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1960 The Year of the Rat
Every now and again I get together with two of my friends playing music chronologically from the year of 1950 until present day. This has been going on for years. Here are ten (mostly) album releases included on the list from the year of nineteen sixty.
The Abyssinian Baptist Gospel Choir – Under The Direction Of Professor Alex Bradford (Columbia) Among the records from our family’s record collection was a compilation from Readers Digest of Gospel music – one track stood out. It was Said I wasn’t gonna tell nobody by The Abyssinian Baptist Choir. What caught my attention except for the fact that the music being so wild and free and full of spirit, was that you could hear the sound of the room and that the sound was so important to the way I experienced this music. It had a great sense of atmosphere to it. Recorded from a distance to the choir/piano.
Key track: „I said I wasn’t gonna tell nobody„
Robert Normann – My prayer (Columbia Norway) Robert Normann, a Norwegian guitarist often to be seen as intermission at NRK, the state TV´s single channel in the 70´s when there was a gap between programs. Normann used a studio technique developed by Les Paul around the same time. Speeding down the tape for his recording and then speeding up the tape again in the mix. Holger Czukay´s signature guitar sound had the same featured technique as can be heard on „Persian love“ from Movies.
Key track: My prayer
Brailowsky – The 24 Preludes (Columbia Masterworks) Brailowsky´s prolific Chopin recordings in the sixties was well documented and my father seemed to have bought every release of his throughout the 60´s. His Chopin recordings became part of my DNA and particularly this piece. Gainsbourg wrote lyrics to it and credited it „Jane B“ with himself as composer.
Key track: Opus 28. No.4 in E Minor. Largo
Joao Gilberto – O Amor, O Sorrisso E flor (Odeon) Perhaps the most unique and in my opinion the most important recording of the decade was not the British rock bands, but the Bossa Nova movement that happened in Brazil. One of the century’s most important performers being Joao Gilberto who came to have a huge impact in Brazil, America and in Europe over decades to come.
Key track: Corcovado
Tito Puente and his Orchestra – Tambó (RCA VICTOR) Latin percussive groove album. Influential to Masters of Work Nu Yorican Soul, especially the remix of their glorious Roni Size remix „Watching Windows“. Produced by Marty Gold, son of Russian immigrants who migrated to NYC. Gold was a composer, arranger, producer and an audiophile. He was the architect of the «Living Stereo» series in the sixties. Tambó was recorded at the Webster hall in NYC using a special microphone technique that created a natural reverberation. Using the rooms acoustics to full extent as opposed to the dry dampened studio sound and keeping the dynamic range to a maximum using a minimum of compression. This involved placing the section of the musicians in different parts of the recording space.
Key track: Rumba Timbales
Staple Singers – This may be the last time (Sharp Records) The exception on this list of albums. The staples singers released two seminal singles in 1960. «This May Be the Last Time» being one. The other being «Why Am I Treated So Bad». Staple Singers were included on the box set from Readers Digest presented on the LP of Country Soul.
Key tracks: This may be the last time / Why am I treated so bad
Henry Mancini – Music from Mr. Lucky (RCA) The wonderful Ljuon taken from the OST album «Mr. Lucky» is just the perfect sunny summer track. British composer John Barry have listed Mancini´s Peter Gunn as the inspiration for the original Bond theme. Listening to «Softly» tells me Mancini´s influence was not just the Bond theme but the entire Bond sound.
Key track: Softly
Miles Davis – Sketches of Spain (Columbia) Miles / Gil Evans – Hassell lived in the building across the street from Gil Evans in NYC but the two never met. Wonder how the music would have sounded like if they did..
Key track: Solea
Joe Meek and the Blue Men – I Hear a New World (Triumph) Originally recorded in 1960. This is the first complete LP release of Joe Meek’s long lost ’60 album. Recorded in ’59 but never released. In early ’60 a total of 99 promotional EP sample copies consisting of only 4 songs each were mailed out in plain white labels to radio stations, though more copies are alleged to exist.
Key track: I hear a new world
Bill Evans – Portrait in Jazz (Riverside) Recorded with Scott Lafaro and Paul Motion. Evans had left Miles´ band the year before. Interestingly he cited Darius Milhaud´s «Suite Provencale» as an influence which is a personal favorite Milhaud work. From an early age I was deeply fascinated by Les Six, a supergroup of forward thinking composers (Honnegger, Milhaud, Poulenc, Auric et.al.) based in Paris with Jean Cocteau being their spokesman under the wings of Satie. The album was poorly received by critics of the time.
Key track: Blue in green
(J.B)
Following – but where and whom and why?
Auf der Fahrt in die Region südlich der Vogesen bot sich für einen Zwischenstopp Freiburg an. Vor langer Zeit wohnte ich dort in der Nähe des Alten Wiehrebahnhofs, wo es ein Kommunales Kino mit Filmen jenseits des Mainstreams, einen Ausstellungsraum und ein Café gab. Glücklicherweise ist das alles noch da. Auch die unermüdlichen Gruppen derer, die Boccia spielen. Das Café ist schicker geworden, die Theke futuristisch beleuchtet. Während früher zwei, drei wacklige Tische draußen standen, sind es jetzt unzählige und alle Stühle sind besetzt. Auf der Karte gibt es Kurkuma Latte, was ich immer mal probieren wollte. Ich habe es aber zu spät entdeckt. Ein Stück Kuchen kostet 6,50 Euro, ist aber jeden Cent wert. Wir saßen auf Hochstühlen, am Tisch neben uns zwei junge Männer, die über ein AfD-Verbotsverfahren auf Englisch diskutieren, der eine ist Muttersprachler, der andere nicht, aber er spricht souverän. Am Samstag läuft „Her“ von Spike Jonze, mit Einleitung und Gespräch. Hier schrieb ich über den Film auf manafonistas. „Was 2013 noch wie eine Zukunftsvision wirkte, ist angesichts heutiger KI erstaunlich nah gerückt“, heißt es im Ankündigungstext. Wegen meiner Beschäftigung mit meinen Träumen wurde mir von mehreren Seiten der Film „Inception“ von Christopher Nolan empfohlen. Inception bedeutet hier, jemandem während des Schlafs einen Gedanken einzupflanzen, damit er eine bestimmte Handlung vornimmt. Die Räume so verschachtelt wie ein Traum.
Im Kommunalen Kino im Alten Wiehrebahnhof läuft Ende Oktober das Debüt von Nolan: „Following“. Dies ist der Ankündigungstext: „Ein erfolgloser Schriftsteller folgt Menschen aus reiner Neugier. Als ihn der charismatische Cobb dabei ertappt, gehen sie eine Stufe weiter: Gemeinsam brechen sie in Wohnungen ein – weniger um zu stehlen, als um in fremde Leben einzudringen. Mit seinem für wenige tausend Dollar gedrehten Debüt legte Christopher Nolan bereits 1998 Grundmuster seines späteren Kinos offen: verschachtelte Zeit, unzuverlässige Wahrnehmung, Identität als Spiel und als moralische Ambivalenz. Im körnigen Schwarzweiß und auf engstem Raum entsteht ein konzentrierter Neo-Noir. (…).“ Ich konnte den Film aus meiner bewährten Videothek ausleihen. Er ist viel ruhiger als „Inception“ und man könnte meinen, er sei deutlich früher gedreht als 1998, was auch daran liegt, dass man erwarten würde, dass ein Schriftsteller und auch einer, der gerne einer wäre, auf einem PC schreibt. Nicht nur der Schriftsteller, auch wir werden in diesem sehenswerten Debüt die Irre geführt. Auf der DVD gibt es außer dem Film eine von Christopher Nolan kommentierte Fassung sowie den Film in chronologischer Reihenfolge.
Just Another Day
Oh it’s just another day,
It’s just another day on Earth
Oh it’s just another day,
Just another day,
It’s just another day on Earth
Oh it’s just another day on Earth
It’s just another day on Earth
One day, we will put it all behind,
We’ll say, that was just another time,
We’ll say, that was just another day on Earth
We’ll say, that was just another time,
One day, we will put it all behind,
We’ll say, that was just another day on Earth
Just another day,
It’s just another day,
Oh it’s just another day on Earth
It’s just another day on Earth(From the album Just Another Day On Earth)
Der besondere Zauber von Bill Forsyths „Housekeeping“
Das ist schon eine spezielle Kategorie: Filme zwischen den späten 1960er und 1990er Jahren, die man erst lange, nachdem man sie im Kino oder wo immer hätte sehen können, bei Festivals oder Freunden, im Kino oder Fernsehen, zum allerersten Mal sieht, lange nach ihrer Zeit, und die einen dann so umhauen, dass sich die Frage, wie diese Filme gealtert sind, gar nicht mehr stellt. Bei mir hiessen solche Filme in den letzten zwei, drei Jahren, „Medium Cool“, „Die rote Schildkröte“ – und „Housekeeping“.
Ein Schotte, der einen Film im nördlchen Idaho dreht und in einem Roman gleichen Namens versinkt, auf der Suche nach der bestmöglichen Umsetzung der literarischen Vorlage. Es gelingt ihm, und ich bin froh, diesen Film endlich entdeckt zu haben. Man lasse sich bitte nicht von dem lapidaren Titel und dem skurrilen Kinoplakat abhalten – und gehe allen Inhaltsangaben im Vorfeld aus dem Weg! Diane Keaton war für die weibliche Hauptrolle vorgesehen, aber dann spielte, bei allem Respekt ein Glücksfall, Christine Lahti. Hans Schifferle widmete ihr einst eine Liebeserklärung. Wir hören die Stimme der Schriftstellerin aus dem Off, ein ums andere Mal, und gewöhnlich ist das der Stoff einer zähen Umsetzung. Nicht hier, wieso sonst scheint die Zeit gleichermassen zu fliegen und stillzustehen, als ich den Film sah und sah und wieder sah. Es gab vor Jahren den nicht minder bewegenden Film über gestrandete Schicksale im amerikanischen Hinterland, No Man’s Land, mit der beeindruckenden Frances Dormand, durchaus ein Film in der Tradition von „Housekeeping“: das Porträt einer Seele, eines Menschenlebens, das sanft aus dem Ruder der Normaldefinitionen eines erfüllten Lebens, mit seinen Versatzstücken amerikanischer Träume, gelaufen ist. Ein wenig Sylvie Walker steckt in allen von uns, und in einigen sicher noch etwas mehr! Kam der Vorschlag vom Kollegen Pannhorst, nach dem Film irgendwann „Running On Empty“ von Jackson Browne zu hören, und zwar das ganze Album!? (m.e.)
Monthly Revelations (November)
album SHOVEL DANCE COLLECTIVE: EVERYTHING IN READINESS / film HOUSEKEEPING (1987) / prose SIMON REYNOLDS: STILL IN A DREAM / talk ANOTHER DAY IN BERLIN – IN CONVERSATION WITH BRIAN ENO IN 2005 / radio A STEVE TIBBETTS PORTRAIT & THE LAST THREE EDITIONS OF KLANGHORIZONTE / binge AMERICAN HOSTAGE / archive 25 YEARS OF DRAWN FROM LIFE BY BRIAN ENO AND J. PETER SCHWALM (followed in December by Don Cherry‘s Sunrise (live, 1977))
Kein Schutz
Als 1994 „Protection“ das zweite Album von Massive Attack erschien, diskutierten OZ und ich mehrere Wochen darüber. Ich hörte ein Popalbum, nicht so deep wie „Blue Lines“, aber elegant und vielseitig, er einen seichten und beliebigen musikalischen Gemischtwarenladen.
Ein halbes Jahr später las ich in der Spex eine Rezension von Marcel Beyer über das dazu gehörige Remix Album, bei dem die Stücke durch Mad Professor einer radikalen Dub-Kur unterzogen wurden. Der Titel: „No Protection“.
Die Tür zur Dub-Musik hatte ich schon früher einen Spalt geöffnet, um zu sehen, was sich dahinter verbarg. Diese Bearbeitungen sogen mich in den Raum hinein, tiefer als ich erwartet hatte. Schlagzeug und Bass spannen ein dunkles Gerüst auf, in dem sich die Klänge entfalten. Manche Details blitzen nur kurz auf, andere ziehen lange Schatten, bis sie langsam im Hall verschwinden. Stimmen und Instrumente der ursprünglichen Songs flackern aus dem Halbdunkel auf und führen ein Eigenleben, ihrer ursprünglichen Rolle enthoben; ein Spiel aus Erwartung und Erinnerung, in dem das Verschwundene vorhanden bleibt.
„No Protection“ ist eines jener Alben, die neue Räume öffnen können. Es hat meine Ohren geweitet und mich an Orte geführt, von denen ich vorher nicht einmal wusste, dass es sie gibt. Ich besitze es auf CD und LP, und über die Jahre ist es zu einem Weggefährten geworden – ein lifer. Zweifellos mein Lieblingsalbum von Massive Attack. Vor „Mezzanine“, vor „Blue Lines“ und auch vor „Protection“ (die anderen habe ich irgendwie gar nicht mehr gehört).
OZ und ich waren uns dann auch sofort einig, dass diese Remixe die Originale in den Schatten stellen. Gerne würde ich noch einmal die Rezension von Marcel Beyer lesen, ach, ganz viele Texte von ihm aus der Spex, ganz besonders das Dub Special. Falls mir jemand Kopien oder Scans besorgen kann, würde ich mich sehr freuen.
Brian Enos Story von „Fractal Zoom“
„Was „Fractal Zoom“ betrifft, experimentierte ich damals mit etwas, das ich „unwillkommenen Jazz“ nannte. Da gab es eine gewisse Dissonanz und Schärfe, die mir gefiel. Gleichzeitig wollte ich aber dieses – zumindest für mich – große Experiment wagen, eine Art von Musik zu schaffen, die die Freiheit und die Dissonanz besitzt, die man manchmal im Jazz findet. Und dennoch etwas Liedhaftes an sich hat. „Fractal Zoom“ begann mit einer Aufnahmesession, die ich in Los Angeles mit dem großartigen Schlagzeuger Sugarfoot Moffett machte.
Er wurde wegen seiner Bassdrum-Technik „Sugarfoot“ genannt. Er konnte sehr, sehr gut mit der Kick-Drum umgehen. Er tauchte bei der Session auf. Ich erinnere mich, wie er in einem roten Cabrio auf den Parkplatz fuhr, auf dessen Rücksitz nur drei Snare-Drums lagen. Sonst nichts. Ich hatte den Rest des Schlagzeugs gemietet, aber er wollte seine eigenen Snare-Drums mitbringen. Jedenfalls nahmen wir ein paar Improvisationen auf, und eine davon wurde zur Grundlage für „Fractal Zoom“.
Ich habe die Bänder mit nach England genommen und dort weiter daran gearbeitet. Dabei habe ich diese großartige Zutat namens „Robert Fripp“ hinzugefügt, der für diesen Titel auf ganz besondere Weise Gitarre gespielt hat. Er nannte es „Pin Trumpet“. Das ist dieser sehr, sehr dünne, durchdringende Klang, den man in dem Stück hört. Ich glaube, die Gitarre wurde elektronisch irgendwie um eine Oktave erhöht. Aber ich hatte immer noch keinen Song. Und ich wollte etwas, das lyrisch und süß und sehnsüchtig und fast schon ängstlich über diesem Groove lag.
Der Groove war, glaube ich, wirklich mehr als alles andere vom Spiel von Jaki Liebezeit geprägt. Ich wollte einen dieser unaufhörlichen, kraftvollen Grooves, wie er sie hinbekam. Und natürlich war der andere Schlagzeuger, der mich sehr beeinflusst hat, Klaus Dinger, den ich zum ersten Mal bei Neu gehört hatte. Es ist dieses Schlagzeugspiel von Sugarfoot Moffett, das diesen Track wirklich untermauert. Ich hörte mir den Song jetzt wieder an – etwas, das ich schon seit geraumer Zeit nicht mehr getan habe, da ich meine älteren Werke nicht so oft höre. Und er gefällt er mir wirklich gut. Ich bin überrascht und es ist mir ein bisschen peinlich, das zu sagen.
Aber diese Wolke aus Gesang und Instrumenten, die etwa zwei Minuten nach Beginn unerwartet auftaucht, hat etwas Wunderschönes an sich. Und ich denke, man kann es eigentlich als eine Art Fusion-Musik bezeichnen. Ein Versuch, einige Stilelemente miteinander zu verbinden, die normalerweise nicht zusammen vorkommen. Etwas zu schaffen, das sowohl rau und ziemlich aggressiv ist als auch etwas, das fast schon ekstatisch wirkt.
A Sonic Fever Dream: 25 Years of Drawn from Life by Brian Eno and J.Peter Schwalm – by Markus Reuter
Sometimes the memory of when and how a certain album found its way
into your life begins to blur. In the case of Drawn from Life by Brian
Eno and J. Peter Schwalm, I no longer recall the exact circumstances
under which I acquired the record back then. Of one thing, however, I
am certain: I had long been a great admirer of Eno’s work, from albums
like Nerve Net and The Shutov Assembly all the way to the later
release Another Day on Earth. Yet Drawn from Life holds an absolute
special status for me. Not only is it my favorite work in Brian Eno’s
extensive catalog, it also ranks among my personal top ten albums of
all time. Quite simply, it is the perfect music for conjuring a truly
magical mood.
Now, in 2026, exactly a quarter of a century after its initial release
in 2001, this masterpiece is finally receiving a reissue, complete
with new artwork. Admittedly, I was very fond of the original cover,
even if a few of my graphic designer friends found it downright awful
for reasons that completely escape me. To my mind, the visual and
acoustic package fit together seamlessly right from the start.
A Seamless Fever Dream
What makes this album so extraordinary is its specific, almost
weightless character. It is most aptly described as a musical fever
dream: a state in which you lose all temporal and spatial orientation,
no longer able to tell where you are, where it begins, or where it
ends. The entire work feels deeply conceptual and cut from a single
cloth.
With music this process-oriented, it is often nearly impossible in
retrospect to assign exact compositional credit. Who actually did what
here? Because the creation of such pieces thrives on countless small
steps, happy accidents, and extensive post-production, traditional
notions of authorship dissolve. Nevertheless, it is obvious that this
album is not merely an Eno solo statement, but a genuine, equal
artistic symbiosis with J. Peter Schwalm.
From my own practice with this kind of music, and not least through my
collaboration with Peter on our joint album Aufbruch, I am intimately
familiar with his working methods and can tangibly feel how immense
his contribution is here. In every second, you can hear the extreme
meticulousness with which he shaped the arrangement and sonic
aesthetic: how he repeatedly pieced together countless fragments,
dynamically mixed them, discarded them, and layered them anew. His
perspective is aimed entirely at atmosphere and density, emancipating
itself completely from traditional musical parameters. On this purely
sound-painting level, Eno and Schwalm found true kindred spirits in
one another. Incidentally, for anyone wishing to dive deeper into
Peter’s sonic cosmos, I wholeheartedly recommend his deeply rewarding
work with trumpeter Arve Henriksen.
Sonic Architecture, Dub, and Harmonic Friction
The entire production is defined by a striking sense of space. This
applies not only to its immense depth of field, but also to the
razor-sharp stereo image, in which even the most delicate detail
occupies its precisely defined place. A distinct dub aesthetic comes
into play here: spaces themselves become instruments, sounds emerge
out of nowhere and dissipate into endless reverb tails, supported by
exquisitely tasteful filter effects that allow the frequency spectrum
to breathe organically.
Woven into this spatial tapestry are electric pianos and acoustic
piano, contrasted by the dramatic, almost cinematic use of orchestral
percussion, including timpani.
In isolated moments, augmented and diminished intervals, or sharp and
flat intervals, rub against one another in a floating mixture across
different degrees of the scale. Despite this carefully dosed harmonic
friction, the music glides along completely effortlessly.
Between the Organic and the Artificial: Details in the Soundstage
The album’s special emotional warmth comes from the delicate interplay
of the featured guest musicians and the seamless fusion of organic and
artificial sounds. On violin and viola, Nell Catchpole delivers
wonderful string passages that, while heavily processed
electronically, contribute essentially to the underlying mood and
melodic framing. Leo Abrahams contributes his characteristically
subtle, delicate guitar textures, while Laurie Anderson lends her
unmistakable spoken-word voice to “Like Pictures Part 2.”
On the track “Two Voices,” in turn, we hear Brian Eno’s own voice
processed through one of his signature vocoder effects. In this track
in particular, the organic and the artificial form a fascinating
union. In “Two Voices,” I even believe I can pick out the very
specific sounds of a digital Roland guitar synthesizer. These are the
exact same timbres that are also present on the later 2004 Fripp/Eno
album The Equatorial Stars. This soundstage is complemented by unusual
textures such as Holger Czukay’s dictaphone recordings, percussion by
Heiko Himmighoffen, and the children’s voices of Eno’s daughters,
Darla and Irial, on the track “Bloom.”
“Bloom,” in particular, pushes the album’s trance-like quality to its
peak with its hypnotic shuffle groove. Interestingly, the album is
also threaded with deeply aesthetic bass motifs that sound strikingly
like an organically played bass guitar, though no explicit credit for
them can be found anywhere in the liner notes.
Musical Kinships: From Erik Satie via Klaus Schulze to Hector Zazou
When you trace the contours of this album more deeply, lines of
connection to other great sonic architects immediately open up in the
mind. On the one hand, there are the wonderful works of Hector Zazou,
whom I also hold in high regard and who often built a similar bridge
between organic instruments, human voices, and electronic poetry. And,
of course, a direct line leads back to Erik Satie, the true forefather
of ambient music.
Upon recent, intensive re-listening, however, another unexpected
parallel dawned on me: a remarkably similar atmospheric density exists
on a much older work, namely Klaus Schulze’s 1978 masterpiece X. On X,
one finds those monumental pieces featuring a string orchestra, analog
synthesizers, and the live drumming of Harald Großkopf, particularly
his distinctive tom-toms drenched in deep reverb. Although Drawn from
Life was not released until 2001, it unmistakably breathes the spirit
of the 1970s through this exact combination of orchestral textures,
deep percussion sounds, and electronic vastness. To anyone who loves
Drawn from Life, I warmly recommend Schulze’s X.
For me, Drawn from Life remains a timeless sonic mystery. A truly
wonderful album that, even after a quarter of a century, has lost
absolutely none of its original magic.Lentas Dreaming (take 2)
I’m driving through the south and west of Crete, up into the mountains and back down again, to deserted beaches and others where Greek pop music plays in the tavernas. But day after day, in my hire car, alongside the charm of Greek B-side songs, Brian and Peter’s *Drawn From Life* plays on a loop: ‘Crete Endless’.
Right now, I’m sitting in Lentas at Angela’s Café, reading the fascinating review by the musician and composer Markus Reuter, which he wrote for ‘flowworker’ (this short essay will also appear on his ‘Substack channel’ shortly).
With this text – and my own double interview with Brian and Peter, now 25 years old, at the back of my mind – what fresh words could I possibly add to an album that is a ‘dream’ for Markus and me, a ‘journey’, and inexhaustible… perhaps a collection of fragmented asides à la ‘50 Ways To Dance On DRAWN FROM LIFE’?! (m.e.)
