„Round, like a circle in a spiral / Like a wheel within a wheel / Never ending or beginning / On an ever-spinning reel…“ Well, that‘s another song, but leading on the right track. “Muntjac“ by Clevelode took me by surprise. In many ways. At first it may be easy to speak about a wonderful balance of song and ambient worlds. But there is so much more revealed in this epic, minimal, grandiose, ascetic, captivating, „less-is more“ cycle of songs and atmospheres than any clever amalgam of styles may suggest.

I wanted to send my questions to multi-instrumentalist, singer and composer Paul Newland quite soon, after first listening, but then they seemed like take from the standard book and doing no justice to the album. I returned to this work, again and again, and there is no other way than to do it in the old-fashioned way, from start to end (being aware of the fact you might get lost on the way).

As time went by, I felt myself walking through Epping Forest, or, better said, through those green power spots of younger and older days on the margins of Dortmund. Though there are references here and there, „Muntjac“ is a completely idiosyncratic work of art, far away from any rip-off from other classics of this and that genre. Which genre anyway, you may ask after another deep walk & listen. Though the geographical coordinates seem crystal clear, this journey is „Where-am-i-music“ in the best sense. So many ways inside the shades of blue, the trees of green… but the easy access doesn‘t take away any of its mysteries!

Michael: The second piece of the album, ‘High Beech’, is a fantasy and reflection at the same time: the importance of that forest as life‘s company, and a time travel experience from a distant past to future times. A figure appearing here, like a ghost, is the poet John Clare. Apart from being a quintessentially romantic poet, can you tell something about his role here, in a kind of key track of the whole album? 

Paul: It’s nice that you think ‘High Beech’ is a key track, Michael. I agree. And I think your reading of the song is spot on. 

Clare’s link to the area was very much in my mind when I thought about making an album about Epping Forest. But the song ‘High Beech’ was written very quickly, with barely any editing of the lyrics. I kind of came out of nowhere. I didn’t set out thinking about Clare. But he appeared as I wrote. It was as if he was lurking in my subconscious. Perhaps I was also projecting myself – as a lone ‘poet’ wanderer in the forest – onto the figure of Clare – although that sounds rather pretentious! 

My interest in psychogeography and stories of east London have been profoundly influenced by the writer Iain Sinclair, whose book on Clare, Edge of the Orison, was probably lurking in my mind somewhere too.  

I was aware of the asylum in High Beech as a kid (my grandparents lived near there), even though I only learnt about Clare and his time up there as an adult. In one of my favourite Clare poems “The Gipsy’s Camp” he writes: “My rambles led me to a gipsy’s camp, / Where the real effigy of midnight hags, / With tawny smoked flesh and tatter’d rags, / Uncouth-brimm’d hat, and weather-beaten cloak, / ‘Neath the wild shelter of a knotty oak, / Along the greensward uniformly pricks / Her pliant bending hazel’s arching sticks.” I think some of the lines in ‘High Beech’ probably owe a debt to these lines – the reference to the gypsy train, for example. 

The song ‘High Beech’ is also influenced by the late-Victorian novel After London; Or Wild England by Richard Jeffries. I wanted to use the lofty forest landscape to imagine a future in which High Beech actually becomes a beach, after Essex and London are flooded. So there is an almost post-human ecological slant to the song – and to the album – too. The forest as portal to the past, present and future. 

On the title track, ‘Muntjac’, the transparency  and the airy jazz bass bring to mind – in moments – a kind of ECM-‘space’, soundwise. Do you have a close relationship to some more or less ancient ECM albums, maybe even some with a direct link to nature like Jan Garbarek‘s „Dis“?

Yes, I’m a fan of Garbarek, and of Dis in particular. I’m a fan of a lot of ECM music. Keith Jarrett. Ralph Towner. Chick Corea. Terge Rypdal. Eberhard Weber. Weber’s The Colours of Chloë is a big favourite of mine – I love the picturesque, romantic, minimalistic and harmonically interesting nature of the music. 

One of the things about ECM that I like is how a lot of the music they put out refuses to acknowledge boundaries between genres. I think ECM’s motto is „the most beautiful sound next to silence“. My music is often quiet! They put out beautiful recordings. Such care and attention to detail. 

I also write about film, and I’m aware that ECM has a special relationship with film, and has released some interesting soundtracks, such as Histoire(s) du cinémaby Jean-Luc Godard. 

It is easy to speak about a melange of song structures and ambient music. But there’s a lot going on in these long instrumental pieces. For instance, the first track, ‘Loughton Camp’: looking back on it, can you feel some more or less hidden, unconscious influences that may have crept into the making that,  interestingly enough, begins with very high notes that normally signal danger…

I think I’m a songwriter first and foremost. Recently I’ve been trying to think about more experimental ways to write. Tim Noble was a huge influence on me when we worked together in the Lowland Hundred. He really encouraged me to think and work more experimentally. To take risks. 

Working largely on my own as Clevelode, I think I’m being a bit more experimental than I have perhaps been before, as a writer and as a musician/composer/arranger. Although songwriting requires structure, harmony, melody, rhythm, and tends to obey certain rules, I’m trying to embrace improvisation, chance, and even mistakes. This approach informs the songs, but also the instrumentals on the album. 

I’m also getting much better at editing. I enjoy editing as a kind of meditative, unconscious pursuit. I try not to think about it too rationally. I allow myself to work on feel, on hunches. I try to trust unconscious decision making. No doubt this is where some my influences come through. Probably a huge influence on me has been the work Miles Davis did with Teo Macero. Also, of course, Mark Hollis’s work with Tim Friese-Greene on the late Talk Talk records has had a profound effect on me. 

The long instrumental pieces have a unique sound field. Nothing here seems easily comparable. And in opposition to a strictly minimal approach, there‘s a lot happening, for instance, during the last two tracks: i remember, at one moment, out of nowhere,  the strumming of an acoustic guitar.  Your are not simply entranced by purely repetitive elements, you have to be ready for something unexpected at any time … can you shed some light into the ’tone poems’ or ‘tone stories’ of these last two tracks. Again, there may be some subtle influences…

The long instrumental pieces on the album are the result of improvisation. I’ve embraced the use of analogue synths in my work for the first time on ‘Muntjac’. I use a Prophet 5, a Moog Matriarch, and a Behringer Odyssey. These are incredible instruments. Part of the fun of this has been the ‘not-knowing-what-you-are-doing’ aspectof it. Just playing, mucking about with filters. Learning an instrument on the fly!

I like music to be unpredictable. I like to use different colours and textures, to create and maintain interest. The acoustic guitar in ‘Ambresbury Banks’ was a result of listening to what I had done with piano and synth and thinking ‘this needs another colour’, or another ‘voice’. I just reached for the guitar and improvised, first take. Sometimes on long instrumental pieces it is good to have a few sonic landmarks – interesting things the listener can navigate by. 

While the opening and ending passages of the album evoke the sense of Epping Forest, of nature, the more central pieces, often much shorter, do the storytelling… ‘Grimston‘s Oak’ reminded me at one moment of a Damon Albarn song on his fantastic song cycle ‘Everyday Robots“, the phrasing of your singing probably… strange coincidence? By the way, the sequence of the album is perfect.

I admire Damon Albarn. An interesting artist. Like me, he is from Essex. Perhaps there is a link in terms of how we sing, phrase and enunciate words, as you say! He wrote a song called ‘Hollow Ponds’ (on Everyday Robots) which is about a place I lived very close to in Leytonstone for a while. I think Albarn lived in Leytonstone for a bit too. On the edge of Epping Forest. But I don’t listen to his music much, if I’m honest. Maybe ‘Hollow Ponds’ was lurking somewhere in my unconscious, though. 

I’m very happy you think the sequencing of the album works well. It’s so important to get the sequencing right! This took a lot of time! Having two long instrumentals bookending the album was an early idea. I think of them as portals into the world of the album. Both ‘Loughton Camp’ and ‘Ambresbury Banks’ are iron age forts in the forest. 

I know you love that long Miles Davis piece ‘He Loved Him Madly’ from Miles Davis… an influence, too, for Brian Eno making On Land… the trumpet as the figure in a ‘landscape“…  similar to your history with long walks and biking through Epping Forrest: do you love to return to certain musics  from time to time, like the Miles Davis composition, or are such pieces so deeply engraved in your memory, that they more function on a subconscious level in your present life?  

Miles Davis’s work from the late 1960s through the mid 1970s continues to have a huge influence, yes. I certainly return to his music as much – if not more – than anyone else’s.  For me, ‘He Loved Him Madly’ is just magic. This is Davis’s threnody for Duke Ellington. I love the organ drone. I love the tasteful and interesting electric guitar work by Reggie Lucas and Dominique Gaumont. Al Foster’s snare and bass drum work.  I love the way the piece slowly and patiently creates a sense of space through harmony and rhythm. You can hear this music being ‘built’. It’s architectural. Over 30 minutes! I love Get Up With It, but also the long tracks on Big Fun and Circle in the Round – particularly the 18-minute version of David Crosby’s ‘Guinevere’, and the 26-minute title track.

Recently I’ve been listening to a lot of music by Wayne Shorter (particularly Schizophrenia and Odyssey of Iska), Herbie Hancock (particularly Crossings, Sextant, Mwandishi, Thrust), Harold Budd, Charles Mingus, Bill Evans, Alice Coltrane, Pharoah Sanders, David Axelrod. Also Eno, who you mention, and Labradford, Mogwai, Boards of Canada. I imagine influences have crept through, particularly on the instrumentals on ‘Muntjac’. 

In our young days we were often listening to albums for weeks, they blocked our record players. Did you recently have had a similar obsession to listen to an album again and again, or have your listening habits changed? 

Yes – I’ve been collecting vinyl again over the last few years. Spending too much money!!! But there are so many gorgeous pressings of jazz albums being released. I can’t resist them. The albums I buy I tend to play over and over again on my inherited 1970s hi-fi. It’s like a fine dining experience. I like to really listen to music, to really savour it and digest it, I like to make it an almost ceremonial banquet-like experience!

Also, am ersten Donnerstag im September ist das Magazin der JazzFacts wieder mal an der Reihe, in einem guten Monat, und dafür suche ich spannende Neuheiten aus der improvisierten Musik. Niklas Wandt stellt die neue Arbeit von Florian Weber („Imaginary Cycle – Music for Piano, Brass Ensemble, and Flute“) vor, Karl Lippegaus eine weitere Besonderheit (s. Cover in rot) – und das sind zwei Musterbeispiele für hochspannenden „jazz and beyond“ – ich habe mich bislang allein für die Cd „Our Time“ von Trygve Seim und Frode Haltli erschienen., mit der die Stunde ausklingen wird. Meditationen aus der Himmelfahrtskirche in München. Wenn also jemand sehr beeindruckt ist von dieser oder jener Arbeit, die gerade erschienen ist oder bis September rauskommt (mit dem einen oder anderen interessanten „offical video“ oder einer Kostprobe auf „bandcamp“), der lasse es mich wissen! Zuweilen nehme ich auch Archivausgrabungen oder „reissues“ ins Programm, aber dabei muss es sich um besondere Schätze halten. Wie vor Monaten das „Carnegie Hall“-Konzert von Alice Coltrane!

(Bei mir lief gerade eine alte LP des italienischen Labels „Soul Note“, die ich mir aus Toni Nees riesigem Musikarchiv geliehen habe, und die er einst, als sie in seine Hände fiel, endlos, wieder und wieder, gehört hat, „And Far Away“, vom Kenny Drew Quartet.)

P.S. Kaum gepostet, kam die erste Empfehlung in mein Email-Fach geflattert. „Breaking The Shell“. Danke, Ingo!

„Today we announce the pre-release of the album Breaking the Shell, a groundbreaking new collaborative trio release from drummer Andrew Cyrille, guitarist Bill Frisell, and pipe organist Kit Downes. This highly anticipated album showcases a unique and rarely heard combination of instruments – electric guitar with pipe organ and drums. The result is a meditation on sonancy and an opportunity for three highly creative spirits to roam freely within an entirely new dimension.“

(on air: deutschlandfunk radio, Sept. 6, 9.05 p.m., jazzfacts with m.e.)

Paul Lyytinen: Lehto / Korpi (WeJazz)
feature one: Florian Weber: Imaginary Cycle (Niklas Wandt)
Frisell / Cyrille / Downes: Breaking The Shell (Red Hook)
Fresh from the archive: Byard Lancaster on Palm Records (1973-74)
Mark Guiliana: Mark (Edition)
feature two: Miles Okazaki: Miniature America (Karl Lippegaus)
Trygve Seim / Frode Haltli: Our Time (ECM)

…i just contacted Souffle Continu in regards to a re-edition of Byard Lancaster‘s four releases for Palm Records (1973-74) … and whoever wants to listen (one more time) to my latest jazz radio magazine, again with contributions by Karl Lippegaus and Niklas Wandt, can do it HERE! Many thanks for support to make this all possible with interviews etc., to Daniel, Christian and Matti (from Galileo Music, ECM, WeJazz). The vinyl edition of Paul Lyytinen‘s forthcoming album will get some extra coverage with an English review on Flowworker.

1973. Or was it 1974. Anyway, it was a hot summer day! Uta, Christiane, and me. We had six days in Paris and lived in two quite rotten appartments in Abbèsses. I was looking for a jazz concert that lived up to my expectations of the city of love‘s mythical history, and, by chance, I found a record store with incredible albums: the rarest works of Sun Ra, German hard core Free Jazz from FMP, a Michael Cuscuna label (that would pubilish gems like a duo album of Charlie Haden, the best Sunny Fortune album ever, and a brilliant Dave Liebman longplayer, with a fine version of the Beatles‘ „Within You, Without You“). The whole world in a little store. 

Of course all the early ECM stuff – and, unknown for my hungry ears, the French label „Palm“ which had its office just around the corner. I had never ever heard of a guy called Byard Lancaster III (who had just released an album on that label parisienne). The manager told me about this black American guy, he described his style, on the sax, on the piano. And he would play that week in a small theatre in „Mouffetard“ (maybe that was the name of the place, or the area). We went there. A French bass player who did a fine job, Steve McCall (i think, it was him, the magician, on drums and percussion) – and Byard Lancaster III. They only played one set, maybe 45 minutes, and I was totally entranced. I had entered the „blow-away-zone“.

In the time being there, i bought his long player „Us“ which was highly recommended in „le jazz magazine“. Later, when being asked about the best concerts of my life, this evening always popped up. It was free, melodic, soulful, it was running down every road of the avantgarde with blissful nonchalance – not hesitating to dive into some Ray Charles territory with heartfelt singing and piano playing.

At that time I still didn’t know the books of Julio Cortazar, but it still makes me shiver to think that this guy (who later became one of my favourite writers ever, a man who lived jazz, by the way) had been sitting two or three rows behind me. In the years to come, I played Byard‘s album titled „Us“ incredibly often – and, now, for the first time ever, Souffle Continu will open the archive and bring all of Byard‘s albums for „Palm Records“ back to the world from dusty shelves.

All of these 13 „chapters“ contain what I call „healing music“. For all the good reasons. But please don‘t buy them all simultaneously – a slight overdose of magic can have terryfying side effects. Though written with a permanent smile, it’s deadly serious stuff, and a countdown to ecstasy. Chapter 13 is a record I lost at somwhere under my rainbow, and whenever I read the name of its very British secret agent, I missed it, I missed the humour, the extravagance, the charming obliqueness. Finally „Wewantsounds“ saved the album from obscurity. „Dancing The Line“, by Steve Beresford and Anni Marie Beretta. David Toop has joined this fashion party, by the way. Something like Robert Wyatt overtaken by 1980‘s spirit of Roxy Music…

Chapter 12 on this countdown to Shangrila is NOT the only time travel sheding telling lights on the most adventurous decade of history since the invention of polyphonic singing. Can: Live In Paris 1975. Most of their live appearances were secretly bootlegged, and a challenge for ears adapted to high fidelity, but this concert from Paris came quite close to a decent recordig. And, like „electric Miles“ (remember „Aghartha“!), this heavenly music corporation offered deep trance work in sheer and freeweelin’ abundance. (to be continued)

Eine Zeitreise in die Sechziger Jahre hält dieser Roman von Laura Lippman bereit, der im Original „Lady in the Lake“ heisst, und jüngst das erhalten hat, was man eine „kongeniale“ Version für das Serienformat nennt. Eine komplexe Geschichte mit einer guten Portion Politik, Rollenmodelle, Feminismus und Rassismus in den USA der Sechziger Jahre, die nicht unter der Last der vielen zeitgeschichtlichen Themenstränge einbricht. Sprachlich brilliant, greift auch die Verfilmung gerne aus die berühmte Stimme aus dem Off zurück. In diesem Jahr gibt es einige rundum überzeugende TV-Serien zu entdecken, die Kriminaldramen mit hohem „Flowfaktor“ und beachtlicher „Seelentiefe“ erzählen , von „True Detective, season 4“ über „Criminal Record“, „Blue Lights, season 2“, „Presumed Innocent“ und „Under The Bridge“, bis hin zu „Sugar“ und „Lady In The Lake“. Alles zu finden in den einschlägigen Streamingdiensten.

Es geht um meine 12 Favoriten, was Wiederveröffentlichungen und Archivausgrabungen des Jahres betrifft. Countdown time. Öffnen wir Kapitel 10, number 10, die zwei Zauberworte heissen „Shadow Puppeteer“. Ein kleiner Rückblick zuerst. Es war in der Mitte der Siebziger Jahre, da stand sie mit Frank Perry und einem weiteren Gefährten auf der Bühne im Schlossgarten von Moers, an einem sehr warmen Frühlingstag – ihr Mann, Keith Tippett, war kurzfristig erkrankt, und was da passierte, war reine Magie. Ein, zwei Jahre später erschien ihr berühmtes Album „Sunset Glow“, das auch eine Hommage an den aus dem Fenster gestürzten Robert Wyatt enthielt. Viele halten es, wie Robert selbst, für ein „sister album“ von „Rock Bottom“. Diese „Gruppe von Moers“ wurde übrigens auf einem Album des kleinen englischen Labels „Ogun“ dokumentiert. Wer das Leben als freie Improvisatorin wählt, zählt zum Underground, und gelangt kaum je in die grossen Arenen, die ihr zu Beginn ihrer Karriere zuwinkten, als sie mit einem gewissen Brian Auger, und damals noch als Julie Driscoll, unterwegs war. Das interessierte sie aber nicht sonderlich. Eines ihrer schönsten Alben (und da gibt es einige, die noch entdeckt werden wollen), neben dem „Glühen des Sonnenuntergangs“, war „Shadow Puppeteer“, aus dem Jahre 1999, das Anfang diese Jahres erstmals auf Vinyl herauskam – ein grossartige Pressung nebenbei bemerkt, und ein Doppelalbum ohnegleichen! Auf „Shadow Puppeteer“ spielt und singt sie alles selbst. „Shadow Puppeteer“ ist eine Suite von Kompositionen und Improvisationen, in denen Julies Stimme und verschiedene Instrumente (Windspiele, Tamburin, Mandoline, Daumenklaviere, Zithern und Glocken) auf mehreren Spuren zu hören sind: was für eine Ausdruckskraft, was für eine Fantasie! Wer sich auf die vier Schallplattenseiten einlässt, denkt sehr bald nicht mehr in den dickhäutigen Rastern der Sprache, und begegnet der Verführungskunst des Unaussprechlichen. (wird fortgesetzt mit den Kapiteln 9, 8, 7, auf einen Schlag)

„Alas, said the cloud, what have we here? I believe it’s the world and it’s covered in fear.” Saint Etienne sind clevere Popartisten, aber ein kleiner Nebenjob von Bob Stanley interessiert mich mehr, seine Themenalben, in denen sich die Schräg- und Gefühlslagen  spezieller Zeiten und Zeitgeister in Songs spiegeln.

So erschien auf Ace Records 2017 ein Album mit dem Titel „English Weather“, die treffliche regengraue Kulisse für eine herbstlich raunende Innenwelt, in der die Zeit für eine Zeit seltsam aus den Gleisen lief und sich Müdigkeit und Ennui breitmachten. Die Sechziger Jahre hatten ihren letzten Rausch ausgeschlafen, die Beatles waren Geschichte, aber noch anderes war aus und vorbei, man schaute auf die Gitarre, den Bauchnabel, die Welt ringsum, sah noch ein paar Feuerchen brennen, wusste, wo man herkam, halbwegs, manche nannten es schon „die wilden Jahre“, allerdings im Memoirenmodus, aber niemand, wirklich niemand wusste so recht, wohin.

Es war die Zeit, als ich 14 oder 15 war, und wir im Gymnasium Bertold Brechts Gedicht vom „Radwechsel“ interpretierten – darin stellen sich genau die gleichen Fragen. Bob Stanley nennt es den „post-psychedelischen, prä-progressiven Moment“, der eine Weile anhalten sollte. „We’re refugees, walking away from the life that we’ve all known and loved,” so sang es sich Peter Hammill von Van Der Graaf Generator von der Seele. Man sollte sich dieses Album besorgen (ohne im Vorfeld die „tracklist“ zu studieren – „the lesser you know, the deeper you will sink“), wenn man damals schon auf der Welt war und Piratensendern lauschte – oder einfach einer Obsession folgen möchte für Musikarchäologie und fast vergessene Strömungen des 20. Jahrhunderts. Manches gerät episch, manches episodisch, manches ist ein Schmankerl, und manches ein Hammer. Es finden sich orchestrale Balladen, asketisch-akustischer Pop, dekoriert mit Holzbläsern – in einer kurzen, stolpernden, richtungslosen Zeit, bevor klar wurde, dass der Sound der Zeit bald eingenommen werden sollte von Glam, Prog, West-Coast-Sängern und Kokain-Cowboys, die einem den Rat gaben, alles „easy zu nehmen“.

English Weather klingt, seltsam genug, wie aus einem Guss, Und nahezu alles besitzt hohe Qualität – wir sind, bitteschön, in einem Obskuritätenkabinett, nicht bei den wohlfeilen golden oldies. Wurden viele dieser Songs wirklich nicht bemerkt (ich erkannte gerade mal zwei), oder sind Bob Stanley und Pete Wiggs solche Füchse, dass sie die tollen Lieder fanden auf ansonsten eher durchschnittlichen Alben?

(Dieses Album ist nun schon ein paar Jahre alt – die jüngste Themenmusik von Mr. Stanley widmet sich den elektronischen Spielarten von „library music“. Dem heissen Sommer von 1976 hat er auch mal eine gelungene Arbeit gewidmet. Jan Reetze erinnert in einem Kommentar zum „langen Blonden mit dem Sommer von 1976“ an einen unwiderstehlichen Song von Arlo Guthrie.)

Seit Toni mit seiner Lebensgefährtin in diesem Haus in der ostfriesischen Provinz lebt, ist dies sein Musikzimmer, in das er sich vorzugsweise abends zurückzieht, um auf Klangreisen zu gehen. Die „Klanghorizonte“ hört er seit 1993. Seine feine Stereoanlage besticht mit der Transparenz und dem natürlichen Klangbild, die man von Manger-Lautsprechern und einem Klassiker unter den britischen Vollverstärker (Sugden) erwarten kann. Der Blick aus den beiden Fenstern ist ein „Traum von einem Blick“, als Kontrapunkt zu den musikalischen Abenteuern. Ich griff, nach kurzer Sichtung seines „ECM-Regals“, zu Eberhard Webers fantastischer Arbeit „Chorus“ und sank auf Anhieb noch etwas tiefer in den Hörsessel. Schon beim ersten Stück ist man verloren, im besten Sinne: wenn die Melodielinie und die Weberschen Basspulse auf einmal verstummen und einem elektronischen Bordunton Raum geben, bricht aus dem Nichts Jan Garbareks Saxofon hervor, sein Solo nimmt so gefangen wie beim ersten Hören im alten Jahrhundert. Einmal, es ist nur wenige Jahre her, da kam dem Blick nach draussen alles Besänftigende abhanden: die Welt verdunkelte sich für eine kurze Weile. Tonis Frau war auf dem Heimweg, und hatte schon die Ortsgrenze von Ostermoordorf erreicht, da schossen aus allen Richtungen Kastanien auf ihr Auto. Dann flogen Bäume ringsum wie Mikadostächen durch die Luft – wie mit einem Schraubendreher wurden sie aus dem Boden gedreht. Die pure Unheimlichkeit, und ein Riesenglück, dass sie in ihrem kleinen Panda mit dem Leben und Schrecken davonkam. Bei einem köstlichen Apfelstrudel, Tee mit Kluntjes, und der Hündin des Hauses im Hintergrund, einem grossen schwarzen Schnauzer, sassen wir beisammen und erzählten uns Geschichten. Und einige handelten eben von Dingen und Klängen, die aus dem Nichts auftauchen. Wie etwa Freunde zu finden, von denen man gar nicht wusste, dass es sie gibt. Verbundenheiten.

1975, das war das Jahr von „The Köln Concert“, „Blood On The Tracks“, „Another Green World“ und „Tonight‘s The Night“. Wer damals jung war, und nicht stromlinienförmig blöd, lebte mehrere Leben gleichzeitig. Man war ja nicht immer hinter den Horizonten her, Steppenwolf oder ein wenig hoffnungslos. Es gab noch allerlei Spuren in die Kindheit, resonierende Räume zwischen Generationen – auch das gern scharf angegangene „Bürgerliche“ besass diverse Arten von Wehmut. Wir lächelten HIERÜBER, aber verstreute Wahrheiten wurden auch von der leichten Muse verhandelt, vom Froschkönig bis Tarzan und darüber hinaus!

Sieben Alben von Impulse Records, die ich damals nach Erscheinen kaufte, die mich auf Anhieb begeisterten, wohl am meisten gespielt wurden, und heute noch genauso faszinieren. Das ist keine repräsentative Liste, sondern ein kleines Stück Erinnerungsarbeit mit einem interessanten Ergebnis. 1) Marion Brown: Gechee Recollections 2) Keith Jarrett: Fort Yawuh 3) Marion Brown: Sweet Earth Flying 4) Pharoah Sanders: Thembi 5) John Coltrane: Live In Japan 6) Sam Rivers: Streams 7) Marion Brown: Vista.