They were a short-lived group with a history. They were nearly lost in oblivion, aside from the happy few New Yorkers with some of their vinyl from the early days of CBGB’s. Arthur Russell was part of the game, and part of their ending, but The Necessairies were not his band. First steps included a single produced by John Cale. Brian Eno lived around the corner. I never even heard the  name of the band, till the label sent me the reissue vinyl copy. Nice cover, I thought. And Arthur Russell? Remember this fucking genius who died so early – the endless line of HIV victims brought bitter endings to a blossoming cultural climate of the ’80s. Arthur Russell was no icon, no hero, he was a versatile composer and creator who preferred the background, loved going  to extremes and sabotaging every trace of mainstream.  He was re-discovered by a long article from David Toop (!) in the „Wire“, more than ten years ago. From that time on, his old works surfaced one after the other. The Necessairies belonged to his most accessible collaborations, maybe one of the reasons he quit service on a taxi ride when street traffic brought evrything to a long halt. For him it might have looked metaphorically. Life is full of errors. Listening to the re-mastering of „Event Horizon“ left me stunned. You know the difference between finding an artefact from times long gone and nod your head in respect – and jumping from your seat by the sheer joy of a „love at first sound“-album . „Event Horizon“ is such a beautiful thing, that of course exists in a power spot of New York’s New Wave offsprings from  The Modern Lovers to The Talking Heads. That said The Necessairies delivered their unique version of sharply cut „sunshine avant-pop“ with a fantastic rhythm section, great guitar work and the undergrowth of Mr. Russell. Its originality and playfulness is ending every discussion of just playing the memory game.

Ist eine Sendung zu „20 Jahre Punkt“ geplant.
In einer Rundmail über nahe und ferne Radioproduktionen
wies ich auch auf das aktuelle Programm hin,
mit diesem Link: punkt.no

Das erste Mal hörte ich den Namen Lambchop, als David Byrne in einem nun auch schon uralten Interview davon sprach, wie ihm das Album „How I Quit Smoking“ gefalle. Als jene Songs dann bei mir landeten, ahnte ich, das würde eine neue Lieblingsband. Der ehemalige Fliesenleger – und eine Band wie einen Malkasten einsetzen. Seitdem besorgte ich mir jedes Album. Vor Jahren wurde „What Another Man Spills“ für eine Vinyl-Ausgabe neu remastert, und dieses Remaster war so unheimlich gut, dass ich das Werk, obwohl ich es von früher kannte, gleichdam neu entdeckte. „Is A Woman“ galt früh als Klassiker, „Nixon“ als ihr vielleicht berühmtestes Album, und „Damaged“ war lange Zeit mein heimlicher Favorit. Diese Formation, um den Sänger und Komponisten Kurt Wagner herum, hörte nie auf, neue Wege zu beschreiten, und als er dann begann, die eigene Stimme zu verfremden, mit „FLOTUS“, musste ich nicht überredet werden – Effekte sind bei Lambchop keiner Mode geschuldet, immer dem musikalischen Ausdruck. Und nun also „Showtunes“. Ein Wunderwerk, und wenn ich die gute halbe Stunde höre, etwa auf weissem Vinyl mit 45 Umdrehungen pro Minute, gibt es keinen überflüssigen Moment – all diese Samples, akustischen Vignetten, dunklen Winkel, Midi-Verwandlungen, Murmelmelodien, Interludien etc. fesseln ohne Ende, und entfesseln etwas in mir. Von den lyrics und dem Hund auf dem Cover ganz zu schweigen. Wie Kurt Wagner Motive des Erhabenen (Oper, Broadway, Sinatra) in eine erfüllte Leere laufen lässt, ist atemraubend, und gipfelt im letzten Song, der en passant, in einer eingigen Phrasierung, dem späten Scott Walker zunickt. Flüchtig gehört, könnte „Showtunes“ seltsam fragmentiert wirken, dabei ist es formvollendet. Man stelle es ins Plattentegal neben „Mark Hollis“, „Trio Tapestry“, „The Marble Index“,  „Open, to Love“, „Another Day On Earth“, „I Trawl The Megahertz“, „Music For A New Society“ und Jacques Brels letztes Studioalbum, das mit den Wolken und dem blauen Himmel. In genau diesen Regionen bewegt es sich, und bleibt doch ganz bei sich.

Der eingeschliffenere Name: „library music“. Das zentrale Problem der „Bibliotheksmusik“ ist, dass sie nicht dafür gedacht war, auf normale Weise gehört zu werden. Doch mit der Zeit geschah genau das. Was von einschlägig bekannten Firmen auf Platten gepresst wurde, das bekamen nur Abonennten zu hören – die Platten landeten nicht in den Geschäften oder auf den Plattenspielern. Die Empfänger dieser Musik kamen aus der Werbe-, Film- und Fernsehbranche. Sie waren auf der Suche nach Material, das sie in ihren Produktionen verwenden konnten, ohne ein Aufnahmestudio buchen und einen Arrangeur, Komponisten, Musiker oder Produzenten beschäftigen zu müssen. Es war eine effiziente und kostengünstige Möglichkeit, Themen und Begleitmusik zu beschaffen. Man bezahlte sein Abonnement, erhielt die Alben, hörte ein passendes Stück und vereinbarte, es für die Untermalung des Bildmaterials zu verwenden. Bis zum Auftauchen dieser Alben in Second-Hand-Läden wussten nur wenige Plattenkäufer, dass es diese Welt gab. Und damit kommen wir zu dem Album, das in den „monthly relevations“ unter „Archive“ zu finden ist. „Library Music“ ist eine faszinierende Unterabteilung des „Undergrounds“. Und zuweilen verdammt gut. (Fortsetzung folgt.)

1. Pan American & Kramer:
2. Fred Hersch: Silent, Listening
3. Shabaka
4. Charles Lloyd: The Sky Will Be There Tomorrow
5. Julia Holter:
6. Rafael Toral:

THE John & Alice Coltrane Home, Impulse! und die Verve Label Group nennen das Jahr 2024 das Jahr der Alice, aber für eine wachsende Zahl von Jazzfans ist es schon seit einiger Zeit ihr Jahr. Die Bedeutung von Alice Coltrane Turiyasangitananda, Harfenistin, Pianistin, Komponistin, spirituelle Führerin und Ehefrau von John Coltrane, ist nach ihrem Tod im Jahr 2007 im Alter von 69 Jahren nur noch gewachsen. Ihre Karriere als Jazzpianistin begann in den 1950er Jahren in ihrer Heimatstadt Detroit, doch ihr Leben änderte sich für immer, als sie 1963 Coltrane traf. Zwei Jahre später heirateten sie, und im Jahr darauf ersetzte sie McCoy Tyner in seinem klassischen Quartett. Sie machte Aufnahmen, trat auf, gründete eine Familie und ging den spirituellen Weg mit John bis zu seinem frühen Tod im Jahr 1967.

Ihr erstes Album als Leaderin, A Monastic Trio, erschien im Dezember 1968, ein spirituelles Post-Bop-Juwel, auf dem zum ersten Mal ihre Harfe zu hören war und das den Grundstein für die spätere Andachtsmusik legte. Ihre Arbeit spiegelte ein aufkeimendes Interesse am Hinduismus und an indischer Musik wider, zuerst auf Ptah, The El Daoud und noch weiter auf Journey In Satchidananda mit der Hinzufügung von Tanpura und Oud. Es folgten eine Reihe zunehmend meditativerer Alben, und 2004 erschien ihr letztes Studioalbum Translinear Light. Da das Interesse an der Musik der beiden Coltranes weiter wächst, findet immer mehr davon den Weg aus den Tresoren. Das Konzert in der Carnegie Hall ist das jüngste und markiert Alices ersten Auftritt dort als Bandleaderin. Es war 1971 und sie hatte gerade Journey…. veröffentlicht. Für dieses Set wurde ein erweitertes Ensemble zusammengestellt: die Saxophonisten Pharoah Sanders und Archie Shepp, die Bassisten Jimmy Garrison und Cecil McBee, die Schlagzeuger Ed Blackwell und Clifford Jarvis sowie Kumar Kramer und Tulsi Reynolds am Harmonium bzw. an der Tamboura. Impulse! gab die ursprüngliche Mehrspuraufnahme in Auftrag, veröffentlichte sie aber damals nicht. Teile dieses Sets wurden seitdem gebootleggt, aber diese offizielle Version bietet eine deutliche Qualitätsverbesserung.

Es beginnt mit dem Titeltrack von Journey…, Alices Harfe ist ebenso intim wie transzendental, Wellen von kaskadenartigen Klängen, die sich in einer kosmischen Spirale übereinander türmen. Ihre ebenso bezaubernde Komposition „Shiva-Loka“ ist die nächste, gefolgt von zwei Stücken von John: „Africa“ aus Africa/Brass und „Leo“ aus Interstellar Space. Alle vier sind großartig, aber diese Version von „Africa“ ist pures kosmisches Feuer. Shepp und Sanders, die sich auf fast eine halbe Stunde ausdehnen, sparen nicht an Energie, während sie sich berauschende Soli liefern. Die ganze Zeit über zieht sich die Musik in sich selbst zusammen und scheint der Physik zu trotzen. Das ist schon auf den Studioalben so, aber man hat das Gefühl, dass es live immer noch weiter geht.
Dieses Set ist eine Bestätigung und willkommene Ergänzung des Katalogs der Alice Coltrane-Aufnahmen und des spirituellen Jazz.

(Ana Gavrilovska)

Das erste Flowworker Musikrätsel hat einen feinen Preis: The Alice Coltrane Carnegie Hall Concert 1971 (Impulse, 2024, 2Cds). Ich liebe es. Wer als erster die fünf oben abgebildeten Alben benennt (Künstler und Titel), erhält Ende der kommenden Woche den Preis frei ins Haus geliefert (deadline Ostersonntag 12 Uhr). Kleiner Tip: 5 Platten, 5 Genres, mit Klick aufs Foto ist das Bild vergrösserbar. Der Gewinner wird hier unmittelbar angesagt. Es kann jeder teilnehmen, aber nur einmal raten. High five, oder, ähem frohes Scheitern! (Und hier noch mein persönliches downbeat rating der fünf Alben von links nach rechts: ****1/2 – **** – ****1/2 – ***1/2 – das Album ganz rechts ist frisch aus dem Presswerk, noch ungehört)