UNCUT: What was Neil’s mood going into Zuma following the break-up with Carrie and the CSNY ‘Doom’ tour?

BILLY TALBOT: My main memory of Zuma is being in Malibu in some bar having a beer with Neil and talking about how he was happy that we were going to do some recording. He was happy about that, and that’s all he was thinking about. I don’t think he was thinking much about Crosby, Stills & Nash at that point. He was past that. Neil is always moving forward. As for Carrie, it wasn’t spoken. It was like any other gang. You don’t speak about things when you are trying to get past them – you try to have a good time, but you don’t moan and groan because that’s not how to get past things. If you do any moaning and groaning, you do it by yourself. 

What was it about Poncho that made you think he’d work for Crazy Horse?

He had a simple new attitude towards music. He wasn’t somebody who had been playing music with everybody always telling him how great he was or anything like that. He always loved the music, he loved playing and he loved making music. He wasn’t trying to be a star in any way. He wasn’t not trying to be a star, he just wasn’t thinking in that way and that’s what I liked. So I asked him to come and join us somehow. He came to my house, we played together a bit, then I invited Ralph and Neil down and we all played and it was fun. That’s all we could ask for, as Danny had passed.

Was there a point where you realised this was the new Crazy Horse?

We didn’t talk about this being Crazy Horse, it all just happened. Neil went to Chicago and invited all three of us to join him – me and Ralph and Poncho. I said we should bring him as it would work, and we did and it did – it worked. When the record [Zuma] was released eventually, we called it Neil Young And Crazy Horse, but we weren’t thinking about that at the moment. We were just trying to get back on track. Danny passing was a real blow. That was what we’d been doing for years. Ralph and Danny and I had been traipsing around as a vocal group, then decided to start playing instruments. Then we got together with Neil and just as we were really getting into it, Danny passed. It was a disruption to this whole force that had been moving forward, so we had to regroup and find our way. We did, fortunately. I guess it was in the cards. It just gelled – but like anything that comes together, it was one of those things. 

How did Poncho change the sound of Crazy Horse?

Poncho is another person, so it’s bound to be different. That’s how it is in life. Each one of us is unique. Especially in a group when you have three or four guys. Danny was one person, he was himself and he’d been great with us, and now he was gone and Poncho came into the picture and he was also himself. If there was any change to the Horse that was it, the new element. 

Tell me about the vibe at Briggs’ beach house – it sounds quite wild?

It might sound wild and at times it might have been a little wild, but we were more interested in the music because Neil was taking us in that direction. He really wanted to do what he wanted to do – and he wanted us to do it with him. He didn’t lose sight of that picture and what he wanted to create. He kept the partying to a minimum, so I don’t know where these stories all came from. 

Who else was around the house during the sessions?

James “Sandy” Mazzeo was there, he did the cover. He was in the house with me and Ralph and Poncho and two or three others. We were staying on the beach in Malibu, you can’t complain about that. The weather wasn’t the best, it was foggy in the morning, but I was a young man away from my family and all these things taken together are kind of like a formula for adventure and it all shows up in the music. 

How did you get such a good sound from the small room you recorded in?

When we record with Neil, we don’t think about leakage that much. What we wanted to do on Zuma was play together in the same room and whoever was engineering had to find a way to record that. We played together as a band and it’s better for any band to play in the same room than separately. 

“It just gelled”: Frank Sampedro (right) with Young and Billy Talbot in Copenhagen, March 16, 1976

Visitors: Bob Dylan; (below) Rod Stewart and Britt Ekland

Why a house?

When you go into a studio, you are there for one reason – to record. That immediately puts a mood on it. When you are in a house, you aren’t thinking the same. You set up and you play and that’s the best thing for a musician to be thinking. Not that you’re about to record, but that you’re about to play. That was good for Crazy Horse. Neil could go into the studio with CSNY and big-time producers with reputations, he could handle that – but it affected Crazy Horse in a detrimental way. Music is music, and once it’s released you can listen to it and it doesn’t matter if it was recorded in a house or a studio. But in the house, we could be ourselves. 

“It’s better for any band to play in the same room” 

BILLY TALBOT

How about the individual songs?

I really remember “Cortez…” because we were doing it and the power went out. We kept playing because we didn’t realise the power was out – it was working in our room, it was in the other room where they were recording. The power came back on and we were still playing. It went off about halfway through the song and came back for the last two-thirds. We then stuck it all together but there was always this missing verse. Then when we did the last tour, Neil reintroduced it. That was the first time I’d heard it since Malibu. I don’t know how he found it, but somehow he did. We played it live and it’s back in the song. 

Was Neil working out some of his issues with the break-up on songs like “Stupid Girl” and “Barstool Blues”?

“Barstool Blues” maybe, but not “Stupid Girl”. I think “Stupid Girl” was just an interesting idea for a song and he was having fun with that one. “Barstool Blues” was definitely a reflection of that time, being in a bar alone or maybe with your mates and basically thinking about not being with your woman any more. That’s a state that a person finds themself in in certain circumstances.

GIJSBERT HANEKROOT/REDFERNS; VINCE MAGGIORA/SAN FRANCISCO CHRONICLE VIA GETTY IMAGES; HELMUT REISS/UNITED ARCHIVES VIA GETTY IMAGES 

Do you remember Bob Dylan popping in?

I remember Bob popping in and then popping out. He jammed on a song or two and I did my best without knowing what the song was or anything about it. With Neil we would discuss the changes. We might play simply, but we’d know the changes and that’s important. Bob didn’t tell us the changes, so I am sure it was a unique experience for him as well as for us. 

How about Rod Stewart?

He was interested in seeing if Neil had a song he could do. So Neil played one of our tracks to him and because he wasn’t interested in Rod Stewart doing a cover of his, he played something from the record he liked but knew Rod Stewart would never do – it might have been “Drive Back”. It was a little odd, but he had a very beautiful woman with him [Britt Ekland] and that’s the main thing I remember. He then had a big hit with “I Don’t Want To Talk About It”, Danny’s song. He might have got it at that session. 

At what point did you realise you were making a record?

Whenever we recorded, we thought of it as a record that would be released, but we didn’t really think about that – it’s about what we are doing in the moment. That sort of stuff doesn’t get to me – what is going to happen to it afterwards. I am trying to concentrate on what the hell is going on, so I can put myself into whatever I am playing on the bass. 

What was the Northern California Coastal Bar Tour like?

We went to these places that were dark outside then lit up inside. People were surprised to see us. When we played it was fun, because it kept the music alive. It wasn’t like this thing you’re supposed to do because you’re up on a stage with thousands of people waiting to hear you. It was nothing like that. We played these spaces where it was a surprise we were there, so the whole feel of the performance was in a different place for everybody. I don’t think we made money playing those bars, but we had fun. 

Do you think of Zuma as a key album for the Horse?

Back in those days, it was just what we were doing. When you look back, that’s one thing, but when you are in the midst of things, you’re just trying to make sense of the moment and what’s happening. Poncho came in and it started working and that was good, that’s all we knew. We weren’t thinking beyond that. When I look back, I feel it is a really good record. What we have done every time, on Zuma or anything else, is a coming together of the band and each one is about its own time and the music that represents that time. 

INTERVIEW: PETER WATTS

Oh mit einem Zittern
Weiche lustige Sache

Euphonisch
Flüstert auf dem Boden

Platonisch
Versteckt in einer Schublade

Cool wie ein Flimmern
Blauer Wuschel
Gleitet durch diese Finger

Verbirg es
Lauf ein wenig ängstlich

Aber fühle es
Öffne dich stattdessen

Wessen Zittern
Verstrickt in der Morgendämmerung
Dieses schöne Durcheinander
Kaum noch zu halten
Vergessene Tage
Fallen weg
Von uns
Von uns

Ladet es ein
Niemals sicher zu sein

Erregt es
Es schreit nach mehr

Oh kleiner Sonnenstrahl
Gefangen in einer Wolke

Wir zittern
Verstrickt in der Dämmerung
Dieses schöne Durcheinander
Kaum aufgehängt
Vergessene Tage
Wegbrechen
Von uns
Von uns

Lass uns hier verweilen
Moosig in der Dämmerung
Diese unordentliche Liebe
Kaum festhalten
Oh schöne Tage
Weglaufen
Mit uns
Mit uns

Meine schönen Tage
Wollt ihr nicht bleiben

Easy does it, könnte eine Besprechung von „Luminal“ lauten: wenig ruft die wilden Welten von Here Come The Warm Jets oder Nerve Net in Erinnerung, oder den Power Pop der Zusammenarbeit von Eno und Hyde. Ist das nicht alles ein wenig smooth umd sentimental? Was assoziieren wir frei? Verrückte Kissenschlachten früher und später Liebe, Glückstaumel der „salad days“, ach ach ach! Ist es nicht viel leichter, das eigene Dunkel zu erkunden, mit „dark songs“ und einem „dark album“, das Spätwerke alter Meister oftmals offerieren?! Warum nur verzaubert mich dieses Songalbum mit Beaties mildrauchigem Timbre und Brians Quantum Samt so sehr?

Ein Punkt jedenfalls sind die lyrics von Beatie, die nichts ausformulieren, und, wie Impressionisten, der Flüchtigkeit der Linien und Bilder ihren seltsamen Tiefgang anvertrauen. Auch mit Reimformen wird sehr luftig gearbeitet, was die deutsche Übersetzung unterschlägt, z. B. ganz am Anfang der Hauch von Reim von „floor“ und „drawer“: Oh with a quiver / Soft funny thing  / Euphonic / Whispers on the floor / Platonic Hiding in a drawer…“ Genauestens tariert sind die Kürze der Zeilen und die Länge der Strophen: bei de drei „Siebenzeilern“ ein Hauch von Crescendo und Brians „Chor“. Zudem seine „synths“ – vintage Eno and inventive!

Es gibt zudem auf „Luminal“ keinen einzigen Wechselgesang a la „Nancy und Lee“, und das verblüfft, denn stimmlich die Zwei „a match made in heaven“. Das ist die Kunst: Understatement liefern, ohne Intensität zu opfern! Und dann diese beiden herrlichen dreisilbribigen Eigenschaftswörter „Euphonic“ und „Platonic“! Da komme ich gleich auf launige Tangenten!

Lese ich allein Beaties Texte, kommt mir sogleich die alte Lust an Lyrikinterpretationen in den Sinn, in jenem schönsten aller germanistischen Proseminare über „Konkrete Lyrik“ (Münster, 1973/74), und im legendären Englischunterricht von Dr. Egon Werlich. Hier, auf „My Lovely Days“, entfalten sich bewegte Liebestaumel mit äkustischem Gitarrengezupfel und dem simpelsten aller Melodiegaranten namens Omnichord. Kein Wunder, dass „My Lovely Days“ demnächst die zweite Singleauskoplung wird!

Aber, und das ist das grosse verblüffende Aber: stets ist ja das Träumen als Träumen präsent, als fluider Seinszustand – und im Laufe der Lieder von Luminal findet alles Dunkle seine Risse. Beiläufig, der Logik von Traumbildern, Traumsequenzen folgend. Nichts bleibt unverwundet.

album: anouar brahem
film: neil young coastal (april, 17, one evening, worldwide)
prose: „und man hört sie doch.“ (hg: martina w.)
talk: erik and jan on „manafon variations“
radio: „playlist in motion“
binge: „families like ours“
archive: joe henderson

„Bei der Auswahl von Titeln für seine Kompositionen, die die palästinensische Erfahrung thematisieren, war Anouar Brahem nicht von einem didaktischen oder propagandistischen Ziel getrieben: Dies wären Ziele, die seiner feinfühligen (…) Sensibilität völlig fremd wären. Aber er konnte auch nicht den Eindruck erwecken, dass seine Musik von der Wut, der Trauer und dem Kummer, die Gaza in ihm auslöste, unberührt blieb. Es ist zu früh, um zu sagen, ob man sich an dieses „Quartett für das Ende der Zeit“ als Vorbote des Endes von Gaza erinnern wird, oder vielmehr als Vorbote des lang ersehnten Endes des Leidens in Gaza. Man kann jedoch sicher sein, dass dieses Album für immer die Spuren seiner Herkunft tragen wird. „Musik erinnert sich an uns“, schreibt Jeremy Eichler in Time’s Echo, seiner ergreifenden Studie über Musik, die nach der Shoah komponiert wurde. „Musik spiegelt die Menschen und Gesellschaften wider, die sie geschaffen haben, sie fängt etwas Wesentliches ein, das sie in die Zeit ihrer Entstehung zurückversetzt. Die Erinnerung wird von den Kadenzen, den Offenbarungen, den Trübungen und dem tragischen Pathos der Musik heimgesucht“.

(aus den liner notes von Adam Shatz zu Anouar Brahems „After The Last Sky“, übersetzt aus einer französischen Vorlage mit deepl ins Deutsche, die Cd enthält die englische Fassung)

In den letzten Tagen waren meine Erinnerungen ab und an unterwegs in einem Damals, das die erste Hälfte der Siebziger Jahre darstellt, mit einem Arsenal von Zeitreisetechniken: Alltagstrancen, Rumstöbern im Netz, „Köln 75“, der Film, das Wiederhören der langen ersten Seite von „The Köln Concert“, und, nicht zuletzt, das Versinken in der „Relativty Suite“ von Don Cherry nach Ewigkeiten… die Platte gehörte im Wintersemester 74/75 im Doppelzimmer 510 des „I-Hauses“ zur Grundausstattung der Musikversorgung von David Webster und mir.

Ein zufällig zusammengewürfeltes Schicksalsduo für zwei Semester, David lernte den Free Jazz kennen, und ich drang tiefer denn je ins „Weisse Album“ der Beatles vor. Dank der Erinnerungen von Richard Williams öffnete sich jene Tür im fünften Stock wieder, als er zu seinen Don Cherry-Inselalben kam. Das Stichwort lieferte ein Satz von Ethan Iverson: “Folk music, surrealism, the blues, the avant-garde, deep intelligence, primitive emotion.” – es wae an Ornette Colemans Album „Science Fiction“ von 1972 gerichtet.

„That’s good“, reagierte Richard darauf, und führte aus: „And, as much as I love Cherry’ work with Coleman, Albert Ayler and Gato Barbieri, my favourite Cherry albums are probably those that best encapsulate the full range of those qualities, and of his imagination. They would be Eternal Rhythm, Relativity Suite from 1973 (with the JCOA, never reissued in any form since its its first appearance on vinyl), and the wonderful Modern Art: Stockholm 1977, a concert at the city’s Museum of Modern Art, which appeared on the Mellotronen label in 2014.“

Das „Modern Art“ Album von 1977 kenne ich gar nicht, aber die fast vergessene „Relativity Suite“ wurde flugs auf dem raren Markt vergrabener Schätze aufgetan, und voller Begeisterung neu gehört. Fast wie beim ersten Mal. Es ist der 13. Januar 1975, nasskaltes Januarwetter. Fünfundzwanzig sorgsam für die grosse Reise in die zweite Heimat ausgewählte Langspielplatten stehen, sorgsam im Schatten platziert, an der Wand, mit dabei „Diary“, „Lord of the Rings“, „Facing You“, und „Third“. Davids Kassettenrecorder gibt „Happiness is a warm gun“ von sich, John Lennon auf der Höhe seiner Kunst, und es ist schon später Abend, fast Nacht.

Während das Album noch läuft, ist David schon eingeschlafen, ich lese bei spärlichem Licht noch ein Kapitel in Ralf Oerters „Entwicklungspsychologie“, auch ein gutes Einschlafmittel, und draussen, nur wenige Kilometer Luftlinie entfernt, sitzt ein übermüdeter Musikproduzent am Steuer seines zitronengelben Renault und fährt einen unruhig schlafenen Keith Jarrett Richtung Köln. Sie fahren gerade an Würzburg vorbei, und der Produzent verwirft den Gedanken, hier auf einem Rastplatz ein wenig Schlaf nachzuholen. Ich bekomme von alldem natürlich nichts mit, hole am nöchsten Morgen die Post bei Herrn Kopka in der Pforte ab. Ein Päckchen von „Jazz by Post“ ist angekommen, mit Bennie Maupins „The Jewel In The Lotus“. Drei Wochen später verliebe ich mich im rumpeligen Fahrstuhl unseres Wohnheims. Das Leben nimmt einmal mehr volle Fahrt auf.

Auf der linken Seite sitzen nur Männer und spielen Domino, vorne am grossen geöffneten Fenster spielen zwei Alte Gitarre. Jeden Abend kommen sie in die Bar und spielen ihre Lieder. Sie singen vom Heimweh nach Venezuela. Es sind Einheimische, Herreños, die wieder zurück auf ihre Geburtsinsel El Hierro gefunden haben, nachdem sie viele Jahre in Übersee waren. In der Bar herrscht eine düstere Stimmung, die Männer schweigen beim Hin und Herschieben der Steine, immer wieder fasziniert mich diese Stille beim Spiel.Es ist das Fremde, das mich beeindruckt, das Kommunizieren ohne Worte. Domingo Pio heisst der Mann an der kleinen Gitarre, der Timple. Ihm hat der beste Gitarrist der Insel, Ruperto, eine musikalische Hommage gewidmet. Mir gelang es, Ruperto zu einem kleinen Interview zu gewinnen:

Ruperto, kommst du aus einer musikalischen Familie, sang deine Mutter, spielte dein Vater ein Instrument?

Ja, mein Vater war Musiker, er spielte Geige, Temple, Gitarre und Banduria. Und meine Mutter sang sehr gerne.

Wann hast du angefangen, Gitarre zu spielen?

Mit 8 Jahren.

Hast du dir das mehr oder weniger selber beigebracht?

Ja habe ich- Wer hat dir deine erste Gitarre geschenkt?

Mein Vater hatte eine zuhause.

Hast du dann in einer Jugendband gespielt oder immer alleine?

Mit einer Schülerband.

Deine Frau und deine Söhne treten auch zusammen mit dir auf. Hast du deine Frau auf einem Konzert kennengelernt?

Ja auch das ist richtig.

Dir macht es auch viel Freude zu singen. Die Texte sind alle von dir, woher nimmst du die Inspiration für sie?

Aus dem täglichen Geschehen, was ich so beobachte im Dorf und den Menschen hier.

Spielst du am liebsten alleine oder in Gruppen?

Ja vorzugsweise alleine.

Vielen Dank Ruperto für das Interview.

Mich interessieren in jedem Land die Interaktion zwischen Naturräumen oder auch Grossstädten und Tönen, Klängen. Wie kommt es, dass die Musik der Insel relativ gleich klingt, egal , ob es Kirchenlieder oder Folkloreanlässe oder gar Tangotakte sind. Ihre Pito, so heisst die einheimische Flöte hat, nur 8 Töne, genau wie die irische Pipe. Sie bringt aber erstaunlich vielfältigere Melodien hervor , man höre mal The Road to Kilkenny zum Vergleich. Die Einheimischen sind stille genossen. Sie führen ein hartes Leben in der kargen Wirtschaftswelt. Sie sind Fischer und Schäfer und romantisieren nicht das Meer, so wie es Rio Reiser in dem Lied „Übers Meer“ singt.Ruperto besingt in seinen Songs das stille Meer, Mar de las Calmas,die Erde, das Licht, die Frauen und die Freunde. Mehrere Texte gehen über die Bäume, die Pino Verde, den Wasserspenderbaum, über den Sabina, das Wahrzeichen von El Hierro. In seinen sehr langen Balladen ähnlichen Liedern singt er über die Verzweifelten, die Migrationsbewegungen über Familienbanden, und hebt immer wieder die Mutter hervor,“Madre del Herreño“ heisst mein Lieblingslied. Als ich ihn bat mir drei Texte von den Songs zu geben, die mir am besten gefallen, lacht er und sagt, das ist alles nur in meinem Kopf. Er kann auch keine Noten, er spielt alles aus dem Kopf. Diese einfachen Melodien haben einen gewinnenden Ausdruck von musikalischer Schönheit- Oder wie Joachim Ernst Berendt es besser sagt: Wenn Formen uns vertraut werde, brechen kulturelle Barrieren ein.

It is easy to get lost in the music of „When The Distance Is Blue“, cause, amongst other reasons, it kinds to rejects labeling, Brian Eno calls music like this „where am i“-music. Possibly you know some of the the albums  Mr. Eno had brought on the way as an executive producer and artistic director  in the mid-seventies.The series was called „Obscure Records“ and tried to make bold connections between experimental, new classical and the contemporary pop culture. Like Gavin Bryars“ The Sinking of the Titanic / Jesus Blood Never Failew Me Yet, Brian Eno‘s Discreet Music, the wonderful first album of The Penguin Cafe Orchestra… Your album – though much more great sounding than those old treasures, would have fit brilliantly into Obscure Records, because it serves, too,  as an invitation be seduced by strange atmospheres… What was the overall vision for this album (from start on or in retrospect)? Can it be perceived as an aural equivalent of Rebecca Solnit’s „A Field Guide To Getting Lost“, that book of essays (in a freewheelin‘ sense)? Best wishes, Michael!

“Four Strong Winds“

“After The Goldrush“

“Pocahontas“

“Peace Of Mind“

“Southern Pacific“

Wenn dieser Film namens „Coastal“ zu sehen sein wird, bin ich dabei. Auch so einer der singer / songwriter, der mir „company for life“ bedeutet, vom ersten Augenblick an, als ich in Paignton 1971 „After The Goldrush“ entdeckte bis heute. Am wenigsten bekannt von den Alben, auf denen sich die Lieder dieser Playlist tummeln, dürfte „Reactor“ sein, das damals Prügel einstecken musste, zu Unrecht, wie ich finde. Neben dem herrlichen T-Bone-Steak-Song, der schon 1981 verriet, dass vielen Hippies der Humor ausging, wenn schräger Humor romantische Erwartungen und „strong messages“ konterkarierte, war „Southern Pacific“ stets ein Lieblingssong des Albums. Und, auf seine Weise, eben doch auch Sehnsuchtssoff und Liebeserklärung! (m.e.)

It’s easy to imagine that there probably isn’t any music ever played by anyone, anywhere, at any time, from prehistoric hunters on the Eastern Steppe to whatever Kendrick Lamar, Billie Eilish or Nils Frahm are doing next, to which Don Cherry could not have made a worthwhile contribution. And the secret to that must have been his openness.

(Richard Williams)

Ihr kennt den launigen Spass mit dem Brief ans Unversum!? Manchmal kommt er wirklich an. Mein Dank an dieser Stelle auch an Michael Stelljes, Spezialist für desert island discs, dafür, mich an Paul Bleys „Ramblin‘“ erinnert zu haben. Grosse Musik findet ihre Hörer mit der Zeit!

Nur als Gesamtpaket, keine Einzelstücke. Nicht an der Nummerierung stören, es sind 40! Dieser Blogeintrag verschwindet spätestens morgen, am 8. Dezember, um 18.00 Uhr. Fast alles wurde in meiner Nachtradiosendung im Deutschlandfunk gespielt. Und alles Vinyl, near mint oder vg+, bis auf wenige Ausnahmen. Entweder habe ich manches doppelt, oder „in surround“, oder es ist nicht mehr so ganz meine Musik. Diese aufgeführten ECM-Alben habe ich mehrfach, es sind edle Sammlerstücke dabei. Anruf: 0157 – 307 65 064. (michael engelbrecht)

1. Bill Callahan: Have Fun With God (seine DubPlatte)
2. Getz / Gilberto (Impex 1 step 3358/7500) – extrem teuer
3. Johnny Cash: American V
4. Jimmy Giuffre: Free Fall
5. Tom Waits: Rain Dogs (remastered)
6. Incredible String Band: No Ruinous Feud
7. Chick Corea: Piano Improvisations Vol. 1 (ECM)
8. Group Listening: Clarinet & Piano: Selected Works Vol. 2
9. Dustin O‘Halloran: IOOI
10. Trees Speak: PostHuman
11. Led Zeppelin: II (remastered by Jimy Page)
12. Jerry Harrison: The Red And The Black (VG)
13. Rickie Lee Jones: The Other Side Of Desire
14. Monke Plot: Angaende Omstendigeter… (Hubro)
15. Erland Dahlen: Bones (Hubro)
16. Bill Frisell: In Line (ECM first pressing)
17. Belbury Pole: The Gone Away
18. Moritz Von Oswald Trio: Sounding Lines
19. Milton Nascimento: Clube de Esquina
20. Stephan Mathieu: The Falling Rocket

1. Cluster: Grosses Wasser
2. McCoy Tyner: Extensions
3. Helge Lien Trio: Hello Troll
4. Tom Van Der Geld: Children At Play (ECM)
5. Tom Van Der Geld / Bill Connors: Path (ECM)
6. Simon Fisher Turner: The Epic of Everest
7. John Coltrane: Blue Train
8. Prince Far I: Cry Tuff Dub Encounter Chapter 3
9. Oren Ambarchi & Jim O‘Rourke: Behold
10. Stein Urheim: Strandebarm (Hubro)
11. Holger Czukay: Eleven Years Innerpsance (double vinyl set)
12. Karen Dalton: In My Own Way (3 LP Set)
13. Simon & Garfunkel: Bookends (mofi sound lab)
14. Barney Wilen: Un témoin dans la ville
15. Laraaji: Sun Piano
16. Kraftwerk: Technopop
17. The Genius Of Ray Charles (atlantic mono)
18. numün: Book Of Beyond (shimmy disc)
19. Ella Fitzgerald / Louis Armstrong: Ella and Louis
20. Miles Davis: Kind of Blue (UHQR 2-LP-Set, 45rpm… extrem teuer)