Es war ein ganz wunderbares Erlebnis, wobei „Wunder“ und „bar“ beide gleichermaßen Teil dieses besonderen Abends waren. Irgendwie verwunderlich in seiner Eigenart und gleichzeitig bar jeden Zuviels, genau richtig in seiner Schlichtheit – sofern sich das von einem Arena-Konzert sagen lässt.

Interessant fand ich die Art Gaze-Leinwände, hinter denen die Band anfangs eingeschlossen war, und die – obwohl teiltransparent – später auch als Videoleinwände dienten. Das erste Lied („2+2=5“) spielten sie noch komplett hinter dieser Art Netz. Ich empfand das erst als sonderbare Distanz zwischen Performenden und Publikum, als die Wände dann aber später angehoben wurden, kam mir doch der Gedanke, dass es eigentlich ganz passend ist, das Erscheinen auf der Bühne durch dieses Zwischenelement nochmal um einen Schritt zu erweitern und sich so auch sichtbar dem Publikum zu öffnen.

Die Leinwände waren das ganze Konzert über sehr geschmackvoll eingesetzt. Oft finde ich es ein bisschen schade, wenn die Leinwände einfach in groß das zeigen, was man von seinem hinteren Platz sonst eben nicht erkennt, zumal ich mich dann oft dabei erwische, wie ich nur noch die Leinwand anstarre.

Das war diesmal anders. Die leinwandübertragenen Sequenzen waren immer wieder verfremdet, teilweise auch gedoppelt oder schnell nacheinander wiederholt. Das hat das Element der Konzertleinwand, finde ich, hier viel interessanter gemacht.

Musikalisch hat es mir sehr gut gefallen. Anfangs hatte ich das Gefühl, den Gesang etwas leise zu hören – das hat sich aber schnell gegeben.

Die Band hat toll gespielt und die Songs teilweise auch in Versionen präsentiert, die ich nicht direkt so erwartet hätte. Manchmal war rhythmisch etwas anders oder es wurden synthetische Intermezzos eingefügt und/oder ausgedehnt.

Besonders begeistert und eingenommen hat mich auch die Bühnenpräsenz Thom Yorkes. Er hat sich tatsächlich viel bewegt und getanzt, wie auch in den Kritiken, die ich vorher gelesen hatte, beschrieben. Ich fand das ungemein passend. Es hatte eine Leichtigkeit und ich hatte das Gefühl, er performt all diese Songs sehr bewusst, ohne aber irgendetwas bestimmtes darstellen zu wollen. Seine Art die Bühne zu bespielen, hatte meines Empfindens nach eine große Authentizität. Gleichzeitig fand ich die Art, wie er bei den vielen düsteren Texten damit auch Leichtigkeit und Freude vermittelt hat, sehr taktvoll.

Für mich persönlich war es besonders schön die vielen Songs aus „In Rainbows“ zu hören. Jetzt nach diesem Live Erlebnis finde ich mich nochmals darin bestätigt, dass es wohl mein Lieblingsalbum von Radiohead bleibt.

Es hat mich sehr berührt, zu spüren, dass diese Lieder mehr oder weniger einem ganzen Stadion viel bedeuten und ich fand es schön, in diesem Moment ein Teil davon zu sein.

Auch schön war, dass in meinem Hostel nahezu ausschließlich KonzertgängerInnen unterschiedlichsten Alters untergekommen waren. Mein Zimmer teilte ich mir mit einer Gruppe junger FranzösInnen, die extra aus Lyon für das Konzert angereist waren. Im Aufzug hatte ich mich am Abend noch mit einer Gruppe älterer Herren (Sie dürfen niemals erfahren, dass ich sie so genannt habe, da sie sich schon an meinem Siezen gestört haben – sagen wir also „für mich älter“) unterhalten, die ganz stolz auf ihre Merch-Errungenschaften waren.

Es ist einfach immer wieder schön zu sehen, welche verbindende Kraft Musik hat. Das habe ich gestern wirklich nochmals in aller Deutlichkeit erlebt.

Jefre Cantu-Ledesma – Gift Songs (Mexican Summer)

Even if I’ve loved it from the start, this record has grown so much on me since its release in May 2025. There’s an undeniable magic about this unassuming work that made me keep coming back to it. Whenever I needed a sonic equivalent to a soothing weighted blanket, I could rarely resist the call of that infectious 20-minute piece on the A-side, “The Milky Sea”.

Shortly before the album release, I interviewed Jefre Cantu-Ledesma for the Buddhist magazine Tricycle. He’s an experienced experimental musician who’s originally from Texas but has been living on the Westcoast for a long time and has now been based in Upstate New York for a while, working by day as a Zen Buddhist priest and hospice chaplain. This gentle acoustic ambient record is an offering and an expression of his compassionate worldview – an fascinating kaleidoscope of timbres, tones and textures, based on decades of mindful improvisation practice.

(Written by the man behind Zen Sounds)

Natural Information Society & Bitchin Bajas – Totality
Caroline – Caroline 2
Ambarchi, Berthling, Werliin – Ghosted II
Alan Sparhawk With Trampled By Turtles
Ben Lamar Gay – Yowzers
Enji – Sonor
Daisy Rickman – Howl
The Necks – Disquiet
Gwenifer Raymond – Last Night I Heard The Dog Star Bark
Joannne Robertson – Blurrr

response from flowflowHQ:

Moin, Norbert! The world of 2025 is full of wonderful music we simply don‘t know. From your list I did hear exactly 5 of 10, and on a little afternoon walk I listened for the first time to that pastoral song meditations by Daisy Rickman. Afterwards I found a package from Italy at my door, exactly 90 minutes ago. I listened to it and thought, well, a perfect pair, Daisy and Massimo. So i highly recommend this album to you. Probably too late for the Christmas tree. Massimo Silverio‘s Surtùm is a discovery for me as is the lady from Cornwall. Coincidence or convergence? Thank you, and good evening. (m.e.)

Between the years I have much time to read and listen and watch. Yesterday I opened the winter season of my small „Electric Cave“, with six people watching that movie „Medium Cool“ by Haskell Wexler that I regard as a masterpiece of political cinema from the late 1960’s. It comes along with a deepness and emotional nakedness that I put on par with Walter Salles’ recent Brazilian movie „I’m Still Here“ set in the darkest times of dictatorship in 1970.

Before that, I had the opportunity to listen to an album of uninhibited magic. Afterwards I read about this album of former Can Man Irmin Schmidt. i was impressed by his latest solo piano work that has been running under the public radar like so much wonderful music is. The old hard core fans shortly pay attention, but then miss the ancient vibes and look at such works as a footstep or a reminder to go for the old records again. Reading this announcement, it seems to be another solo work with our terrible state of the world in mind – and a quantum of utopia. Finding solace. Resistance.

It would probably fit well with that „uninhibited magic“ (I mentioned in the first sentence) of Björn Meyer‘s second solo work for ECM, „Convergence“ to be released one day after my Steve Tibbetts portrait at the Deutschlandfunk, on Jan 23, 2026. Darker than his debut „Provenance“, and miles away from any self-indulegnt virtuosity running on empty, it is another burner from the electric bass player who once was part of Nik Börtsch‘s Ronin and its „zen funk“. I love the cover of „Provenance“, and I love the cover of „Convergence“. A visual signifier par excellence. (The cd can already be ordered at jpc.)

Convergence comes from the prefix con-, meaning together, and the verb verge, which means to turn toward. We can use convergence to describe things that are in the process of coming together, like the slow convergence of your opinions with those of your mother, or for things that have already come together, like the convergence of two roads, or for the place where two things already overlap, like the convergence of your aunt’s crazy wardrobe with avant-garde fashion.

2025’s music:  I work occasional weekend evening shifts as a nurse in a care facility.  By 8:30 PM just about everyone is in bed except for one or two residents who have difficulty sleeping.  The aides bring them over in their wheelchairs and park them by my station. This year, while I wrote my shift notes, we listened to Eno and Wolfe’s „Luminal“ until 11 PM.  Most of the time.  One man often insisted on Sinatra.  He and I would sing to „The Summer Wind“ over and over.  

2025’s album:  Sunday night seems to belong to ECM.  In the 80s if I needed to call the Munich office I would stay up very late with an ECM mix tape on, and make the phone call in my Minnesota night, their German morning.  Someone would always pick up the phone, surprised.  This year my Sunday night music was Anouar Brahen’s „After the Last Sky.“  It is an ECM classic in every respect:  it is like a painting come to life.

2025’s song:  „Sunblind“ by Fleet Foxes.  Someone I cared for very much died a few years ago.  She made a playlist that begins with that song.  I only play that at work when nobody is around because I know what will happen.

Nächste Woche könnte die Reihenfolge vielleicht schon anders aussehen. Na, die Nummer 01 würde sicher bleiben. Aber das ist meine „Nikolausreihenfolge“.

01. Jeff Tweedy – Twilight Override (hier mag ich einfach alles!) / 02. Brian Eno und Beatie Wolfe – Luminal (electonic songwriting) / 03.Bryan Ferry und Amelia Barratt– Loose Talk  (ein tolles spoken word album und der große Name hält sich vornehm zurück-das finde ich groß) / 04.Steve Tibbetts – Close (die Gitarre schwappt in schönen Wellen an das Ufer – ist mein Hörgefühl) / 05. Echolalia – Echolalia (zwischen psychedelischem Folk und Krautrock und Spencer Cullum‘s Steelgitarre) / 06. Ethel Cain – Willoughby tucker i’ll always love you (empfahl mir meine Tochter-und sie hatte Recht) / 07. Pino Palladino und Blake Mills – That wasn‘t a dream (wieder sehr eigen und anders) / 08. John Fogerty – Legacy (war nie CCR Fan, und um so mehr erstaunt, wieviel ich mitsingen konnte und wieviel gute Laune mir dieses Album zum 80sten macht) / 09. Little simz – Lotus (Rap, gesungene Passagen und toll instrumentiert) / 10. Thom Yorke und Mark Pritchard – Tall Tales (wild, Radiohead trifft Kraftwerk?, und die Stimme oft spannend verfremdet) / 11. Robert Plant – Saving Grace (Americana, Folk auch mit einer tollen Duettpartnerin) / 12. Jonathan Jeremiah – We come alive (ich mag seine Stimme, die 60s Popsong Stimmung und den Knackbass) / 13.  The Waterboys – Life, Death and Dennis Hopper ( eine Art Konzeptsuite, daraufhin habe ich die Biografie von Ton Folsom gelesen) / 14. Lonnie Holley – Tonky (eine außergewöhnliche Stimme über Musik, die für vieles offen bleibt) / 15. Marc Ribot – Map of a blue city (ich liebe sein Gitarrenspiel und mag seinen unprätentiösen Gesang. Ein toller Nicht-Sänger)

Look at the covers below the grand On Land picture. Name the titles and artists names of all five albums posted there. Go into Sherlock mode, and be advised, it is more diffcult than you might think on first sight. One more time: the exact (!) titles are necessary! Here’s a devil in the details. The first one who sends me the rights answers will get one vinyl album from the big decade spanning boxset by Bruce Springsteen, or, in case you prefer cds, three fantastic ECM cds as a surprise package!

Der Fünfte lag richtig. Die vier anderen verwechselten DUME mit ZUMA.

Vor ein paar Jahren gab es mal einen Streit auf Manafonistas. Es ging um Peter Handkes Buch „Der Chinese des Schmerzes“. Im verwegenen Sound der Neuen Deutschen Unwegsamkeit (NDU) erzählt der Pedda von einem Altphilologen namens Andreas Loser aus der Steiermark. Zu diesem Zeitpunkt war ich gerade mit Büchern aus dem Barock beschäftigt. Damals waren die Buchtitel echte Bandwürmer, die über das ganze Cover kriechen konnten. Und da die Mandarinsaison, wie ihr hoffentlich alle wisst, am nächsten Samstag zu Ende geht, habe ich den Handke noch schnell zu vier barocken Alternativtiteln überredet, in denen nun endlich auch leidende Chinesen zu Wort kommen.

Der Morgen, an dem Hu Schi Fung aus Nanking bei einer unfreiwilligen Handke-Lektüre seine legendäre Schmerzunempfindlichkeit verlor, laut schreiend zum Doc lief, sich ein Rezept für Oxis abgriff und daher erst am nächsten Tag Andreas Losers Laubblasgerät reparieren konnte.

Der Nachmittag, an dem die Frau aus Schanghai unvermutet auf dem von Loser frequentierten Marktplatz im Steirischen auftauchte, einen schmerzensreichen Rosenkranz auf Mandarin betete, und, in der nicht unberechtigten Hoffnung auf einen Obolus der frommen Marktgänger, genügend Reiskörner in einem Topf zu ihren Füßen sammeln konnte, um sie abends in ein Säckchen zu füllen, es am nächsten Tag mit nach Schanghai zu nehmen und aus dem fünften Stock einer Pfeffermühlenruine auf den Sozialschädling (steirisch: ArbeitsLoser) und Konkurrenten um den Bettelplatz fallen zu lassen, was dem Opfer, das sich gerade darauf konzentrierte, seine Erfolg verheißende Anflehmimik aufzusetzen, unverzüglich den Halswirbel brach, schmerzfrei wohlgemerkt, so dass dieser Sermon hier, streng genommen, gar nicht als Kandidat für einen Buchtitel über einen Aua-aua-Chinesen taugt – siehe auch meine Dissertation: Jokes with an inherent potential for self-destruction that ruins the punch line.

Der Abend, an dem der von sieben Speeren durchbohrte Mandarin in Losers Stammlokal aufkreuzte, drei Andreas-Hofer-Kreuzer auf die Theke hinzählte, in Ermangelung von Reisschnaps ein Fläschchen Rübenfusel (150 ml) zum Desinfizieren der Wunden verlangte und sterbend hauchte: Rest ist Trinkgeld.

Die Nacht, in der ein Maschinenbaustudent aus Beijing mit dem Sonnigengemütskoeffizienten von minus 3,5 unerkannt durch Losers Dorf schlich und sich mangels Nachtsichtgerät an Dornbüschen und scharfkantigen Bauzaunelementen böse blutende Schürfwunden zuzog, um am nächsten Tag, pünktlich zur Öffnung von Losers weltberühmten Laubblasgeräteladen endlich mal einen chinesischen Schmerzensmann mimen und auf Losers Frage nach seinem Wohlbefinden in einem herzzerreißenden Konglomerat aus Mandarin und Steirisch seufzen zu dürfen: Muss ja.

Hubert Mania

John Darnielle’s penchant for a concept album has already produced the likes of Beat the Champ (about wrestling), Bleed Out (action movies) and Goths (alternative music in his teens). Now, the 23rd Mountain Goats album tackles – but of course – the story of a small crew shipwrecked on a desert island in which the surviving members, including titular captain Peter Balkan, are plagued by “diminishing resources and apocalyptic visions”.

„At this moment in time it is my No. 12 of my favourite albums in 2025.. And it‘s a grower.“ (m.e.)

Nachdem ihm der Titel im Traum eingefallen war, hat Darnielle sich ganz schön ins Zeug gelegt, um all das zum Leben zu erwecken. Die Instrumentierung umfasst Klavier, Holzblasinstrumente, Streicher, Blechblasinstrumente und Harfe, und die Band bedient sich einer Palette von Genres, darunter Elektronik, symphonische Balladen, Prog und Powerpop. Das Ergebnis ähnelt ein wenig dem Soundtrack zu einem imaginären Musical, da die Songs einen narrativen Bogen spannen – ein Eindruck, der durch die Mitwirkung von Lin-Manuel Miranda als Backgroundsänger noch verstärkt wird.

Die Crew sticht fröhlich in See in dem schönen „Fishing Boat“ („frei wie die Brandung“) und stößt in „Cold at Night“ („am dritten Tag sagtest du, du fühlst dich krank“) auf Probleme. Darnielle ruft trotzig „Niemand hier wird allein sterben“ in dem hämmernden „Dawn of Revelation“ und schreibt in „Broken to Begin With“ gewissermaßen ihr Epitaph.

Dennoch ist dies kein düsteres Album. Es ist aufwendig produziert, voller Galgenhumor und – wie so viele von Darnielles besten Werken – offenbart es unter der Oberfläche tiefere Bedeutungsebenen über Menschlichkeit, Zusammengehörigkeit und die kostbaren Freuden des Lebens.

Dave Simpson, The Guardian

Thomas Morgan’ debut album, Around You Is a Forest (Loveland Music), reveals a dimension of Morgan’s artistry long hidden from public view: his lifelong engagement with computers, programming, and hacker culture. The record is built around WOODS, a virtual string instrument Morgan designed in SuperCollider, an open-source software environment for real-time audio synthesis and algorithmic composition. WOODS evokes the sound of plucked and struck string instruments — West African lute-harps, Asian zithers, the Hungarian cimbalom, marimbas — while operating according to generative code that Morgan shaped into a living, evolving instrument.

Jeder Titel ist ein Duett zwischen WOODS und Dan Weiss (Tabla), Craig Taborn (Keyboards, Feldaufnahmen), Gerald Cleaver (Schlagzeug), Henry Threadgill (Flöten), Ambrose Akinmusire (Trompete), Bill Frisell (Gitarren), Immanuel Wilkins (Altsaxophon) und Gary Snyder (Gesang). Morgans erste Erfahrungen mit dem Programmieren machte er bereits in seiner Kindheit in Hayward, Kalifornien. Sein Vater, ein Professor für Informatik, machte ihn mit Spielen wie „Where in the World Is Carmen Sandiego?“ und „Myst“ bekannt – und brachte ihm dann bei, wie man hinter die Kulissen schaut. „Als ich ihn fragte, zeigte er mir, wie man eine SimCity-Datei in Hexadezimalcode bearbeitet, um die Stadtkasse aufzubessern“, erinnert sich Morgan. „Zu verstehen, wie die Dinge tatsächlich funktionierten, eröffnete mir eine ganz neue Welt.“