Natural Information Society & Bitchin Bajas – Totality
Caroline – Caroline 2
Ambarchi, Berthling, Werliin – Ghosted II
Alan Sparhawk With Trampled By Turtles
Ben Lamar Gay – Yowzers
Enji – Sonor
Daisy Rickman – Howl
The Necks – Disquiet
Gwenifer Raymond – Last Night I Heard The Dog Star Bark
Joannne Robertson – Blurrr

response from flowflowHQ:

Moin, Norbert! The world of 2025 is full of wonderful music we simply don‘t know. From your list I did hear exactly 5 of 10, and on a little afternoon walk I listened for the first time to that pastoral song meditations by Daisy Rickman. Afterwards I found a package from Italy at my door, exactly 90 minutes ago. I listened to it and thought, well, a perfect pair, Daisy and Massimo. So i highly recommend this album to you. Probably too late for the Christmas tree. Massimo Silverio‘s Surtùm is a discovery for me as is the lady from Cornwall. Coincidence or convergence? Thank you, and good evening. (m.e.)

Between the years I have much time to read and listen and watch. Yesterday I opened the winter season of my small „Electric Cave“, with six people watching that movie „Medium Cool“ by Haskell Wexler that I regard as a masterpiece of political cinema from the late 1960’s. It comes along with a deepness and emotional nakedness that I put on par with Walter Salles’ recent Brazilian movie „I’m Still Here“ set in the darkest times of dictatorship in 1970.

Before that, I had the opportunity to listen to an album of uninhibited magic. Afterwards I read about this album of former Can Man Irmin Schmidt. i was impressed by his latest solo piano work that has been running under the public radar like so much wonderful music is. The old hard core fans shortly pay attention, but then miss the ancient vibes and look at such works as a footstep or a reminder to go for the old records again. Reading this announcement, it seems to be another solo work with our terrible state of the world in mind – and a quantum of utopia. Finding solace. Resistance.

It would probably fit well with that „uninhibited magic“ (I mentioned in the first sentence) of Björn Meyer‘s second solo work for ECM, „Convergence“ to be released one day after my Steve Tibbetts portrait at the Deutschlandfunk, on Jan 23, 2026. Darker than his debut „Provenance“, and miles away from any self-indulegnt virtuosity running on empty, it is another burner from the electric bass player who once was part of Nik Börtsch‘s Ronin and its „zen funk“. I love the cover of „Provenance“, and I love the cover of „Convergence“. A visual signifier par excellence. (The cd can already be ordered at jpc.)

Convergence comes from the prefix con-, meaning together, and the verb verge, which means to turn toward. We can use convergence to describe things that are in the process of coming together, like the slow convergence of your opinions with those of your mother, or for things that have already come together, like the convergence of two roads, or for the place where two things already overlap, like the convergence of your aunt’s crazy wardrobe with avant-garde fashion.

2025’s music:  I work occasional weekend evening shifts as a nurse in a care facility.  By 8:30 PM just about everyone is in bed except for one or two residents who have difficulty sleeping.  The aides bring them over in their wheelchairs and park them by my station. This year, while I wrote my shift notes, we listened to Eno and Wolfe’s „Luminal“ until 11 PM.  Most of the time.  One man often insisted on Sinatra.  He and I would sing to „The Summer Wind“ over and over.  

2025’s album:  Sunday night seems to belong to ECM.  In the 80s if I needed to call the Munich office I would stay up very late with an ECM mix tape on, and make the phone call in my Minnesota night, their German morning.  Someone would always pick up the phone, surprised.  This year my Sunday night music was Anouar Brahen’s „After the Last Sky.“  It is an ECM classic in every respect:  it is like a painting come to life.

2025’s song:  „Sunblind“ by Fleet Foxes.  Someone I cared for very much died a few years ago.  She made a playlist that begins with that song.  I only play that at work when nobody is around because I know what will happen.

Nächste Woche könnte die Reihenfolge vielleicht schon anders aussehen. Na, die Nummer 01 würde sicher bleiben. Aber das ist meine „Nikolausreihenfolge“.

01. Jeff Tweedy – Twilight Override (hier mag ich einfach alles!) / 02. Brian Eno und Beatie Wolfe – Luminal (electonic songwriting) / 03.Bryan Ferry und Amelia Barratt– Loose Talk  (ein tolles spoken word album und der große Name hält sich vornehm zurück-das finde ich groß) / 04.Steve Tibbetts – Close (die Gitarre schwappt in schönen Wellen an das Ufer – ist mein Hörgefühl) / 05. Echolalia – Echolalia (zwischen psychedelischem Folk und Krautrock und Spencer Cullum‘s Steelgitarre) / 06. Ethel Cain – Willoughby tucker i’ll always love you (empfahl mir meine Tochter-und sie hatte Recht) / 07. Pino Palladino und Blake Mills – That wasn‘t a dream (wieder sehr eigen und anders) / 08. John Fogerty – Legacy (war nie CCR Fan, und um so mehr erstaunt, wieviel ich mitsingen konnte und wieviel gute Laune mir dieses Album zum 80sten macht) / 09. Little simz – Lotus (Rap, gesungene Passagen und toll instrumentiert) / 10. Thom Yorke und Mark Pritchard – Tall Tales (wild, Radiohead trifft Kraftwerk?, und die Stimme oft spannend verfremdet) / 11. Robert Plant – Saving Grace (Americana, Folk auch mit einer tollen Duettpartnerin) / 12. Jonathan Jeremiah – We come alive (ich mag seine Stimme, die 60s Popsong Stimmung und den Knackbass) / 13.  The Waterboys – Life, Death and Dennis Hopper ( eine Art Konzeptsuite, daraufhin habe ich die Biografie von Ton Folsom gelesen) / 14. Lonnie Holley – Tonky (eine außergewöhnliche Stimme über Musik, die für vieles offen bleibt) / 15. Marc Ribot – Map of a blue city (ich liebe sein Gitarrenspiel und mag seinen unprätentiösen Gesang. Ein toller Nicht-Sänger)

Look at the covers below the grand On Land picture. Name the titles and artists names of all five albums posted there. Go into Sherlock mode, and be advised, it is more diffcult than you might think on first sight. One more time: the exact (!) titles are necessary! Here’s a devil in the details. The first one who sends me the rights answers will get one vinyl album from the big decade spanning boxset by Bruce Springsteen, or, in case you prefer cds, three fantastic ECM cds as a surprise package!

Der Fünfte lag richtig. Die vier anderen verwechselten DUME mit ZUMA.

Vor ein paar Jahren gab es mal einen Streit auf Manafonistas. Es ging um Peter Handkes Buch „Der Chinese des Schmerzes“. Im verwegenen Sound der Neuen Deutschen Unwegsamkeit (NDU) erzählt der Pedda von einem Altphilologen namens Andreas Loser aus der Steiermark. Zu diesem Zeitpunkt war ich gerade mit Büchern aus dem Barock beschäftigt. Damals waren die Buchtitel echte Bandwürmer, die über das ganze Cover kriechen konnten. Und da die Mandarinsaison, wie ihr hoffentlich alle wisst, am nächsten Samstag zu Ende geht, habe ich den Handke noch schnell zu vier barocken Alternativtiteln überredet, in denen nun endlich auch leidende Chinesen zu Wort kommen.

Der Morgen, an dem Hu Schi Fung aus Nanking bei einer unfreiwilligen Handke-Lektüre seine legendäre Schmerzunempfindlichkeit verlor, laut schreiend zum Doc lief, sich ein Rezept für Oxis abgriff und daher erst am nächsten Tag Andreas Losers Laubblasgerät reparieren konnte.

Der Nachmittag, an dem die Frau aus Schanghai unvermutet auf dem von Loser frequentierten Marktplatz im Steirischen auftauchte, einen schmerzensreichen Rosenkranz auf Mandarin betete, und, in der nicht unberechtigten Hoffnung auf einen Obolus der frommen Marktgänger, genügend Reiskörner in einem Topf zu ihren Füßen sammeln konnte, um sie abends in ein Säckchen zu füllen, es am nächsten Tag mit nach Schanghai zu nehmen und aus dem fünften Stock einer Pfeffermühlenruine auf den Sozialschädling (steirisch: ArbeitsLoser) und Konkurrenten um den Bettelplatz fallen zu lassen, was dem Opfer, das sich gerade darauf konzentrierte, seine Erfolg verheißende Anflehmimik aufzusetzen, unverzüglich den Halswirbel brach, schmerzfrei wohlgemerkt, so dass dieser Sermon hier, streng genommen, gar nicht als Kandidat für einen Buchtitel über einen Aua-aua-Chinesen taugt – siehe auch meine Dissertation: Jokes with an inherent potential for self-destruction that ruins the punch line.

Der Abend, an dem der von sieben Speeren durchbohrte Mandarin in Losers Stammlokal aufkreuzte, drei Andreas-Hofer-Kreuzer auf die Theke hinzählte, in Ermangelung von Reisschnaps ein Fläschchen Rübenfusel (150 ml) zum Desinfizieren der Wunden verlangte und sterbend hauchte: Rest ist Trinkgeld.

Die Nacht, in der ein Maschinenbaustudent aus Beijing mit dem Sonnigengemütskoeffizienten von minus 3,5 unerkannt durch Losers Dorf schlich und sich mangels Nachtsichtgerät an Dornbüschen und scharfkantigen Bauzaunelementen böse blutende Schürfwunden zuzog, um am nächsten Tag, pünktlich zur Öffnung von Losers weltberühmten Laubblasgeräteladen endlich mal einen chinesischen Schmerzensmann mimen und auf Losers Frage nach seinem Wohlbefinden in einem herzzerreißenden Konglomerat aus Mandarin und Steirisch seufzen zu dürfen: Muss ja.

Hubert Mania

John Darnielle’s penchant for a concept album has already produced the likes of Beat the Champ (about wrestling), Bleed Out (action movies) and Goths (alternative music in his teens). Now, the 23rd Mountain Goats album tackles – but of course – the story of a small crew shipwrecked on a desert island in which the surviving members, including titular captain Peter Balkan, are plagued by “diminishing resources and apocalyptic visions”.

„At this moment in time it is my No. 12 of my favourite albums in 2025.. And it‘s a grower.“ (m.e.)

Nachdem ihm der Titel im Traum eingefallen war, hat Darnielle sich ganz schön ins Zeug gelegt, um all das zum Leben zu erwecken. Die Instrumentierung umfasst Klavier, Holzblasinstrumente, Streicher, Blechblasinstrumente und Harfe, und die Band bedient sich einer Palette von Genres, darunter Elektronik, symphonische Balladen, Prog und Powerpop. Das Ergebnis ähnelt ein wenig dem Soundtrack zu einem imaginären Musical, da die Songs einen narrativen Bogen spannen – ein Eindruck, der durch die Mitwirkung von Lin-Manuel Miranda als Backgroundsänger noch verstärkt wird.

Die Crew sticht fröhlich in See in dem schönen „Fishing Boat“ („frei wie die Brandung“) und stößt in „Cold at Night“ („am dritten Tag sagtest du, du fühlst dich krank“) auf Probleme. Darnielle ruft trotzig „Niemand hier wird allein sterben“ in dem hämmernden „Dawn of Revelation“ und schreibt in „Broken to Begin With“ gewissermaßen ihr Epitaph.

Dennoch ist dies kein düsteres Album. Es ist aufwendig produziert, voller Galgenhumor und – wie so viele von Darnielles besten Werken – offenbart es unter der Oberfläche tiefere Bedeutungsebenen über Menschlichkeit, Zusammengehörigkeit und die kostbaren Freuden des Lebens.

Dave Simpson, The Guardian

Thomas Morgan’ debut album, Around You Is a Forest (Loveland Music), reveals a dimension of Morgan’s artistry long hidden from public view: his lifelong engagement with computers, programming, and hacker culture. The record is built around WOODS, a virtual string instrument Morgan designed in SuperCollider, an open-source software environment for real-time audio synthesis and algorithmic composition. WOODS evokes the sound of plucked and struck string instruments — West African lute-harps, Asian zithers, the Hungarian cimbalom, marimbas — while operating according to generative code that Morgan shaped into a living, evolving instrument.

Jeder Titel ist ein Duett zwischen WOODS und Dan Weiss (Tabla), Craig Taborn (Keyboards, Feldaufnahmen), Gerald Cleaver (Schlagzeug), Henry Threadgill (Flöten), Ambrose Akinmusire (Trompete), Bill Frisell (Gitarren), Immanuel Wilkins (Altsaxophon) und Gary Snyder (Gesang). Morgans erste Erfahrungen mit dem Programmieren machte er bereits in seiner Kindheit in Hayward, Kalifornien. Sein Vater, ein Professor für Informatik, machte ihn mit Spielen wie „Where in the World Is Carmen Sandiego?“ und „Myst“ bekannt – und brachte ihm dann bei, wie man hinter die Kulissen schaut. „Als ich ihn fragte, zeigte er mir, wie man eine SimCity-Datei in Hexadezimalcode bearbeitet, um die Stadtkasse aufzubessern“, erinnert sich Morgan. „Zu verstehen, wie die Dinge tatsächlich funktionierten, eröffnete mir eine ganz neue Welt.“

In unserer neuen, auf 12 Folgen angelegten Reihe, besprechen Musikkritiker, die viele von uns schon lange kennen, aussergewöhnlliche Jazzalben aus dem ersten Viertel dieses Jahrhunderts.. Es geht dabei nicht um Kanonsierung und eine Best-of-Liste, sondern um besondere Werke, die aus dem endlosen Üblichen, das man auch Mainstream nennen kann, weit herausragen. Nach Nitai Hershkovitz nun also Masabumi Kikuchi, in den Worten eines wahrlich „alten Hasen“. Long may you run! Und, um alle Unklarheiten auszuräumen: ein „alter Hase“ ist man ab dem 40. Lebensjahr! Bei den flowflows sind sowieso nur alte Hasen und Häsinnen. masabumi war ein regelmässiger Gast in meinen Klanghorizonten – hier ein Foto aus einer Radionacht, in der ich in der ersten „Runde“ sein Werk „Black Orpheus“ vorstellte. (m.e.)

In seinem Begleittext zu Masabumi Kikuchis Album „Black Orpheus“, einer Aufnahme des letzten Solokonzerts des japanischen Pianisten, erwähnte Ethan Iverson ein Blatt Papier, das auf dem Klavier lag und die Anweisung enthielt: „Spiele langsamer. Ich klinge besser, wenn ich langsamer spiele.“ Kikuchi nahm sich seinen eigenen Rat zu Herzen. In den Soloauftritten, die in den 20 Jahren vor seinem Tod im Jahr 2015 im Alter von 75 Jahren aufgenommen wurden, verlangsamte sich sein Spiel so sehr, dass der Metabolismus der Musik eine neue Ebene der Existenz zu erreichen schien.

Der endgültige Beweis dafür wurde 2013 in einer Session auf einem alten Steinway D im New Yorker Klavierhaus erbracht, deren erste Früchte vor vier Jahren vom Label Red Hook unter dem Titel Hanamichi veröffentlicht wurden. Nun gibt es eine zweite Ausgabe aus derselben Quelle: Hanamichi, The Final Studio Recording Vol II. Wie sein Vorgänger mischt es unbetitelte improvisierte Stücke mit den Standardmelodien, die er gerne erkundete, in diesem Fall „Manha de Carnaval”, „Alone Together”, „I Loves You, Porgy” und „My Ship”.

Ich habe bereits hier über Black Opheus und hier über den ersten Teil von Hanamichi geschrieben, daher werde ich mich nicht wiederholen. Ich möchte nur sagen, dass diese Version von „Manha de Carnaval“ die ausgereifteste der drei ist, die ich von ihm auf Platte habe (die ersten beiden stammen aus den Jahren 1994 und 2012), und seine Interpretation von „Alone Together“ beleuchtet so wunderschön die emotionalen Konturen der Broadway-Ballade von Arthur Schwartz und Howard Dietz aus dem Jahr 1932, dass sie zu einer definitiven instrumentalen Erkundung wird, die Jo Staffords Gesangsinterpretation von 1945 in nichts nachsteht.

Richard Williams

HIER ein kurzer Moment aus dem Studio, eingefangen von Ingo J. Biermann

* Masabumi Kikuchi’s Hanamichi: The Final Studio Recording, Vol II is out now on Red Hook Records: https://www.redhookrecords.com/ The photograph of Kikuchi is by Abby Kikuchi and is borrowed from the booklet accompanying Black Orpheus (ECM).

Wieder mal gab das Label ECM vor ziemlich genau zwei Jahren einem Pianisten Raum, dessen Solospiel sich vom Gros seiner Kolleginnen und Kollegen abhebt. Anders als die meisten improvisierenden Pianisten orientiert sich der 35-jährige Israeli Nitai Hershkovits auf „Call On The Old Wise“ nur zu einem geringen Anteil an der amerikanischen, auf Blues, Swing und Musicals basierenden Traditionslinie. Wesentlich stärker lässt er sich von den europäischen Romantikern und jüngeren Komponisten der „klassisch“ genannten Musiksparte sowie von Film- und Evergreenkomponisten inspirieren. Oder, in seinen eigenen Worten:

„Es ist, als spiele ich mit mehreren Musikperioden gleichzeitig, aber in einer Art Augmented-Reality-Umgebung … Für mich ist das Album wie eine Reise, bei der man von einem Augenblick auf den anderen mehrere unterschiedliche Erfahrungen macht.“

Mit dem Titel „Call On The Old Wise“ meint er nicht die große Riege der Komponisten, sondern seine einstige Klavierlehrerin Suzan Cohen, der er einen Dialog aus Wellenbewegungen und Melodiespritzern widmet. Ein elegisches „Enough To Say I Will“ und die sanften „Mode Antigone“ und „Of Trust and Remorse“ folgen.

Wer jetzt noch glaubt, Hershkovits Temperament würde irgendwann noch explodieren, täuscht sich: Er bleibt bei langsamen Tempi, lässt sich zwischendurch auch – wie in „Majestic Steps Glow Far“ – auf Kinderlied-einfache Melodien ein und bleibt beim Zarten, Weichen. Selbst der Blues „River Wash Me“ wirkt durch das feingliedrige Spiel mit der Dynamik hell und schwebend.

Neben 16 Eigenkompositionen umfasst die Einspielung auch zwei fremde Werke: Das verträumte „Dream Your Dreams“ von Molly Drake und ein die Blütenblätter einzeln auffächerndes „Single Petal Of A Rose“, das auch Duke Ellington als zurückhaltende, differenzierte Ballade aufgeführt hat. Mit dem auf einer hüpfenden Figur beruhenden „Of Mentorship“ und das erneut Wellenbewegungen mit einer rhythmisch akzentuierten Melodie verknüpfende „For Suzan“ erweist er seiner Klavierlehrerin noch zweimal die Referenz. Sie hat es verdient.

Werner Stiefele

(Wer Nitai Hershkovits live erleben möchte, kann dies im Musikbunker Aachen am 23. November – wer sich auf die Reise machen möchte, melde sich bei mir.)