I bought my copy of „Music for Black Pigeons“ a number of months ago, watched it and was very moved by it. But it wasn’t until I revisited it yesterday during a break in a session of free playing with a talented percussionist that I fully appreciated it. Watching it with a fellow artist allowed me to see it with fresh eyes and ears. 

After viewing it a second time, I realized just how artfully this film is executed. It is more than just merely another music documentary; it is really a humanistic art film that focuses on aging, love and the shared passion for artistic collaboration. And of course, always the beautiful music.

While the film centers on guitarist Jakob Bro, the beating heart of this film is in the elder players who recognized his talent and wanted to play with the young Danish maestro. Structurally, the film takes its time, setting the scene for each location, lingering on buildings or street scenes, giving the viewer a sense of place and atmosphere before diving into the more intimate scenes.

The brilliant direction and editing takes advantage of the nearly 15 years of filming, exploring the themes of aging and the palpable love between collaborators, which in many cases resulted in lifelong friendships. All of this moves back and forth in time, revealing the personalties of each player through fly on the wall moments in the recording studio and on stage. 

Punctuating these vignettes are revealing interviews with many of the players. Unlike many such films, the questions are probing, the answers provocative and often profound. As a lifelong musician with a long career in music, I found the artists’ struggle to answer these questions relatable and incredibly insightful. 

There are so many highlights it’s hard to pick just a couple. I loved every moment Lee Konitz is onscreen. He is painfully honest and real, and his humbleness is completely genuine. Here is a guy who has been a part of so many scenes in several important eras, and still demonstrates a childlike beginner’s mind in relation to Bro’s contemporary approach to modern music, and even though he admits to not fully understanding what’s going on, nonetheless embraces the moment and throws himself into the music wIth spontaneity, imbuing every note in each solo with meaning, great heart and wisdom. Just watching the love and recognition amongst his peers, especially the look on Jakob Bro’s face as Lee overdubs a brilliant solo that can only come from a lifetime of dedication to his craft, is worth the price of admission. 

I also loved the portrait of nerdy bassist Thomas Morgan as we watch his morning regimen, getting on the PC (programming in DOS no less,) to cue up an incredibly diverse program of music while he performs his morning stretches and his own peculiar variations on yoga postures, then selecting his clothes for the day. Delightful as is his quirky interview, which starts off with what has to be one the longest pauses in documentary history.   

There are a great many musicians featured in this documentary. From memory and in no particular order: Bill Frisell, Thomas Morgan, Joe Lovano, Joey Baron, Paul Motian, Jorge Rossy, Craig Taborn , Palle Mikkelborg, Arve Henricksen, the late John Christiansen, Mark Turner, Andrew Cyrille and several others. A number of these artists are also interviewed, as well as the ones I mention here.

I don’t want to give too many things away here for those who haven’t had the pleasure of viewing this film, but I will also add that the beautiful  scene with Manfred Eicher in the studio with Bro and compatriots recording Bro’s tune dedicated to Tomacz Stanko, really touched my heart. The camera wanders around the control room and rests on a picture of a younger Eicher and Stanko and other photos from a decades long association. In his interview, Manfred Eicher tries to express his feeling about his many years in the recording studio with Stanko, finding himself at a loss for words, before he is finally overcome with emotion and unable to continue.

In the end, this film is a poignant portrait of elder musicians with really young hearts who are still willing to explore the edges of creative boundaries, playing with a younger generation of open creatives, and finding much to offer as well as to receive. The film also makes it clear that it’s the music that transcends the disparities of race, age, gender and cultural origins. All of these differences are ultimately superficial when artists come together with a common purpose. 

I want to add that this film looks absolutely gorgeous; even though it was released on DVD, it looks as good (and sometimes better) as many of my BluRay discs. I honestly don’t know how they pulled that off, but they did. Also the sound, which is in Dolby Digital, sounds equally amazing, as good as many uncompressed Master Audio HD soundtracks in my Bluray collection.

„It is impossible to ever become desensitised to the horrors that have unfolded in Gaza over the last several months, but sometimes it takes a documentary to really hammer home how unbearable the situation is. Kill Zone: Inside Gaza, made by 12 Palestinian film-makers over 200 days, shows the complete destruction of neighbourhoods, and the families now conditioned to flinch at any loud noise, worried they might end up like their friends or neighbours, or any of the countless others to have died since October. We also meet a number of children for whom a devastating new acronym applies: WCNSF – wounded child, no surviving family. No television programme made this year will be as hard to watch, which is all the more reason to watch it.“ (The Guardian)

Toumani Diabaté ist vor einigen Tagen im Alter von 58 Jahren verstorben, ein lesenswerter Nachruf (mit vielen Musikbeispielen) findet sich im Guardian. Seine Aufnahmen mit Ali Farka Touré sind Seelennahrung, wie man in dieser Kurzdokumentation erleben kann.

Paris für ein, zwei Tage, eine kurzfristige Einladung von Robert Wyatt, der dort eine Vokalaufnahme machte, für ein neues Album des Cellisten Vincent Segal. Ich fuhr direkt vom Gare de l’Est zum Tonstudio im jüdischen Viertel. Die Begrüssung war herzlich. Das erste grosse Interview machte ich mit Robert 1991 in einem Londoner Hotel, der Anlass war DONDESTAN. Das zweite Interview fand 1997 in einer relativ ruhigen Ecke der Queen Elizabeth Hall statt, der Anlass war SHLEEP. Das dritte Interview war vom Ambiente, her kaum zu übertreffen: Robert, seine Frau Alfie und ich sassen auf der Bühne im holzvertäfelten Purcell Room (in dem sonst gerne Kammerkonzerte aufgeführt werden), und wir sprachen über CUCKOOLAND. Am heissesten Sommertag des Jahres 2003, abgeschieden von aller Welt, das Publikum bestand aus einem Mann vom Security Service. Jahre später sprachen wir dann am Telefon über sein Album COMIC OPERA. (In aller Bescheidenheit weise ich darauf hin, dass es ein Fehler sein könnte,  solch süsses Gift, solch sinnliche wie gedankliche Tiefe, ungehört an sich vorüberziehen zu lassen.)

Jetzt also Paris. Die Arbeit am Stück war fertig, es fehlte nur noch die Abmischung. „Chez Janou“ heisst der Song, besser, das Chanson, und schon beim Hören der rohen Fassung schmolz ich dahin: Robert Wyatt singt den französischen Text mit einer Anmut ohnegleichen, und punktgenauer Zerbrechlichkeit. Die schmeichelnde Melodie stammt allerdings vom Cellisten, der offensichtlich die Robert Wyatt’sche Liederwelt gut kennt. Nur Gesang, Segals Cello in zwei Spuren übereinander geschichtet, und im Mittelteil ein paar asketische Farbtupfer von Roberts Trompete – keine Keyboards, keine Perkussion. Der Song erzählt vom Verschwinden des Zeitgefühls, das man erleben kann, wenn man sich eine Weile in diesem alten Bistro, das „Chez Janou“ heisst, einfindet. Die Hauptperson des Liedes beschreibt, wie die Uhren langsamer gehen, sich rückwärts drehen, kurz gesagt: jemand richtet sich in einem geträumten Stillstand der Zeit ein. Robert kennt sich damit aus, einem schwankenden Zeitempfinden nachzuspüren. Unvergessen sein Lied, in dem er den verschwundenen Jazzclubs von Paris nachspürt: „Old Europe“. Wer Vincent Segals Spiel näher kennenlernen möchte, sei auf die Duo-Arbeit CHAMBER MUSIC (mit Ballake Sissoko) hingewiesen.

Robert und Vincent fanden es eine gute Idee, nach unserem Interview ins selbige Bistro zu gehen. Es findet sich nicht weit vom Studio, in der Rue Roger Verlomme. Die nächstgelegene Metrostation ist „Chemin Vert“. Es ist wirklich ein Bistro, das einem wie ausgedacht oder geträumt vorkommt. Wir tranken erst mal einen Pastis, wofür dieser Ladem berühmt zu sein scheint, schon im Lied erklang der Name dieser Spirituose im Refrain. Dieses Bistro hat 20 Sorten von Pastis auf der Karte, unglaublich. Von den Wänden lachen uns freundlich gesonnene Filmfiguren an, der Patron geht mit einem Bonbonglas von Tisch zu Tisch. Er kennt Vincent Segal seit vielen Jahren und freut sich über die Hommage. Die Speisekarte ist im übrigen sehr südfranzösisch. Mir schmeckt das „Margret de canard au romarin“ köstlich, ein Entenbrustfilet mit Rosmarin. Eine Mousse au chocolat wird immer wieder in einer grossen Glasschüssel vorbei gebracht, jeder kann sich nach Herzenslust bedienen.

Wir reden über Gott und die Welt. Die Zeit scheint wirklich etwas langsamer zu ticken, und es tut mir in der Seele weh, auf die Uhr zu schauen, und meine Rückfahrt in zwei Stunden in Angriff nehmen zu müssen. Ich rufe in meinem Büro in Köln an, und darf eine weitere Nacht anhängen. Es wurde ein langer Abend voller nachhallender Gespräche. Ohne dass mein Mikrofon eingeschaltet war. In der Erinnerung fallen mir immer wieder andere Momente ein, etwa seine frühe Begegnung mit Thelonious Monk. Zum Abschied schenke ich Robert Wyatt die englische Übersetzung von Julio Cortazars Meisterwerk „Rayuela – Himmel und Hölle“. Leider ist der Song „Chez Janou“ nie erscheinen, die Folge eines Einbruchs in Vincents Tonstudio, bei dem auch drei Songs von Air für immer verloren gingen, die es nicht ganz auf „Moon Safari“ geschafft hatten. Am nächsten Morgen hatte ich noch Zeit, in einem der beinah rund um die Uhr geöffneten Kinos nahe dem Jardin du Luxembourg einen meine Lieblingsfilme von Francois Truffaut zu erleben (zum dritten, zum vierten Mal?), der bei uns in der alten BRD „Liebe auf der Flucht“ hiess, und, en passant, auch ein spannendes Filmexperiment darstellte.

„A documentary“

Some of you liked to listen to Malcolm Jiyane‘s music
in my edition of JazzFacts. One reason to dive into
stories and moments around the production,
and musical life, of the South African trombone player.

Es ist wie bei einer Meditation: die richtige Sitzposition hilft, zur Ruhe zu kommen. Der Teekontor in Keitum ist ein Power Spot, dessen bürgerliche Akkuratesse durchaus hilfreich ist für die Verwandlung des eigenen Bewusstseins. Dort nimmt man bei schlechtem Wetter auf der Couch Platz, von der aus das obige Bild geschossen wurde. Noch besser, im vordersten Strandkorb draussen, mit Blick auf die weite Prairie. (In der Regel sind sie anders aufgestellt, nämlich so, dass der Blick allein aufs weite grüne Feld gerichtet ist.) Man bestelle sich eine Kanne mit grünem, weissem, oder schwarzem Tee: die Beschreibungen der Getränkekarte sind verlässlich. Das High stellt sich nach 20 Minuten ein. Und so ist es nun mal beim Teegenuss: die Gedanken werden, mitunter, schärfer, heller, luftiger. Man muss es nicht Meditation nennen, auch „heiteres Verweilen“ macht Sinn. Ich habe dort schon oft über Stunden an dem „Sequencing“ der Stücke für die Klanghorizonte gearbeitet, mit Papier und Bleistift. (Das waren ja auch fünf Stunden in den letzten Jahren, also galt es fünf Spannungsbögen zu basteln.) Diesmal ist die Reihenfolge bei mir daheim entstanden. Jede gelungene Abfolge ein kleiner „Coup“.

Im Zentrum der „Klanghorizonte“, die „Vertonung“ eines Texts von Ezra Pound. Es gibt Gedichte, die hallen nach seit frühen Jahren. Auf jeden Fall erging es mir so mit dem berühmten Dreizeiler von Ezra Pound, betitelt „In a Station of the Metro“. Wie oft dachte ich an ihn, wenn ich in London mit der Underground fuhr, Richtung Epping Forest, Picadilly Circus, oder Angel Station. Die zwei Zeilen unter der Überschrift: „The apparition of these faces in the crowd: / Petals on a wet, black bough.“ Zuweilen, wenn der Blick ins Leere ging, oder in Sekundenschnelle fremde Gesichter zu lesen versuchte, schwebte diese Vorstellung einher, diese Röhren der unterirdischen Räume als nasse kalte Baumstämme wahrzunehmen. Dann sprach ich die Zeilen leise aus, wie jenes andere Mantra in Londoner U-Bahnschächten: Mind the gap, mind the gap, mind the gap. Lauschen Sie, in den Klanghorizonten, der Vertonung von Erik Honoré. An seiner Seite Sidsel Endresen, Arve Henriksen, Jan Bang, Kirke Karja und Tim Nelson. Das Album „Triage“ wird beim diesjährigen Punktfestival in Kristiansand uraufgeführt. Es erscheint auf „Punkt Editions“. als LP, CD, und DL.

Restaurant Robert. Am Rheinufer. 17. Juli, 11.50 Uhr. / The Flowflows: Toni, bcl, Lajla, Irish flute, Norbert, dr, Ulrike, spoken words, Olaf, spoken words, Michael, spoken words, Martina, spoken words. Das Wetter vor Ort: 21 Grad, vereinzelte Wolken.

…. und hier der „Nachklapp“… das Beste war, dass es ein guter Mix war, und sich manche gar nicht kannten. Das galt sowohl für Blogger wie Blogleser. Radiohörer sind alle. Als hinterher ein paar Blogthemen zu in kleiner Runde behandelt wurden, war klar, dass technisches Knowhow und der Blogmacher Nevzat gefragt sind. Immerhin sollten bald Fotos passend in Texte eingefügt werden können. Undundund. Spätestens, wenn Nevzat aus dem Urlaub ist. Auch möchte ich wissen, wer an einem Zoom interessiert ist. Ich schicke noch eine Rundmail, und sende die Antworten dann, bearbeitet, an Nevzat. Lasst uns das nicht hier in den comments klären. Viel interessanter waren die „good vibes“ zwischen uns. Zwischen allen. Für mich war es eine besondere Freude, Toni und Norbert kennenzulernen. Und ich freue mich, bald einmal oder zweimal in dem Tornadostädtchen in Ostfriesland haltzumachen, und nicht minder, mal wieder in Hamburg rumzustromern. Mein letzten Konzerte dort, in der Fabrik, lange her, David Byrne und Lambchop. Toni hat mir Lust auf den Bremer Sendesaal gemacht, wo übrigens Florian Weber seine demnächst bei ECM erscheinende Arbeit aufgenommen hat. Nd die hat es in sich. Wir kamen von Hölzchen auf Stöckchen… ein calvinoeskes Treffen, lauter schöne Zufälle! (A propos: meinen Blutsbruder Matthias konnte ich nicht ausfindig machen, aber mein alter Schulkamerad und Polizist im Ruhestand, Michael Z., folgt einer Spur im „Gänsemarkt“.)

Wenn man mit 18 das Downbeat Jazzmagazin abonniert hat, ist man als Musiklover identifiziert. Dort entdeckte ich 1974 eine 4 1/2 oder 5-Sterne-Besprechung dieser Schallplatte, und das las sich so spannend, dass ich als ECM follower der frühen Jahre sofort zugriff, via jazz by post oder sonstwo. Das wilde, oft impressionistische Flirren der Klänge packte mich mit dem ersten Ton, nie hat Bennie ein feineres Album als leader gemacht. Als sideman war er bei manchem hot shit dabei, von Herbie Hancock, Miles Davis und anderen Gesellen. Das Cover hat den spirituellen Charme der frühen Siebziger. Später erfuhr ich, dass Adam Rudolph als kleiner Knirps im New Yorker Studio mit dabei: sowas prägt, eines von Adams späteren Alben hiess Hu Vibrational. Gleich fahre ich mit der Bennies Meisterstück nach Köln, um die Playlist der Klanghorizonte (26.7., 21.05 Uhr) in den Computer mit dem wohlklingenden Namen Web Merlin reinzustellen. Die Fahrzeit von 50 Minuten wird komplett von Bennie Maupin und etwas Stille stadtauswärts und stadteinwärts begleitet. Bennie Maupin. Herbie Hancock. Buster Williams. Frederick Waits. Billy Hart. Bill Summers. Charles Sullivan. Ein Traum. Bennies Weggefährte bei Herbie Hancock, Posaunist Julian Priester, brachte nahezu zeitgleich bei ECM sein Album LOVE, LOVE raus, ein weiterer Meilenstein der Fusion-Ära. Wie die erste RETURN TO FOREVER Scheibe von Chick Corea. Oder die noch immer in den ECM Archiven schlummerne Arbeit THE CALL (ECM / Japo 6001) mit Mal Waldron, Eberhard Weber und zwei weiteren Zauberern.