„in memory of elizabeth reed“
Wie oft habe ich dieses Instrumentalstück gehört. Ich fragte mich immer, wer Elizabeth Reed gewesen war. Die unfassbare Kraft dieses Songs ohne Worte kommt mir in den Sinn, wenn, ich jetzt an G.denke. A celebration of life lived, and yearning.
Lieber U!
Das ist so bestürzend. Der Tod von G.
Ich seh uns alle zusammensitzen wie in besten Zeiten,
noch vor so wenigen Wochen.
Wir kommen zur Bestattung und bleiben. Wir übernachten in dem guten Hotel nahbei, Brauers Landart oder so ähnlich, die Beiden kannten die Chefin gut…
Ich hustete wie verrückt, du sagtest, du wärst in 15 Jahren tot, und keiner von uns hat sowas für möglich gehalten… in meiner Fantasie gehörte dieses „Quartett alter Freunde“ einfach zu meinem Bild von der Zeit vor uns dazu, unverrückbar.Und die Zeit hinter uns: einmal, als ich die Unzertrennlichen besuchte, 2023, da holte sie ein altes Foto raus, auf dem ich, im Jahr 1982 zu sehen war, in Arnschwang, mit einer grünen Strähne im Haar, die G. mir gemacht hatte, und die so gut zu meinem knallbunten Käfer passte, der wie eine Hommage an Jackson Pollock aussah, oder wie „Herbie auf LSD“. Ausgelassene Freude gehörte zu ihr, wie seelenvoller, beschwingter Ernst. Empathie musste sie nie lernen.
G. was from the loving kind.
So long, my friend from old and new days.
MichaelDas Muschelhorn und die Philosophie
Meine erste Philosophievorlesung in Würzburg fand ein einem prunkvollen Raum der Residenz statt. Der Professor, tatsächlich mit wallend weissem Haar, warf Bilder an die Wand aus der Zeit der Höhlenmalerei und wollte an ihnen aufzeigen, wie man sich damals in die Empfindungswelt von Tieren einfühlte, um den Jagdsinn zu schulen. Ein wenig kam ich mir wie bei Jules Verne vor. 1931 entdeckten Forscher in Südfrankreich am Eingang einer Höhle eine große Muschel. Auf den ersten Blick unscheinbar, schlummerte sie jahrzehntelang in den Sammlungen eines nahe gelegenen Naturkundemuseums. Hier schien nun eine andere Art des Kreativen zu wirken. 2020 wurde diese rund einen Meter lange Muschelschale nämlich mit moderner Bildgebungstechnologie neu analysiert, und man kam zu dem Schluss, dass die Muschel absichtlich zerkleinert und durchlöchert wurde, um sie in ein Musikinstrument zu verwandeln. Es scheint sich also um ein extrem seltenes Beispiel eines „Muschelhorns“ aus dem Paläolithikum zu handeln. Und es funktioniert immer noch – ein Musiker entlockte der 17.000 Jahre alten Muschel kürzlich drei Töne. Das ist doch fast unglaublich.
Clay Pipe Music 1
I am so happy to have discovered this English label. The CEO, Frances Castle, has opened up some gates that offer adventurous worlds. Sometimes tiny in size, sometimes a little ocean of sound. Another blue world. The label will be on our blogroll soon. When I took the vinyl out of the sleeve of Andres Wasylyk‘s wonderful „Hearing The Water Before Seeing The Falls“ (one of the musicians is Angus Fairbairn aka Alabaster dePlume), a little catalogue of Clay Pipe Music landed in my hands, and the words read like this: (m.e.)
Clay Pipe Music is a London based record label run by illustrator Frances Castle. It has released music inspired by: Green Line buses, Muriel Spark ghost stories, Hackney Marches, space travel, the approaching spring, Great Yarmouth, lidos, Welsh mythology, lost streets of London, lighthouses, Heresfordshire and deserted villages.
Anouar und Alabaster
Am 1. Mai kommt es zu einem kleinen „Flowworker&Guests“-Treffen, am Tag des Konzerts von Anouar Brahem, Anja Lechner, Django Bates und Dave Holland in der Laeiszhalle (siehe comments). Anfang März erscheint neben „After The Last Sky“ auch die neue Arbeit von Alabaster DePlume. Beide Alben sind deep stuff, und das verwundert nicht. (s.a. monthly revelations – radio.) Es gibt Pressetexte, die kein bisschen übertreiben. Wie dieser hier von International Anthem Recordings:
Auf seinem Album „A Blade Because A Blade Is Whole“ werden DePlumes Reflexionen über Heilung, Würde und Kampf durch eine mitreißende Zusammenstellung unterschiedlicher Musikstücke vermittelt: gespenstische und uralte Folk-Melodien, groove-verankerte Strudel aus wirbelndem Folk-Jazz, elegante Streicherarrangements, die zwischen Ravel und Gainsbourg angesiedelt sind (mit freundlicher Genehmigung von Macie Stewart), körperlose Stimmen, die sich in die Form eines postmodernen griechischen Chors verwandeln, Noir-Atmosphäre und allegorischer Troubadour-Gesang. Der intime, bekenntnishafte Gesang von DePlume (a la Donovan oder Devendra Banhart) und das vibratogeschwängerte Tenorsaxophonspiel (a la Getatchew Mekurya) vermitteln mit einem verblüffenden humanistischen Touch alles von niedergeschlagener Zerbrechlichkeit bis zu entschlossener Stärke.“
“The album was written before the genocide started, but I had Palestine on my mind all the time,” DePlume explains. “This question of dignity, sovereignty, and the work of healing. It has a relevance in what’s being perpetrated there by the Israeli state, and taking responsibility for my place in that. I pay my taxes here in the United Kingdom—I am contributing to, as a white Englishman, the country that brought the Balfour Declaration, that brought the Sykes-Picot Agreement, that supports and enables the colonization and the settler-colonial project in Palestine. It is my issue, and I have a position where I can speak about it.”
Where should we go after the last frontiers? / Where should the birds fly after the last sky? – These lines of verse by Mahmoud Darwish provided a title, 40 years ago, for After The Last Sky, Edward Said’s meditation on exile and memory. In his liner notes, Adam Shatz considers Anouar Brahem’s music in the contexts of this aesthetic-literary continuum as well as the ongoing struggle for Palestinian rights, a subject preoccupying Brahem’s mind during the preparation of material for the album. In this regard, track titles become pointers for the interested listener to consider. But, as Anouar also tells Shatz: “Music, and particularly instrumental music, is by nature an abstract language that does not convey explicit ideas. It is aimed more at emotions, sensations, and how it’s perceived varies from one person to another. What may evoke sadness for one person may arose nostalgia for another… I invite listeners to project their own emotions, memories or imaginations, without trying to ‘direct’ them.”
RIP Garth Hudson, the last man standing
RIP Garth Hudson, The last man standing. Garth was the secret weapon behind the Band’s sound. His organ and keyboard playing, not to mention his accordion, sax and arranging skills, coupled with his vast musical knowledge, elevated the band’s sound, and was the glue that held it all together, but of course it was ultimately the synergy between all its moving parts that resulted in that unmistakable and paradoxically loose knit but at the same time, tight groove they alone could conjure.“Ash Grey And The Gull Glides On“ – moments of a little conversation about falling in love with this and that
Listening to this album from the label „Clay Pipe Music“, I fell in love with it on first sight and sound. I sent Tommy Perman some questions, he sent them to Andrew Wasylyk. And what you read now are some of their written answers. I skipped my questions and edited the stuff a little bit. At the end Tommy added the lyrics from the only song of the album, „Be The Hammer“, the closer, the final piece, written and performed by Aidan John Moffatt. Now this little talk starts with the lyrics. My proposal: read them carefully before listening to the whole album in a row.
We sign our names on walls, across grand hall and malls; we shout in silence, we whisper loud. We fight our foes unseen, well-mannered and well mean; we are not precious, we’re not proud. With all this noise around us, no one has seen or found us. They scoff, and scorn and fear us; we just want some ears to hear us. We steal your time, your air; you wash us out your hair. We are the dead, the disavowed. We live in cracks and corners, we are the merry mourners. We are the raindrops, not the cloud.
Tommy: „Ash Grey And The Gull Glides On“ is centred around the upright piano in Andrew’s studio. The first project that Andrew and I collaborated on was a music video for his song “Mariner’s Hymn” some years ago. The simple idea for the video was to beam footage of the North Sea and the East Coast of Scotland onto the piano as Andrew played. During the making of the video I became quite fascinated with the mechanical workings of the upright piano. Slowly an idea for a musical collaboration began to form in my head. I started thinking of the prepared piano of John Cage but also the more contemporary uses by German composer Hauscka where he makes electronic-sounding music from a prepared piano. I thought of these inspirations as starting points. At the time I was experimenting with unusual electronic production techniques, searching for ways of fusing Andrew’s piano-playing with unconventional sounds. Then just before the first coronavirus lockdown in the UK I designed a set of recording instruction cards for Andrew and mailed them to him.
Andrew: Given half the chance, Tommy overflows with great ideas. Early on in our collaboration he designed some beautiful instruction cards and posted them to me. Sets of ‘Recording Instructions’, ‘Chord’ and ‘Tempo’ cards. On them printed instructions, like: “Slap the back of the piano with the palm of your hand. Repeat 10 times in different places.” And “If it’s dark outside: 130bpm. If it’s light: 90 bpm.” I found them inspiring and ended up with a load of recordings with a wide range of noises from my upright; knocks, clangs, creeks and scrapes of the piano strings. Tommy manipulated these, diced them up, passing them through numerous effects and processes to shape our approach for the album.
Tommy: I think both of us had lots of different inspirations for each track on the album. But a few artists who frequently come to mind for me are Arthur Russell, Charles Stepney and Kaitlyn Aurelia Smith. All three I admire for their playfulness and studio innovations but also because their music is catchy and accessible.
Andrew: Balearic, Suzanne Ciani, ‘Pet Sounds’, and everything in between.
Tommy: I love that you are hearing these references to Cluster, to Moebius and Roedelius on our album. It’s an honour to be compared to such great musicians but they weren’t consciously on my mind while working on this collaboration. I particularly enjoy the „Cluster & Eno“ album and „Zuckerzeit“. I don’t know much about the solo albums of Moebius and Roedelius – can you recommend some things for me to listen to? Where is a good place to start?
Michael: My first choice would be Roedelius‘ „Durch die Wüste“, and „Rastakraut Pasta“ by Moebius & Plank, both with the magic of Conny Plank in it.
Tommy: Andrew’s willingness to experiment musically! It has been such a fun musical conversation. I approached our collaboration in quite a playful manner and created some pretty weird music sketches to share with Andrew and I’m so in awe of how he responded. It was always such a treat to hear his ideas.
Tommy: The album is largely instrumental but many of the tracks feature subtle vocalisations, wordless sung choruses and words used as almost ritualistic chants. To me it felt like the album was building towards a finale that should include a full vocal. While Andrew and I are both huge fans of instrumental music we also share a love of poetry and spoken word. We are huge fans of Aidan Moffat from the band Arab Strap. I have been lucky enough to get to work with Aidan a few times before, but it was Andrew’s idea to send the instrumental of Be The Hammer to him…
Andrew: It was a real thrill collaborating with Aidan and Tommy on this. I’ve followed Arab Strap since about „Monday At The Hug And Pint“. Aidan’s record with Bill Wells, „Everything’s Getting Older“, is really special. As the melodic structure grew for this track, I began to imagine a story weaving through it and thought I’d chance my luck and knock on Aidan’s door. I think he may have partly written the lyrics while away on tour with Arab Strap.
Andrew: To me it feels like the label Clay Pipe have created a world you can consistently invest your emotions in. Much of that stems from the identity and magic in Frances Castle’s artwork (the Clay Pipe founder), as well as her generosity, support and encouragement. In a very male-dominated industry it’s important to acknowledge how female leadership, such as Frances’, is successfully making a culture of creativity and a change for good.
Tommy: Frances Castle runs the label on her own and does such an amazing job. She has built up such a distinctive character for the record label through her careful curation of music and her individual visual style across all the album covers. I’m so happy that our album is part of the Clay Pipe catalogue! The cover for this one… it’s a memorable and eye-catching design. I love the bold geometric cover she created. It works great digitally but even better printed as a 12” album sleeve.
Michael: Indeed. The cover of Andrew’s last solo album on Clay Pipe Music looks promising, too. Waiting now for the music inside of „Hearing The Water Before Seeing The Falls“. A freshly pulsating, new English underground, kind of. Some call it „Grassroots Electronica“.Tommy: Recently fell in love with Daisy Rickman‘s „Howl“. Daisy’s songs have the right mix of catchy vocal hooks and transcendental arrangements to get lost in. Her music is reminiscent of many of my favourite artists but with a freshness that really appeals to me. The entire album is written, performed and produced by Rickman at home. She even did the cover artwork, designed the sleeve and released the vinyl herself. It’s a very impressive piece of work. And then there was „My Noise Is Nothing“ by Lord Of The Isles & Ellen Renton. Although this came out at the end of 2023 I didn’t properly listen to it until quite recently. „Lord of the Isles“ is the moniker of Scottish electronic producer Neil McDonald. His collaboration with Edinburgh-based poet Ellen Renton works so well. Ellen’s words and delivery are a perfect match for Neil’s soundscapes and electronic rhythms.
Tommy: Speaking of three desert island albums, there is, at first, Nina Simone’s „Tell Me More“. My mum used to review records for a newspaper and so I grew up with lots of great albums in our house. This album really caught my attention as a moody teenager and I often listened to Sinnerman and Strange Fruit before going to sleep. I know lots of people prefer Billie Holliday’s version of Strange Fruit but the way Nina Simone sings it sends shivers down my spine. I find her voice so full of emotion, it affects me deeply.
Tommy: Then John Martyn’s „Solid Air“. I can’t even guess at how many times I’ve listened to this album and I don’t think I’ll ever tire of it. Everything about it, the songwriting, John’s liquid vocal performance, the combination of instruments and incredible musicianship make it a near perfect record for me. Danny Thompson’s double-bass and Tristan Fry’s vibraphone are so good. I find it a deeply comforting album to listen to.
Tommy: As number three William Onyeabor‘s „Who is William Onyeabor?“ pops up. If these really are my only three albums to listen to on a desert island then I need something uptempo to stop me from wallowing. I discovered William Onyeabor’s music shortly before this compilation on Luaka Bop was released. All of the music is so joyful and the grooves are so infectious that it never fails to brighten my mood.
Three albums that send Alabaster places
“The blade, that divides, is whole. Healing is the forming of a whole, and a whole is singular, more itself, as in more one, as in more alone.” A blade could be used to attack, to shave, to sever, but it could also be used to cut oneself loose—in the process of getting free.
All die freien Räume (ECM 1187)
Nur zwei Alben veröffentlichte der Pianist und Synthesizerspieler Rainer Brüninghaus als Bandleader, „Freigeweht“ (1981) und „Continuum“ (1984), und sie haben über all die Jahrzehnte hinweg nichts an Ausstrahlung verloren: „Freigeweht“ liegt nun in der ECM-Vinylserie „Luminessence“ mit tadelloser Pressung und Gatefoldcover vor, ergänzt von einem klugen Essay, der dieses kleine Meisterstück im Rückblick einordnet und verschiedene Facetten erhellt, etwa Spuren von Minimalismus in diesem sogenannten „kammermusikalischen Jazz“. Aber was heisst schon „Kammermusik“ bei so vielen sperrangelweit geöffneten Aussichten!? Vielen wird es so ergehen, dass sie sich diese lyrisch-aufregende Musik wieder und wieder anhören, weniger, um sich wohligen Erinnerungen zu überlassen, oder analytisch den Geistern eines anderen Zeit nachzuspüren (das wären allenfalls Begleiterscheinungen): alle Beteiligten sind schlichtweg „on fire“, von dem Komponisten selbst, der das Understatement jedem virtuosen Fingerzeig vorzieht, über den Meistertrompeter und die Schlagzeuglegende, bis hin zur „wild card“ des Oboisten und Englisch-Horn-Spielers! Für eine jüngere Generation von Hörern mag dieses Werk eine Eintrittskarte sein, andere aussergewöhnliche Alben des ECM-Katalogs kennenzulernen, in denen Brüninghaus als Sideman seine diskret-vielschichtige Magie verströmt, etwa Eberhard Webers „The Colours Of Chloe“, „Yellow Fields“ und „The Following Morning“, oder Jan Garbareks „I Took Up The Runes“. „Freigeweht“ reiht sich da, ohne grosses Aufheben, nahtlos ein: einsame Klasse in bester Gesellschaft!
(Die Wiederveröffentlichung erscheint am 24. Februar. Musik: 10 / Klangqualität: 10 / Sequenz der Stücke: 10 / Fertigung und Gestaltung: 10 / Repertoirewert: 10)
“Shoot wildly, but have plenty of targets“ – some reverbs on Brian‘s third lecture
In der Eröffnung dieser Vorlesung holt Brian Eno ein Buch mit Bildern des russischen Malers Kandinsky hervor, um Parallelen zu veranschaulichen zwischen den frühen, „konventionellen“ Abbildungen von „Realität“ in Kandinskys „gegenständlcher“ Phase (in der Musik wären das die Songs) zu seinen zunehmend abstrakter werdenden Bildern (das wäre, um bei der Analogie zu bleiben, „Ambient Music“, bei welcher die Figur, das umrissene Objekt, aus der Landschaft verschwunden wäre).Auf dem Bild, das Brian in die Kamera hält (s.o.) , sind noch Reste des „gegenständlichen“ Abbildens zu erkennen, das Abstrakte hat deutlich zugenommen. Eno erzählt die Geschichte, wie Kandinsky einmal auf ein Gemälde stiess, dass ihn sehr faszinierte. Er merkte anfangs gar nicht, dass es von ihm selbst war, da es versehentlich auf den Kopf gestelllt war, also, verkehrt herum aufgehangen wurde. Auf Anhieb war es abstrakt, selbst die „Reste des Gegenständlichen“ waren – ich sag es mal so – von der Bildfläche verschwunden.
DON‘T UNDERESTIMATE THE POWER OF „LOW PASS FILTER“!
Jan Bang could tell you something about this power.
Ein zentrales Thema der Stunde sind „40 Tricks“, die manche berühmt gewordene Songs „benutzt“ haben, und die einen Teil ihres Zaubers ausmachen.
Oft kleine oder grosse Details, die einem beim nicht-analytischen Hören gar nicht auffallen. Ruft euch einfach die (up front-)Basslinie aus Lou Reeds „Walk On The Wild Side“ in Erinnerung!
Das ist genau der Teil der Lesung, bei dem klar wird, wieso Eno gerne „Professor Pop“ genannt wird. Was dabei übersehen wird, ist, dass viele seiner „Entdeckungen“ nicht von verkopften Experimenten herrühren, sonderm von purem Enthusiasmus für einen Sound, einen Song, eine Klangwelt.
Hört euch den Titelsong seines 1974er Albums „Here Come The Warm Jets“ an, über den ich vorgestern ausführlich schrieb. Da kann man gewiss einige Tricks aus Enos „Trickkiste“ ausfindg machen, aber es wäre reines „mindfucking“, wenn damals nicht so ein umwerfender, tief emotionaler Song herausgekommen wäre.
Genauso betrachtet Eno seine Ambient Music als „funtionale Musik“, und befrachtet sie nie mit transzendentalen, mystischen Bedeutungsebenen. Ironischerweise bringt diese sogenannte „funktionale Musik“ oft weitaus tiefere Resonanzen hervor, als diese nüchterne Herangehensweise vermuten lässt. Als ich Brian 1993 kundtat (Gegenstand des Interviews war das Album „Neroli“), dass ich viele Hörer kenne, die seiner Musik eine archetypische, mitunter jenseitige Qualität zuschreiben (als Beispiel führte ich „The Plateaux Of Mirror“ an), verwies er solche Reaktionen ins Feld persönlicher Freiheiten. Und beschreibt akribisch, wie er den Klaviersound von Harold Budd bearbeit hat. Aber ich schweife ab, allerdings nur zu gerne. „Here we are in the years“…
Hier ein Ausschnitt des „Recaps“ von der dritten Lesung. „School Of Song“ leistet hervorragende Arbeit, das ganze Team. „Eno presents a list of recurring “40 tricks” that many successful songs employ. These are not formulaic recipes guaranteeing hits, but patterns that inject energy, memorability, and emotional pull into music.“ Here‘s a screenshot of the list, so you cannot click on the links.
By the way, all these „tricks“ can be called „oblique strategies“, too, they undermine standard patterns, or „business as usual“. Let‘s go to the area of BACKING VOCALS & VOICE, and what Brian comes to mind here. ,Don‘t forget this is part of a webinar on songwriting. My flowworker exrcise for you dear reader: can you name another song with trick no. 18: „Instrument shadowing singing“?- A majority of popular hits incorporate backing vocals in some form. They invite communal participation and keep the track from being too self-centered on the lead singer.
- They also add harmonic depth. Short call-and-response (“Is she really going out with him?” “Let’s ask her!”) transforms a monologue into a conversation.
- Also mentioned: the deep voice on Litany and The Lord’s Prayer.
- The autotune-like natural voice of Emma Robinson (“Stay” by Rihanna)
Brian Eno sah sich selber eine Zeitlang (viel zu lang) als Backgroundsänger: das hielt manch besonderen „impact“ bereit, man lege nur „Remain In Light“ auf den Plattenteller.
February Revelations
„Ich sehe ihn noch vor mir, wie er aufsteht, um mich in seinem Hinterhof zu begrüßen. Mit einem warmen Lächeln und einer herzlichen Umarmung und dieser Honk-of-a-Voice aus den Great Plains. Wir sprachen über Kaffee, die Freude am Unerwarteten, die Schönheit der Welt und lachten.“ (Kyle MacLachlan in seinem Nachruf auf David Lynch)
(album) Wasylyk / Perman: Ash Grey and the Gull Glides On
(film) Eno. Doc (von der Berliner Premiere berichtet Stephan Kunze)
(prose) Robyn Hitchcock: 1967 – How I Got There And Never Left
(talk) Learn To Fail Better – Chris Eckman
(radio) A Playlist In Motion (DLF, march 27)
(binge) David Lynch’s Twin Peaks – Three Seasons
(archive) Rainer Brüninghaus: Freigeweht (1981)
„Die bedeutendsten Bands bieten mutige Ideen, kleine Offenbarungen, verzweifelte Spiele und eine Schamlosigkeit, die ihnen erlaubt, jenseits ihrer Grenzen anzukommen und dort ein paar wundervolle Dinge zu entwickeln.“ Das sagte einmal Chris Eckman, und es lässt sich auf viele Bereiche der Kunst übertragen. Beispielsweise auf einige Filme von David Lynch wie „Mulholland Drive“, oder „Blue Velvet“. Unsere „Offenbarungen“ im Februar sind voller kleiner Entdeckungen und Zeitreisen. Selbst das Alltägliche kann durchaus fantastische Züge annehmen. Mehr ist dazu nicht zu sagen. Ausser vielleicht: Safe Journey!