„in memory of elizabeth reed“
Wie oft habe ich dieses Instrumentalstück gehört. Ich fragte mich immer, wer Elizabeth Reed gewesen war. Die unfassbare Kraft dieses Songs ohne Worte kommt mir in den Sinn, wenn, ich jetzt an G.denke. A celebration of life lived, and yearning.
Lieber U!
Das ist so bestürzend. Der Tod von G.
Ich seh uns alle zusammensitzen wie in besten Zeiten,
noch vor so wenigen Wochen.
Wir kommen zur Bestattung und bleiben. Wir übernachten in dem guten Hotel nahbei, Brauers Landart oder so ähnlich, die Beiden kannten die Chefin gut…
Ich hustete wie verrückt, du sagtest, du wärst in 15 Jahren tot, und keiner von uns hat sowas für möglich gehalten… in meiner Fantasie gehörte dieses „Quartett alter Freunde“ einfach zu meinem Bild von der Zeit vor uns dazu, unverrückbar.Und die Zeit hinter uns: einmal, als ich die Unzertrennlichen besuchte, 2023, da holte sie ein altes Foto raus, auf dem ich, im Jahr 1982 zu sehen war, in Arnschwang, mit einer grünen Strähne im Haar, die G. mir gemacht hatte, und die so gut zu meinem knallbunten Käfer passte, der wie eine Hommage an Jackson Pollock aussah, oder wie „Herbie auf LSD“. Ausgelassene Freude gehörte zu ihr, wie seelenvoller, beschwingter Ernst. Empathie musste sie nie lernen.
G. was from the loving kind.
So long, my friend from old and new days.
MichaelDas Muschelhorn und die Philosophie
Meine erste Philosophievorlesung in Würzburg fand ein einem prunkvollen Raum der Residenz statt. Der Professor, tatsächlich mit wallend weissem Haar, warf Bilder an die Wand aus der Zeit der Höhlenmalerei und wollte an ihnen aufzeigen, wie man sich damals in die Empfindungswelt von Tieren einfühlte, um den Jagdsinn zu schulen. Ein wenig kam ich mir wie bei Jules Verne vor. 1931 entdeckten Forscher in Südfrankreich am Eingang einer Höhle eine große Muschel. Auf den ersten Blick unscheinbar, schlummerte sie jahrzehntelang in den Sammlungen eines nahe gelegenen Naturkundemuseums. Hier schien nun eine andere Art des Kreativen zu wirken. 2020 wurde diese rund einen Meter lange Muschelschale nämlich mit moderner Bildgebungstechnologie neu analysiert, und man kam zu dem Schluss, dass die Muschel absichtlich zerkleinert und durchlöchert wurde, um sie in ein Musikinstrument zu verwandeln. Es scheint sich also um ein extrem seltenes Beispiel eines „Muschelhorns“ aus dem Paläolithikum zu handeln. Und es funktioniert immer noch – ein Musiker entlockte der 17.000 Jahre alten Muschel kürzlich drei Töne. Das ist doch fast unglaublich.
“Ash Grey And The Gull Glides On“ – moments of a little conversation about falling in love with this and that
Listening to this album from the label „Clay Pipe Music“, I fell in love with it on first sight and sound. I sent Tommy Perman some questions, he sent them to Andrew Wasylyk. And what you read now are some of their written answers. I skipped my questions and edited the stuff a little bit. At the end Tommy added the lyrics from the only song of the album, „Be The Hammer“, the closer, the final piece, written and performed by Aidan John Moffatt. Now this little talk starts with the lyrics. My proposal: read them carefully before listening to the whole album in a row.
We sign our names on walls, across grand hall and malls; we shout in silence, we whisper loud. We fight our foes unseen, well-mannered and well mean; we are not precious, we’re not proud. With all this noise around us, no one has seen or found us. They scoff, and scorn and fear us; we just want some ears to hear us. We steal your time, your air; you wash us out your hair. We are the dead, the disavowed. We live in cracks and corners, we are the merry mourners. We are the raindrops, not the cloud.
Tommy: „Ash Grey And The Gull Glides On“ is centred around the upright piano in Andrew’s studio. The first project that Andrew and I collaborated on was a music video for his song “Mariner’s Hymn” some years ago. The simple idea for the video was to beam footage of the North Sea and the East Coast of Scotland onto the piano as Andrew played. During the making of the video I became quite fascinated with the mechanical workings of the upright piano. Slowly an idea for a musical collaboration began to form in my head. I started thinking of the prepared piano of John Cage but also the more contemporary uses by German composer Hauscka where he makes electronic-sounding music from a prepared piano. I thought of these inspirations as starting points. At the time I was experimenting with unusual electronic production techniques, searching for ways of fusing Andrew’s piano-playing with unconventional sounds. Then just before the first coronavirus lockdown in the UK I designed a set of recording instruction cards for Andrew and mailed them to him.
Andrew: Given half the chance, Tommy overflows with great ideas. Early on in our collaboration he designed some beautiful instruction cards and posted them to me. Sets of ‘Recording Instructions’, ‘Chord’ and ‘Tempo’ cards. On them printed instructions, like: “Slap the back of the piano with the palm of your hand. Repeat 10 times in different places.” And “If it’s dark outside: 130bpm. If it’s light: 90 bpm.” I found them inspiring and ended up with a load of recordings with a wide range of noises from my upright; knocks, clangs, creeks and scrapes of the piano strings. Tommy manipulated these, diced them up, passing them through numerous effects and processes to shape our approach for the album.
Tommy: I think both of us had lots of different inspirations for each track on the album. But a few artists who frequently come to mind for me are Arthur Russell, Charles Stepney and Kaitlyn Aurelia Smith. All three I admire for their playfulness and studio innovations but also because their music is catchy and accessible.
Andrew: Balearic, Suzanne Ciani, ‘Pet Sounds’, and everything in between.
Tommy: I love that you are hearing these references to Cluster, to Moebius and Roedelius on our album. It’s an honour to be compared to such great musicians but they weren’t consciously on my mind while working on this collaboration. I particularly enjoy the „Cluster & Eno“ album and „Zuckerzeit“. I don’t know much about the solo albums of Moebius and Roedelius – can you recommend some things for me to listen to? Where is a good place to start?
Michael: My first choice would be Roedelius‘ „Durch die Wüste“, and „Rastakraut Pasta“ by Moebius & Plank, both with the magic of Conny Plank in it.
Tommy: Andrew’s willingness to experiment musically! It has been such a fun musical conversation. I approached our collaboration in quite a playful manner and created some pretty weird music sketches to share with Andrew and I’m so in awe of how he responded. It was always such a treat to hear his ideas.
Tommy: The album is largely instrumental but many of the tracks feature subtle vocalisations, wordless sung choruses and words used as almost ritualistic chants. To me it felt like the album was building towards a finale that should include a full vocal. While Andrew and I are both huge fans of instrumental music we also share a love of poetry and spoken word. We are huge fans of Aidan Moffat from the band Arab Strap. I have been lucky enough to get to work with Aidan a few times before, but it was Andrew’s idea to send the instrumental of Be The Hammer to him…
Andrew: It was a real thrill collaborating with Aidan and Tommy on this. I’ve followed Arab Strap since about „Monday At The Hug And Pint“. Aidan’s record with Bill Wells, „Everything’s Getting Older“, is really special. As the melodic structure grew for this track, I began to imagine a story weaving through it and thought I’d chance my luck and knock on Aidan’s door. I think he may have partly written the lyrics while away on tour with Arab Strap.
Andrew: To me it feels like the label Clay Pipe have created a world you can consistently invest your emotions in. Much of that stems from the identity and magic in Frances Castle’s artwork (the Clay Pipe founder), as well as her generosity, support and encouragement. In a very male-dominated industry it’s important to acknowledge how female leadership, such as Frances’, is successfully making a culture of creativity and a change for good.
Tommy: Frances Castle runs the label on her own and does such an amazing job. She has built up such a distinctive character for the record label through her careful curation of music and her individual visual style across all the album covers. I’m so happy that our album is part of the Clay Pipe catalogue! The cover for this one… it’s a memorable and eye-catching design. I love the bold geometric cover she created. It works great digitally but even better printed as a 12” album sleeve.
Michael: Indeed. The cover of Andrew’s last solo album on Clay Pipe Music looks promising, too. Waiting now for the music inside of „Hearing The Water Before Seeing The Falls“. A freshly pulsating, new English underground, kind of. Some call it „Grassroots Electronica“.Tommy: Recently fell in love with Daisy Rickman‘s „Howl“. Daisy’s songs have the right mix of catchy vocal hooks and transcendental arrangements to get lost in. Her music is reminiscent of many of my favourite artists but with a freshness that really appeals to me. The entire album is written, performed and produced by Rickman at home. She even did the cover artwork, designed the sleeve and released the vinyl herself. It’s a very impressive piece of work. And then there was „My Noise Is Nothing“ by Lord Of The Isles & Ellen Renton. Although this came out at the end of 2023 I didn’t properly listen to it until quite recently. „Lord of the Isles“ is the moniker of Scottish electronic producer Neil McDonald. His collaboration with Edinburgh-based poet Ellen Renton works so well. Ellen’s words and delivery are a perfect match for Neil’s soundscapes and electronic rhythms.
Tommy: Speaking of three desert island albums, there is, at first, Nina Simone’s „Tell Me More“. My mum used to review records for a newspaper and so I grew up with lots of great albums in our house. This album really caught my attention as a moody teenager and I often listened to Sinnerman and Strange Fruit before going to sleep. I know lots of people prefer Billie Holliday’s version of Strange Fruit but the way Nina Simone sings it sends shivers down my spine. I find her voice so full of emotion, it affects me deeply.
Tommy: Then John Martyn’s „Solid Air“. I can’t even guess at how many times I’ve listened to this album and I don’t think I’ll ever tire of it. Everything about it, the songwriting, John’s liquid vocal performance, the combination of instruments and incredible musicianship make it a near perfect record for me. Danny Thompson’s double-bass and Tristan Fry’s vibraphone are so good. I find it a deeply comforting album to listen to.
Tommy: As number three William Onyeabor‘s „Who is William Onyeabor?“ pops up. If these really are my only three albums to listen to on a desert island then I need something uptempo to stop me from wallowing. I discovered William Onyeabor’s music shortly before this compilation on Luaka Bop was released. All of the music is so joyful and the grooves are so infectious that it never fails to brighten my mood.
All die freien Räume (ECM 1187)
Nur zwei Alben veröffentlichte der Pianist und Synthesizerspieler Rainer Brüninghaus als Bandleader, „Freigeweht“ (1981) und „Continuum“ (1984), und sie haben über all die Jahrzehnte hinweg nichts an Ausstrahlung verloren: „Freigeweht“ liegt nun in der ECM-Vinylserie „Luminessence“ mit tadelloser Pressung und Gatefoldcover vor, ergänzt von einem klugen Essay, der dieses kleine Meisterstück im Rückblick einordnet und verschiedene Facetten erhellt, etwa Spuren von Minimalismus in diesem sogenannten „kammermusikalischen Jazz“. Aber was heisst schon „Kammermusik“ bei so vielen sperrangelweit geöffneten Aussichten!? Vielen wird es so ergehen, dass sie sich diese lyrisch-aufregende Musik wieder und wieder anhören, weniger, um sich wohligen Erinnerungen zu überlassen, oder analytisch den Geistern eines anderen Zeit nachzuspüren (das wären allenfalls Begleiterscheinungen): alle Beteiligten sind schlichtweg „on fire“, von dem Komponisten selbst, der das Understatement jedem virtuosen Fingerzeig vorzieht, über den Meistertrompeter und die Schlagzeuglegende, bis hin zur „wild card“ des Oboisten und Englisch-Horn-Spielers! Für eine jüngere Generation von Hörern mag dieses Werk eine Eintrittskarte sein, andere aussergewöhnliche Alben des ECM-Katalogs kennenzulernen, in denen Brüninghaus als Sideman seine diskret-vielschichtige Magie verströmt, etwa Eberhard Webers „The Colours Of Chloe“, „Yellow Fields“ und „The Following Morning“, oder Jan Garbareks „I Took Up The Runes“. „Freigeweht“ reiht sich da, ohne grosses Aufheben, nahtlos ein: einsame Klasse in bester Gesellschaft!
(Die Wiederveröffentlichung erscheint am 24. Februar. Musik: 10 / Klangqualität: 10 / Sequenz der Stücke: 10 / Fertigung und Gestaltung: 10 / Repertoirewert: 10)
Zappas Soul, or: Selfie with Big Swifty in the Electric Cave
Es gab in meinen zwei letzten Jahren auf dem „Max Planck“ ein Transistorradio in der Küche, und da spielte eines morgens Frank Zappa. Es war die Zeit seines fulminanten Jazz-Rock-Epos „The Grand Wazoo“, und bei diesem unvergesslichen Liveaufritt gab ein gewisser George Duke den Keyboardmeister, der Frank Zappas vertrackten Synkopen in jeden hintersten Winkel und darüber hinaus folgte. Ich hatte grossen Spass an dieser Musik, zumal ich meinen leichten „Kater“ vom Vorabend mit zwei grossen Gläsern Milch und einer Alka-Seltzer gut in den Griff bekam. Was für eine verspielte, wandlungsfreudig rockende Big Band!Frank Zappas Hang zur Satire sorgte dafür, dass ich das Opus irgendwo zwischen den Marx Brothers und Monty Python einsortierte. Nie in meinem Leben liess ich auch nur den geringsten Lacher los beim Ansehen eines Films der britischen Komiker, während der anarchistische Humor von Groucho und Co. mich meistens leichtfüssig einfing. Es passt dazu, dass ich „The Grand Wazoo“ seit damals mit einem gewissen Hin- und Hergerissensein hörte: enweder liess mich die ausgefuchste Big Band kalt, oder sie packte mich mit ihrer immensen Spiellaune, die, live dargeboten, noch manch freien Extralauf und Schabernack bereithielt.
Zuletzt hörte ich das Album in wunderbar gelungenem Surround, und das Pendel schlug wieder aus in Richtung der unbändigen Freude von einst, anno 1972, in der Küche mit dem silbernen Toaster, dem kleinen Metallradio, George Dukes irrwitzigen Läufen, meinen 17 Lenzen, und zwei rasch heruntergestürzten Milchgläsern! Aber, im Vergleich, und im Gegensatz zu den historischen Rückblicken, mag ich den Vorgänger, „Waka Jawaka“, noch etwas mehr, purer Jazzrock von Mr. Zappa, und ich frage mich einmal mehr, wieso ich zu Zappa in meinen gesetzten Jahren tiefer vordringe als damals, in der wilden Jugendzeit. „Waka Jawaka“ in Surround und Stereo, das ist beides rundum gelungene Klangkunst voller body & soul!
Ich schrieb eine längere Mail an die grosse „Zappa Family“, die für all die wunderbaren „reissues & archival discoveries“ sorgt. Darin ging es um eine andere Zappa-Lieblingsplatte, die ich in meinen Studentenjahren am liebsten hörte, „Zoot Allures“ (ich glaube, mich an die 4-stars-Besprechung in Down Beat zu erinnern) – und eine Gemehmigung, in einem Beitrag für den NDR auf ein „sehr inoffizielles“ Interview zurückgreifen zu dürfen, in dem Zappa einen einminütigen Lachanfall bekam. Demnächst mehr dazu. Long story short: sie schickten mir, neben einem freundlichen „Yes“, die Vinylwiederveröffentlichungen der beiden Fusion-Werke. Und sie klingen so fantastisch, wie es Mark Smotroff in „Analog Planet“ beschrieben hatte. Und sie haben SOUL (vielleicht habe ich das damals nicht wahrgenommen, morgens in der Küche, bei den zwei Milchgläsern. Es war das Jahr, in dem ich wie verrückt, Bo Hanssons „Lord of the Rings“ hörte.
Doppelbilder
„Doesn’t seem to be a shadow in the city
All around, people lookin‘ half dead“
(The Lovin Spoonful, Summer In The City)Es war ein Sommer in den Sechzigern, in dem die Siebziger schon rückwärts ein paar Schatten warfen, eine Ahnung erfüllter Zeiten, die ersten Jukeboxen, ledergebundene Single-Alben in unserer kleinen Kirchhörder Welt. 1967. Conny war ein älterer Teenager, und er hatte die grösste Kollektion an Singles. Wenn ich mal bei ihm vorbei kam, legte er gerne The Small Faces auf, und kurz blitzten all die Dinge auf, von denen Frischlinge gerne träumten. Einmal fiel ich bei Conny nach Sekunden in eine tiefe Trance, als er, frisch aus dem Single-Presswerk, „Summer In The City“ auflegte, von The Lovin‘ Spoonful. Es war wohl eines der ersten Lieder, bei denen mir bewusst wurde, wie bezaubernd die alltäglichen Sounds einer grossen Stadt sein konnten. Der erste Riff, die Melodie, die Stimme John Sebastians. Ich bat Conny inständig, mir die Single einen Tag zu leihen, ich sagte nicht, dass ich sie unendlich oft hören wollte. Schliesslich gab er nach, und ich musste ihm versprechen, die Ware am folgenden Tag um Punkt 17 Uhr bei ihm abzuliefern. Das war ja nun kein Problem, oder doch, ein kleines. Ich war so umrauscht von dem Song, dass ich dachte, in einer Zeit, in der wir alle Grenzen überschreiten würden, wäre es kein Problem, diesen himmlischen Song noch ein bisschen länger zu behalten.
„Pictures Of Lily helped me sleep at night“
(The Who, Pictures of Lily“)Ich hatte die „Bravo“ neben dem Bett liegen, und war nicht erfreut, zu lesen, dass The Kinks, meine Lieblingsband, mal wieder betrunken auf der Bühne aufeinander losgegangen waren. „Hot town, summer in the city / Back of my neck getting dirty and gritty / Been down, isn’t it a pity / Doesn’t seem to be a shadow in the city“. Irgendwann nachmittags rief mich Uwe an (mit dem ich selten zu tun hatte, er besass als Erster „Hey, Joe“ von Jimi Hendrix), und sagte mir, er habe eine Überraschung für mich, und ich möge doch zu unserem Bolzplatz kommen. Als ich dort war, traten Uwe und Conny hinter einer Hecke hervor, und Conny schlug mir voll in den Bauch, so dass mir die Luft wegblieb und ich auf den Boden kippte. Er erinnerte mich an unsere Abmachung, und als ich wieder Luft bekam, entschuldigte ich mich. Jetzt war Uwe dran, und schlug noch einmal mit voller Wucht zu. Ich bekam es mit der Angst, und wartete, bis der Atem wieder einigermassen auf und ab ging. Dann rannte ich los, was verrückt war, weil die beiden älter waren, und mich jederzeit einholen und weiter auf mich einprügeln konnten. Stattdessen traf mich ein Stein an der Schläfe, und ich sank schreiend zu Boden. Das Blut floss über Augen und Nase, und ich weiss heute nicht mehr, welcher Zeuge der Ereignisse dafür gesorgt hatte, dass ich ins Krankenhaus kam und mit etlichen Stichen genäht wurde. Am Tag darauf legte ich kdie Single, verpackt in in einen Umschlag, in Connys Briefkasten. Ich sah ihn nur noch aus der Ferne danach, und dann nie mehr. Hier und da noch hatte ich Doppelbilder, und selbst meine „Pictures Of Lily“ waren eine Zeitlang leicht verwackelt.
Das schönste Buch des Jahres 2025
Vor wenigen Wochen versammelten sich renommierte Journalisten und verrieten dem Publikum der SZ ihren Favoriten unter den Erzählwerken. Elke Heidenreich begann ihren kleinen Text mal gleich mit dem Auftakt „Das schönste Buch des Jahres 2024…“ und sang eine präzise Lobeshynmne auf Samantha Harveys „Umlaufbahnen“. Ein Buch das es locker in meine Top 10 gebracht hat, und, ehrlich gesagt, meist sind die Tips von Frau Heidenreich für mich insofern aufschlussreich, weil ich ihnen besser nicht Folge leiste. Ist ja alles auch sehr relativ.
Über das Cover kann man natürlich streiten. Aber, ähem, ich habe gerade, vielleicht, also, ich sage „vielleicht“, das schönste Buch des Jahres 2025 gelesen. Es hat knapp 600 Seiten, ich habe es über weite Strecken „verschlungen“, einmal abends 110 Seiten am Stück gelesen, was nah an meinen persönlichen Leserekord kommt. Es pendelt raffiniert zwischen verschiedenen Zeiten und spielt sich zu zwei Dritteln in einer Gegenwart ab, die 1975 Gegenwart war. In einem Feriencamp. Die Boys und Girls, die da auftauchen (und Liz Moore versteht es, ihnen wahres Leben und Lebendigkeit einzuhauchen), sind also in dem Alter, in dem ich war, als ich im Würzburg anfing Psychologie zu studieren. My Generation. Sozusagen. Ich werde jetzt aber nicht gleich die Who und „Live at Leeds“ auflegen. Und diese Identifikationsebene hat auch nicht meine Urteilskraft getrübt.Hammerbuch. Familienroman (über mehrere Generationen), eigentlich gar nicht mein Ding, aber egal. Ein Kriminalroman mit Tiefgang. Kein Mysteryroman, wie der Titel suggerieren könnte. „Der Gott des Waldes“ ist eine Geschichte vornehmlich weiblicher Befreiungsakte, und deren Scheitern als Option (was nun auch nicht mein Thema ist, weil das oberflächlich als „Frauenbuch“ abgetan werdem könnte). Ist es aber nicht, oder nur wieder so eine falsche Fährte – in einem Buch voller falscher Fährten. Zudem bekommt man gleich auch noch einen epischen Kurs in „Survivaltraining“ geliefert. „Wenn du dich verlaufen hast, setz dich hin. Und schrei laut.“ Und, das muss ich nun auch einräumen, ich war so drin in dem Buch, dass ich als auf das furiose Ende zulief, ein paar mal eine wirklich schaurige Gänsehaut erlebte, ehrlich. Auf keinen Fall den Klappentext lesen. Erscheint im Februar bei C.H. Beck. In meinen Top 10 wird es locker landen. Ein Pageturner mit langem Nachhall, versprochen! (Aber ich kann ja viel erzählen.) P.S. Ende März ist Liz Moore auf der LitCologne.
More songs about space flights and bus rides (echoes on Eno‘s second lecture)
Music For Airports 2/1
Apollo: Deep Blue Day
My Life In The Bush Of Ghosts: Moonlight In Glory
Cale / Eno: Cordoba
„The Elderly Brothers“: Cerulean BlueI know the stories how Discreet Music and Music for Airports grew out of special experiences of Brian, in the studio experimenting with tape speed and synchronisation – and on a freshly built airport on Cologne. By the way, I never stooped returbing to these two albums. But the big fun of the second lecture was what I didn‘t know. Here are some of these moments including some aspects of the song CORDOBA. Please listen to this one before continuing reading. What kinds of feelings you have when listening to Cordoba? This photo was taken at Bundeskunsthalle, Bonn, August 1998, during my public talk with Brian. As you see, we sat quite relaxed there: this was the part with long drinks under an umbrella, and sharing our thoughts on some pieces we had brought along. Brian started with The Supremes.
- One morning Brian was sitting in that new airport KÖLN / BONN the father of Florian from Kraftwerk once had built. Everything was impressive, the newness of every single element, the sunlight floating the spaces. But that German disco music?! In that space Brian found it slightly unnerving. He went to the bar, and asking for the music, someone told him something like this: „Oh, das ist unser Hans. Der bringt uns seine Kassetten von zuhause mit und dreht auf.“ Maybe, without Hans and his tape of German Disco Music (whatever that exactly was), Brian might never have composed Music For Airports. Sitting there, slightly impressed at first, then slightly bored by the music, he though about what kind od sounds he would want to listen to on airports. Music that should you make care less about your ego, your fears…. Thank you, Hans!
- The time of John and Brian working on the album „Wrong Way Up“ was not easy. The thing with the lyrics, not easy, too. In a corner of the studio Brian read a book titled something like „Learning Spanish in 30 Days“. He found a list of phrases. They started to combine the phrases. Small changes. Repetitions. I always liked the song (as I liked the while album), for me the song with Cale‘s softly sung/spoken sentences had quite a dreamy atmosphere. Listen to it again, dear reader…. Now with the lyrics in comment 3. And afterwards, taken from the lyric pages of Tom Boon‘s Eno web, a bit of background of the song that fits very well to what Brian told yesterday (comment 4).
- Brian shows how Deep Blue Day from Apollo grew from an improvisation on an omnichord. It finally got its special magic by slowing down the original tempo.
- Though the homework is connected to the Cordoba piece and some other backgrounds, the lecture focussed on the stories behind some ambient classics. Of course Brian tried to find ways to find a fusion songs and ambient music: the most radical examples for a melange between these two worlds, are the albums THE SHIP and FOREVERANDEVERNOMORE. In facts, ANOTHER GREEN WORLD, released on November, 14, 1974, was, with its many instrumental pieces, the first attempt to combine, intertwine both of these „worlds“.
- There is no replacement for listening. After the letcure, I am now in the mood to put on „Wrong Way Up“. Many years after the release of „Wrong Way Up“, Pitchfork publishes a long essay on the album that is worth reading: HERE.
- My second interview with Brian (published in Jazzthetik in 1990) was (one half) about some of the songs. Here some things he said on the song „Empty Frame“ that ring a bell in regards to Brian‘s recurring thoughts about surrender: „So, all of those images of power beyond your own conciousness, beyond your own will, and of separation, are to do with the sea image for me. The other thing that’s in there, is about a little ship that is always falling apart, that they always are trying to fix up again. It says in there „the broken sails“. This is also a very poignant image to me of the notion of people constantly trying to repair their sails. What do you have a sail for? To catch wind, to catch the other forces that are around, the controllable forces. The wind is the force that you can do something about. The sea is not, you know. But of course, the wind also keeps breaking your sails, so you always have to sow them back together again. It’s an endless struggle to try to keep going in any kind of a line. Because the other implication in this kind of song is „Why don’t you surrender? Why don’t you surrender to the tide and see where you go?“ And in one of my old songs „Julie with…“, that’s what happened in that song, the people have surrendered. They’ve stopped, they’ve stopped rowing the boat and they suddenly have allowed themselves to become completely, not victims exactly, but to have fallen under the control of this powerful force.“
- Time maybe to listen to that „blue piece“ of „The Elderly Brothers“ on the tracklist.
- One morning Brian was sitting in that new airport KÖLN / BONN the father of Florian from Kraftwerk once had built. Everything was impressive, the newness of every single element, the sunlight floating the spaces. But that German disco music?! In that space Brian found it slightly unnerving. He went to the bar, and asking for the music, someone told him something like this: „Oh, das ist unser Hans. Der bringt uns seine Kassetten von zuhause mit und dreht auf.“ Maybe, without Hans and his tape of German Disco Music (whatever that exactly was), Brian might never have composed Music For Airports. Sitting there, slightly impressed at first, then slightly bored by the music, he though about what kind od sounds he would want to listen to on airports. Music that should you make care less about your ego, your fears…. Thank you, Hans!
