. Ein psychedelischer Hund. Ich würde mich jetzt gerne mit Ray Davies unterhalten. Ich bin träumendes Mitglied der „Village Green Preservation Society“. Es gibt einen kleinen Dschungel auf der Insel, mit Teestube. Die Dämmerung der Kindheit darf nicht verloren gehen. Das Glück des Brötchenholers erlebte ich schon damals, auf der Lieblingsinsel junger Jahre. Dabei spielten ein Roller und ablandiger Wind die Hauptrolle. Unvergesslich, in meinen Teenagerjahren, die morgendliche Sichtung der Schaukästen mit den Kinofilmen der nächsten Tage. Mein „Paradise Cinema“ auf einer ostfriesischen Insel: oft eine umgebaute Bretterbude, oder eine einstige Kegelbahn. No pictures will be taken.

Taken from the ‘Eno’ official soundtrack, „Stiff“ is vintage Brian Eno. With its irreverent lyrics, humour, and uniquely identifiable sound, it was originally included on the highly elusive Eno album ‘My Squelchy Life‘. Due for release in 1991, the entire album was pulled because of scheduling delays and remained out of the public realm until it saw the light of day in 2015.

Some of the original recordings on ‘My Squelchy Life’ eventually evolved into ‘Nerve Net’ but for reasons you can ask Michael Engelbrecht about, it was decided not to include ‘Stiff‘. The original Eno footage included in the video was shot in the early 90s and finally unearthed by Gary Hustwit in the making of the ‘Eno’ film. The song is included in both the film and official soundtrack album.

„Das achtminütige „American Baby (Two-Part Invention in C)“ ist das Stück, zu dem ich immer wieder zurückkehre, gefesselt von einem E-Piano-Riff in Moll, das zwischen „She’s Not There“ von den Zombies und „Riders on the Storm“ von den Doors angesiedelt ist und eine Dynamik erreicht, die fast so subtil unerbittlich ist wie „Do It Again“ von Steely Dan. Die Kraft des Grooves verwandelt die subtile Leere des Textes in etwas Geheimnisvolles und Fesselndes. Tot Taylor‘s album „Frisbee“ is a sophsticated take on pop tropes and delivers.“ (Richard Williams, slightly revised)

„There’s both sunlight and shadows on the sophomore release from Malcolm Jiyane Tree-o, centered around the theme of a life of poverty in South Africa. The melodies on True Story cut to the soul—and sometimes deliver an uplifting surge, too, a sense of joy and sadness experienced simultaneously, the clash only amplifying their counterparts. The Johannesburg-based trombonist is joined by a core quartet of bassist Ayanda Zalekile, drummer Lungile Kunene, percussionist Gontse Makhene, and pianist-keyboardist Nkosinathi Mathunjwa, plus no small amount of guest contributors. The last song, „Name It Later“, is possibly breaking your heart.“ (Dave Sumner, slightly revised)

Ich fand das neue Album von Paul Newland, als ich in der August-Ausgabe von „Wire“ herumstöberte: ein Troubadour, der sich an Waldspaziergänge im „Epping Forest“ erinnert und gelebtes Leben in windumrauschtes Herbstlaub verwandelt. Clevelodes „Muntjac“: eine seltene Melange von Ambient Music und Songs, vorgetragen mit rührender, zugleich vollkommen kitschbefreiter Beiläufigkeit. „Grimston‘s Oak“. Wäre meine Ausgabe der Klanghorizonte am 25. Juli um 21.05 Uhr nur fünf Minuten länger, ich hätte dieses Lied untergebracht, zwischen Arushi Jain und dem neuen Streich von Warrington Runcorn New Town Development Plan.

„My individual, psychological descent coincided, ironically, with my ascent into the public eye. They were putting me on a pedestal and I was wobbling… So I isolated myself and I made my attempt to get ‘back to the garden’. I moved up into the Canadian back bush to a small sanctuary where I could be alone, lived with kerosene, [and] stayed away from electricity for about a year. I turned to nature. I was going down and with that came a tremendous sense of knowing nothing. Western psychology might call it a nervous breakdown but in certain cultures they call it a shamanic conversion. Depression can be the sand that makes the pearl. Most of my best work came out of it… There is a possibility, in that mire, of an epiphany.“

(Joni Mitchell, looking back on the growing of her 1972 album „For The Roses“, that has quite often been seen as a transitory work between her milestones „Blue“ and „Court and Spark“ – but, hey, what a fine, multi-layered album it is!)