„What can ordinary be“ (on a sunny afternoon)
Ich bin viel zu sehr am reinen Hören interessiert, um je ein besonderes Faible für Songvideos entwickelt zu haben, aber dieses ist eine Ausnahme von der Regel, ganz gleich, ob man Song und Bilder werkimmanent deutet oder biographische Fakten hinzuzieht. Als es mir noch vorschwebte, Deutschlehrer zu werden, interessierten mich beispielsweise die diversen Interpretationsverfahren, Herr Gadamer und der „hermeneutische Zirkel“ so sehr wie die Freuden der Konkrete Poesie (ich belegte Proseminare zu beiden Themen, und sehe noch heute Ernst Jandls „Laut und Luise“ auf meinem Nachttisch in Münster liegen, neben einer alten Tonbandmaschine mit vielen Leonard Cohen-Liedern und einer Sendung von Winfrid Trenkler über Soft Machine).
Auf jeden Fall ist Robert Forsters „Butterflies“, geschrieben mit ohne seine Lebensgefährtin Karin Bäumler, und dargeboten „at home“ mit Karin und einer aufmerksamen Katze im Garten (oh, Fusel klopft gerade ans Fenster und will eine kurze Sommerpause einlegen), ein Meisterstück, was filmische Inszenierung, Song und Lyrics betrifft. Mir erscheint es auch alles andere als weit hergeholt, hier eine Spur Ray Davies zu wittern (so wie mir bei einem Song von Alabaster DePlumes neuem Werk Schwingungen einer Platte von Donovan in den Sinn kommen namens „Wear Your Love Like Heaven“).
Einmal, als die beiden Go-Betweens mir gegenüber sassen, erzählte ich ihnen, wie ich ihr allerwrstes Album im Nördlichen Bayerischen Wald hörte, mit dem langen Song als Favoriten, und dass es nur ein Katzensprung von Grasfilzing nach Regensburg war, früh in den Achtzigern. Ich nannte „understatement and passion“ die „basics“ in ihrem Songbuch. So viele Jahre später jetzt. Hier, in diesem Song ist das wieder so eine spezielle Mischung: unendliche Nonchalance auf der einen Seite, das Dunkle, Unheimliche schimmert auf der anderen durch, genauso wie eine weiter zurückliegende magische Zeit: man kann es werkimmanent betrachten, Biografien als Folien drüberlegen. Selbst Lee und Nancy würden staunen und einen Sommerwein entkorken.
(m.e.)
The spirit of Emily Dickinson, other powerful ingrediences of „Manafon Variations“, and more – ein Interview mit Jan Bang und Erik Honoré
Michael: You and Jan were only in parts involved in the making of „Manafon Variations“, but your impact on some tracks was very strong. How do you see the place of this album in David Sylvian‘s work?
Erik Honoré: Looking back on Died in the Wool – Manafon Variations, I see it as an extension and deepening of the world Manafon created – a work that retains the starkness and unpredictability of the original, but introduces new layers of texture, arrangement, and atmosphere. While Manafon was characterized by its raw, almost documentary-like approach to improvisation, Died in the Wool reshapes and recontextualizes those elements, offering a more sculpted and immersive listening experience. The album highlights David’s ongoing willingness to revisit and reinterpret his work, allowing new voices and techniques to subtly shift its meaning.
Michael: As I remember, you and Erik found a deep source of inspiration in David Sylvian‘s solo albums from start on. Do you still return to them every once in a while, or is it so much in your visceral memory that it is more a living presence in your unconscious? And do you have a favourite album? Mine was always „Brilliant Trees“…
Jan Bang: After a performance at Cafe OTO last summer, Nina, my wife and I had a coffee in London with Yuka Fujii, David’s long time creative partner. She mentioned her favorite track, the title track from Brilliant Trees. It builds heavily on Jon Hassell’s work around that time of Possible Musics , Dream Theory in Malaya and Aka Darbari Java. David told me about the recording process and meeting Jon who was 15-20 years his senior. Having the vision of how the combination of the organ chords and Jon’s trumpet would be intertwined. I guess vision combined with a great deal of stubbornness is needed to come out on the other end of a recording session with something interesting. I love that track and the unusual combinations. David has a unique way of finding the right people at the right time. Then make something out of it.
Erik: Brilliant Trees was important to me when it came, as a transition from pop and surface to something more profound, but his third solo album Secrets of the Beehive has always been a particular favourite. I feel it represents the essence of all of David’s approaches and influences up until that point, in a distilled form. Natural, seamless and free, both musically, lyrically, and sonically. There’s a clarity to it, a kind of effortless depth, that makes it feel timeless. I do return to his early solo albums from time to time, but in many ways, they’ve become more of a „living presence in my unconscious“, as you say. Their atmosphere, their emotional and sonic landscapes, are so deeply ingrained that they don’t need to be consciously revisited—they just exist as a reference point, a shared language, a sensibility that still can be drawn upon in new ways.
Michael: There was a change of direction in David’s work with „songs“ that started with „Blemish“ and its remix album. Free improvisation, so-called „free jazz“ and other aounds beyond the mainstream entered his work up to „Manafon“ and „Manafon Variations“. For many listeners this was a watershed, like the one of Talk Talk when they made „Spirit Of Eden“ and „Laughing Stock“. On „Manafon“ David inspired a group of improvisors to build the foundation of the album with a series of free improvs. Afterwards he sang over carefully assembled parts of it. On „Manafon Variations“ the process was the other way round. His singing already existed and was to a great extent the starting point for finding new surroundings for the voice. Was this quite a creative challenge?
Erik: I wouldn’t describe it as a challenge so much as an inspiration, a „roadmap“ – something that provided direction rather than resistance. It was a cross between producing and creating that felt both familiar and inspiring, something that we had already explored in other collaborations with David, where I was more strongly involved than on on Manafon Variations. The process was very much about finding new landscapes for his voice, building something around his existing vocal performances.
That approach—creating a sonic world in response to his voice—was something we also did on Do You Know Me Now, where we constructed the arrangement around his guitar/vocal demo, and on Uncommon Deities, which had a spoken-word foundation. You are of course right: David’s shift toward free improvisation and more abstract forms of music, starting with Blemish, was certainly a turning point, as significant as Talk Talk’s transition from The Colour of Spring to Spirit of Eden—a leap into something raw, instinctive, and far removed from traditional song structures.
But while Manafon built its foundation from collective improvisation, Manafon Variations flipped that approach: His voice was already there, and the task was to build an environment around it. That process wasn’t about overcoming obstacles; it was about discovery, about allowing the music to emerge in response to something that was already present.
Michael: Let‘s come to two pieces you were involved in. One example: „A certain slant of light“. How did you approach the piece? At the last passage, there was this beautiful instrumental coda with Arve‘s trumpet.
Jan: This part was created using existing samples of Arve, performed on my sampler in the Punkt Studio. I’ve long since moved the studio location, but thinking of this piece I can clearly visualize the recording space. Performing these trumpet samples, turning them around, the sampler is a shapeshifter. Something that could not necessarily have been done by recording Arve Henriksen´s trumpet directly. Different techniques create different results.
Michael: Then there was this piece „I Should Not Dare“. The words by Emily Dickinson. In my review at the time i wrote, i could imagine this being a 20 minute track, it is so relaxed and condensed at the same time, rich in details and poetic impacts, „an index of pissibilites“ so to speak… Can you say something about the way this little thing grew to its kind of perfection…. And a memory of working on it (with the ghost of Emily Dickinson around…)?
Jan: We struck gold with that specific piece. Christian Fennesz had done a guitar overdub on David’s basic vocal/acoustic guitar recording and sent it to me. I added the surroundings: the sudden bass note, the synth sample I had from a concert with Ståle Storløkken, the strings etc that changed the harmonic structure in certain selected parts. It is very open in terms of „sound population» for the lack of a better word. It breathes.
Michael: Now „Manafon Variations“ received their first ever vinyl edition, as a double album. I think, what once was confusing the listeners‘ expectations (who wanted to listen more classic songs) today seems much more accessible, easier on the ear even for new listeners. It may be the last album of David, the singer, but it is surely not coming from the ivory tower. Do you agree?
Erik: I do agree. When Manafon and later Died in the Wool – Manafon Variations were first released, they challenged many listeners’ expectations. But over time, I think these albums have settled into a different place in his catalog, where their accessibility is no longer measured by traditional structures, but by the immersive quality of their soundworlds. Perhaps that’s a reflection of how our ears and expectations have changed, or maybe it’s just the natural way music finds its audience over time.
If this does turn out to be the last album of „David, the singer,“ it’s certainly not a work from an ivory tower. There’s too much humanity in it, too much presence and engagement with sound, with words, with the musicians he surrounded himself with. For me, the experience of collaborating with David Sylvian on various projects was never about making something remote or impenetrable—it was about responding to something deeply personal and expressive. And I think that’s why the music still resonates. It asks something of the listener, but it also rewards in ways that continue to unfold long after the first encounter.
Michael: Looking back, how was that teamwork with David going on in regards to the two pieces I asked you about? Fighting? Easy going?
Jan: Really easy going and given total freedom from David’s side to express ourselves. However, on a personal level I am most happy about the Emily Dickinson piece which is only based on small samples that form a mosaic of colors.Erik: The collaboration with David on Died in the Wool, and for me personally even more on Uncommon Deities, flowed very naturally. One of the things that made working with him so rewarding was the balance he struck between creative freedom and extremely precise feedback. He has this ability to provide razor-sharp, informed guidance—never imposing, but always illuminating. His comments are never vague; they are direct, insightful, and always about serving the essence of the music. That combination of trust and precision made the processes not just easy-going, but deeply inspiring. His approach isn’t about control, a „top-down“ approach, but about bringing clarity to the work—helping to shape and refine ideas without limiting their potential. That’s why these long-distance collaborations never felt like a struggle or a negotiation; they felt organic, like a conversation where each exchange moved the music forward in a meaningful way.
Michael: A last question. It is very impressive how David Sylvian explores the range between speaking and singing. I think, this adds to the magic very much. At one point, maybe on the last piece, he is even singing straight away, like in a song from the older days, but only two verses as a counterpoint…. On other tracks there is a very thin line between spoken word and singing….
Erik: David’s ability to explore the space between speaking and singing is one of the compelling aspects of his artistry. It’s a space where emotion is distilled, where meaning is heightened, and where the listener is drawn in by the sheer intimacy of his delivery. On Died in the Wool, there are moments where his voice almost slips into what we might call a “classic song” structure, only to pull back, reminding us of the deliberate tension he plays with. This ability to move fluidly between expressions adds to the magic, creating a sense of expectation and, at times, an almost ghostly presence. That same sensibility is something Jan and I have also encountered in our collaborations with Sidsel Endresen. We are so privileged. Sidsel, like David, has an unparalleled instinct for phrasing, tone, and texture—she can make a single, wordless syllable feel monumental. Both of them push the boundaries of what a voice can be, making every moment feel necessary.
Postscriptum: PARTS OF THIS INTERVIEW WILL FIND THEIR WAYS INTO KLANGHORIZONTE (DEUTSCHLANDFUNK) MARCH 27, 9.05 p.m. / That radio hour can be heard a week long after airplay at Deutschlandfunkfunk, and, at another place, forever and a day (but only, If the „5 hour production“ on March 26 will live up to my expectarions). Many thanks to Erik and Jan for entering memory lane and offering so much insights! Apart from this day within our blog diary, this conversation will be part of our monthly revelations in April. With a slightly changed sequence of photos and covers.
By the way, the last albums by or with Jan Bang and Erik Honoré can be found on Bandcamp and PUNKT EDITIONS incl. Erik‘s „Triage“, Jan‘s „Reading The Ear“, his duo album with Eivind Aarset titled „Last Two Inches of Sky“ (HERE an old radio hour with the two!) Sidsel Endresen‘s „Punkt Live Remixes, Vol. 2“ (LISTEN NOW!) or „The Bow Make“, a collaboration of Jan Bang and Daj Fujikura, the Japanese composer strongly involved in „Manafon Variations“. And HERE an old hour of Klanghorizonte with Erik‘s Triage album!
Eine ruhige, fesselnde Inszenierung
In der Ard Mediathek ist derzeit die beste deutsche Kriminalserie zu finden seit der zweiten Staffel der „Toten von Marnow“. Es beginnt wie ein „Allerweltstatort“, aber rasch merkt man, dass hier mit viel Diskretion, genauer Beobachtung, und einer grossartigen Nina Kunzendorf als Kriminaloberrätin, eine Ausnahme vom Mainstream zu erleben ist. Es menschelt nicht wie blöd, keine schrulligen Dienstleiter im Dauereinsatz.
Sowieso liegt der besondere Augenmerk auf der Spurensuche, der über einen langen Zeitraum sich ereignenden Spurensuche, der Erschöpfung des Teams. Sehr viel ist in kleinen Szenen zu erleben, der Humor so fein dosiert, dass er erstmals nach einer halben Stunde kurz in Erscheinung tritt. Und sich sowieso rar macht. Die Musik ist sensationell diskret, feingearbeitet, und ein zusätzlicher Anreiz der „Soko Sonntag“, wie einer der vier Teile getitelt ist, beizutreten.
Der grosse Fehler und Abzug in der B-Note beim zweiten Teil der „Toten von Marnow“, war, dass es am Schluss in Teilen unglaubwürdig inszeniert und geplottet wurde, etwas „over the top“ (anders als bei Staffel 1). Auch war der Soundtrack etwas zu grell. All das ist bei „Spuren“ wunderbar austariert.
Und einen kleinen Mundartkurs bekommen wir bei „Spuren“ kostenlos dazu geliefert. Aber keine Sorge, „pascht scho!“ Aber, ähem, sind wir da in der Gegend von Lauenburg im Hessischen oder Badischen? Egal. Leises grosses Kino. Based on true events. Ja, und ab und zu leiser Humor, zum Beispiel in der Szene mit Ermittler Bernd und dem Apfelkuchen von Muttern!
Ich kann dem Soundtrack gar nicht hoch genug loben. Es lohnt sich, wenn man die Serie sieht, zwischendurch auf das alustische Beiwerk zu achten, das hier keine Gegenwelt öffnet, keine zweie Story erzäht, aber sehr, sehr fein die jeweilig herrschenden Stimmungen auslotet, erweitert, vertieft.
(„Kleine Welt!“, möchte ich da ausrufen. Ein erhellender neuer Kommentar von Ingo macht uns mit der Region und dem Regisseur etwas vertrauter – bleibt die Frage, ob Ingo auch den Dialekt eimst beherrschte, als er dort einen Teil seiner Kindheit erlebte)
Thoughts about an interview in the making
Eine Weile, bevor David Sylvians „Manafon“ erschien, sprach ich mit dem Engländer über das Album, im hintersten Winkel eines Hotelflurs, neben schattigen künstlichen Pflanzen. ich hatte eine schwere Erkältung, und einen privaten Todesfall hinter mir, und wenn man als Journalist David Sylvian begegnet, trifft man in der Regel auf ein höfliches, sachliches Gegenüber – Herzlichkeit, funny stories, jede Form von Begeisterung, all das ist und war Mangelware bei meinen drei Treffen mit Sylvian. Auch bei jenen anderen, zu denen ich in bester Laune aufbrach. Eine Zeitlang war mein Interview auf seiner Samadhi-Sound Seite anzuhören, irgendwann verschwand es. Damals galt es erstmal genau zu verstehen, wie es David Sylvian überhaupt anging, über radikal freien Improvisationen seine Gesänge zu entfalten, und der guten alten Tante Song ein frappierend anderes Design bereitzustellen. Innerhalb von zwei, drei Jahren kamen zwei Alben heraus: „Manafon“ und „Died In The Wool – Manafon Variations“.
Vor wenigen Wochen erschien letzteres erstmals auf Vinyl, als Doppelalbum. Neue Mitspieler und Ko-Komponisten, andere Landschaften für seine Stimme auf ihren Erkundungsreisen durch eine dunklere Welt. Ich fand es nach all der Zeit verblüffend, wie leicht und schwebend ich diesen „twin albums“ folgen konnte. Egal, wie „noir“ manche dieser Stunden wahrer Empfindungen daherkamen, etwas Erhebendes geselllte sich diesen „Song-Meditationen“ bei. Ich befragte nun Jan Bang und Erik Honoré zu ihrem Anteil an den Variationen, und wie sie die Musik von damals heute erleben. Auch im Hinblick auf die Klanghorizonte vom 27. März, für die ich ein oder zwei Stücke der „Variationen“ fest eingeplant habe. Es wird wohl das letzte Album von David, dem Sänger, gewesen sein. In Kürze dann hier, wenn alles klappt, das Frage-Antwort-Spiel. Und die gern ausgeprochene Einladung, „Manafon“ und „Manafon Variations“ wieder mal in Ruhe auf sich wirken zu lassen.
Am Morsumer Kliff
Kaum gefährlich, ausser für Schwindelanfällige, der Rundweg durch eine uralte Landschaft, falsches Schuhwerk für die zwei matschigen Passagen, hinterher Zwiebelrostbraten von der Keitumer Landschlachterei, Nachbilder sich im Wind wiegender Ähren, Richtung Watt. Am frühen Nachmittag lausche ich dem neuen Album von Alabaster, und wähle hinterher aus dem Interview aus , was er über „tenderness“ sagt, über „healing“. Ohne einen einzigen falschen Ton – selbst die auf seiner Langspielplatte sind goldrichtig. Entwaffnend. Neben dem einen oder anderen Album für die Klanghorizonte ist Roger Enos „Voices“ aus dem Jahre 1985 on high rotation, hier in meiner Ferienwohnung. Eine Wiederveröffentlichung macht Sinn. Am besten zusammen mit dem anderen 1985‘er Werk aus den Grant Avenue Studios in Hamilton, Ontario, Michael Brooks „Hybrid“. Ich weiss noch, wie die zwei Langspielplatten im Sommer jenes Jahres erschienen (in meiner Erinnerung), und ich einen kleinen Text des Produzenten Brian Eno las, der von dem „impact“ von Klängen handelt, die abseits des „Angesagten“ entstehen.Big Change Is Coming
„Revolutionäre träumen tagsüber. Sie träumen vorwärts und zwar gemeinsam.“
Da kann man nur hoffen, dass die amerikanischen Protestler in diesem Modus sind. Arcade Fire geht das nicht schnell genug. Die kanadische Band klagt in ihrem Song „Generation A“: „I can‘ t wait wait wait wait, I‘ m not a patient man…“ Neil Young, mein „hero forever“, schreitet durch eine verschneite Winterlandschaft mit einem Blockbuster unterm Arm und verkündet laut und stark: „BIG CHANGE IS COMING“. Wir hören täglich die Horrornachrichten aus der untergehenden „free world“. War die mahnende Stimme der Erzbischöfin während einer Messe, in der Trump sass, er solle sich mässigen, die singuläre Aufstandsstimme, die ein bisschen Hoffnung machte? Reichen die Aktionen der entlassenen Ranger des Yosemite Park, die die amerikanische Flagge kopfüber aufhängten? Ist es eine Option, die USA zu verlassen, was Cher überlegt? Ich bin ein Kind der Protestsongs. Viele der Musiker, die damals engagiert waren, leben noch. Alt und müde? Nun ja, sie treten noch auf: Bobby, Bruce, Joan, Joni… Sich still zu verhalten bzw. sich zu weigern, den Namen des Wüterichs in den Mund zu nehmen, reicht nicht. Ich bin gespannt, ob bei der Oscarverleihung heute Nacht Protest- bzw. Solidaritätskundgebungen stattfinden. „MASTERS OF WAR“ hätte Programm sein können. Bob Dylan wäre der Visionär geblieben. Nun heißt der Film über ihn A COMPLETE UNKNOWN. Man darf gespannt sein, ob „Der Brutalist“ gegen den Dichter gewinnt.
Spiel mit dem Unbekannten – ein kleines Porträt von Paul Bley aus dem Jahr 1992
DER LINK
Dank des „Radiohoerers Henry“, und dank unserer Redaktionsassiatentin Martina Bedzent liegt nun der Link vor zu einer Ausgrabung aus den Archiven. Anno 1992. Als Einstimmung ein Text aus alten „Mana-Zeiten“:
Herzlichen Glückwunsch, wenn Sie dieses Trioalbum besitzen, in knisterndem Vinyl, mit Paul Bley, Bill Connors und Jimmy Giuffre. Sie haben eine Rarität in Händen, ein lang vergriffenes Stück Historie, einen kleinen Meilenstein. Ich bekam diese Platte, wenn ich mich recht entsinne, von Jazz by Post zugeschickt, meinem Pasinger Stammlieferanten für aufregenden Jazz in den 70er und frühen 80er Jahren. Carol Goss hat das Cover mit schneller Hand gezeichnet, in kurzer Zeit den Ideen in ihrem Kopf flüchtigen Halt geboten. Paul Bley hatte damals ein eigenes Schallplattenlabel ins Leben gerufen, Improvising Artists Inc. (I.A.I.). Auf einem anderen Werk spielte er an der Seite des Sun Ra -Companion John Gilmore. Und da war sein Solo-Piano-Album „Alone, Again“: ganz nah kam es heran an den Zauber seines Klassikers „Open, To Love“ (ECM). Ein Meister der Andeutung, der Pausen, des Ausschwingens einzelner Töne. Auf „Open, To Love“, erzählte er mir früh in den Neunzigern, in einem Bremer Hotel, wollte er (neben allem, wer da eine Rolle spielte, Carla (Bley), Annette (Peacock), ihre Präsenz, ihre Schatten, ihre kargen Kompositionen), die Hüllkurven von elektronischen Sounds auf dem Flügel nachempfinden. Aber zurück zu der anfangs erwähnten Schallplatte: „Quiet Song“ ihr Titel, und Sie sollten, statt jetzt eine Rezension zu erwarten (in der dann Worte auftauchen würden wie „skelettiert“, „leuchtend“, „Gesänge“, aber natürlich auch „Jimmy“ und „Bill“, dessen schönstes Soloalbum „Theme From A Gaurdian“ bitte bald von ECM wieder ans Tageslicht befördert werden möge), sich langsam, aber sicher auf die Suche machen nach dieser Produktion, vorausgesetzt, Sie mögen flüchtige, widerständige Töne!
Different kinds of ecstasy (2)
Als ich Weihnachten, im Jahr 1 nach dem Ende der Beatles, das Gatefold-Cover von „Blue“ aufklappte, waren dort (in meiner Erinnerung zumindest) alle lyrics zu lesen.
Und anders als später im Leben, als 30 Jahre Radio und Klanghorizonte das eher selten erlaubten, gab es Langspielplatten, die über Wochen den Plattenspieler blockierten. Mir fällt aus der Zeit nach den Kinks und den Beatles Chick Coreas „Return To Forever“ ein. Aber auch die erste aller Solopianoalben von ECM, Chicks „Piano Improvisations, Vol. 1“.
Im nachhinein ins Visier genommen (aber das Nachhinein ist nicht von Bedeutung), befördert die überragende Aufnahmequalität der Studioproduktion von „Blue“ oder den „Piano Imprivisations, Vol. 1“ das Empfinden, ohne Wenn und Aber einen einzigen Raum zu teilen…. die Stimme, der Zuhörer, die Gitarre, das Piano, das Kerzenlicht, die geschlossenen Augen – und sowieso der Wind aus Afrika…. ähnlich bei der über Seite 2 der Improvisationen schwebende Frage „Where Are You Now?“
„The wind is in from Africa, last night I couldn‘t sleep.“
Sowas von egal, ob es eine Chromdioxydkassette ist, „dead quiet“ Vinyl, dezent verrauschte Mittelwelle: im Innersten berührt zu werden, ist keine Frage der ultimativen Version. Es ist wie bei der Einnahme psychedelischer Substanzen oder bei luziden Träumen: Set und Setting müssen stimmen: kein Zauber ohne die Öffnung der Empfangsorgane, all die kleinen Rituale, sich einzustimmen.
In den nicht mehr so jungen wilden Jahren, hat es das eine und andere Album dann doch geschafft, nächtlicher wie täglicher Begleiter zu sein, round and round and round, 2019 zum Beispiel, Steve Tibbetts, „Life Of“. Manche erleben dieses Album des Mannes aus Minneapolis so, dass sich die einzelnen Stücke doch sehr ähneln, bis, ja, bis die Wahrnehmung in eine ganz andere Richtung kippt, und aus der ersten Enttäuschung wird oft genug erstmal eine Verblüffung, und dann ein konstanter „state of wonder“.
Singulärer insulärer Traumstoff.
„What game shall we play today?“
Die Zeit läuft.
Time runs fast.
Time passes slowly.
Runde Geburtstage mit Marshall und Leonard
„My voice has gotten very very deep over the years and seems even to be deepening. I thought it was because of 50,000 cigarettes and several swimming pools of whiskey that my voice has gotten low. But I gave up smoking a couple of years ago and it’s still getting deeper … My voice really started to change around 1982. It started to deepen and I started to cop to the fact that it was deepening.“ (L.C.)
Die tiefer und tiefer werdende Stimme von „the man with the golden voice“ lässt sich gut hören auf „Various Positions“ von 1984. Damals hatte er sogar einen Auftritt mit „Hallelujah“ in Frank Elsners „Wetten, dass…“, was ich so surreal fand wie das das Logo von „Hörzu“ auf der deutschen Erstausgabe von „Sgt. Pepper“. Aber eines nach dem andern. Vor ziemlich genau zehn Jahren, am 14. März 2015 (so erinnere ich es jedenfalls), war ich im Kölner Stadtgarten, und feierte, ein paar Stunden ganz allein, meinen „runden“ Geburtstag. Auf der Bühne, zarte neunzig Jahre alt, Marshall Allen, und ein Konzert, das mir serienweise Gänsehaut bescherte. Drei Jahrzehnte zuvor, am 14. März 1985, feierte ich, einmal mehr für mich (oder war der Bruder meiner Ex-Verlobten dabei?), in Essen einen anderen „runden“ Geburtstag. Wie ihr merkt, ist das ein ganz persönliche Geburtstagserinnerungsstory.
In der Grugahalle erlebte ich Leonard Cohen in hervorragender Verfassung (obwohl neben mir ein Rockfan mit Halbglatze sagte, er wolle den „alten Sack“ (der damals 50 war) noch einmal live erleben. Ich erfuhr später, wie verliebt die Sängerin an seiner Seite, Jennifer Warnes, in Cohen war, was bald zum Bruch der Freundschaft führen sollte). Es war wunderbar, und auf der Rückfahrt von Essen nach Dortmund lernte ich eine Frau aus Neuseeland kennen, und ich erzählte ihr von dem Konzert (sie liebte seine Musik), und wir sprachen über die Flüchtigkeit der Zeit. Es war ein Sechserabteil, ganz dunkel mit winzig-warmen Leselichtern, und sie gab mir ein Zeichen, zu ihr zu kommen.
Wir umarmten uns heftig, wir küssten uns, hielten uns umschlungen – und landeten eine halbe Stunde später in einem Hotel in Bahnhofsnähe (sie unterbrach ihre Reise nach Berlin „my birthday present for you“, sagte sie). Nach dem Sex spielten wir ein Spiel und nannten uns abwechselnd Titel von Leonards Liedern. Wie Flüsterworte zum Einschlafen und Wachbleiben. „Dance Me To The End Of Love“ war natürlich dabei. Wir verstanden uns unheimlich gut und waren, glaube ich, vielleicht drei Tage und Nächte davon entfernt, uns ineinander zu verlieben.
Nun, zehn Jahre nach dem Marshall Allen-Auftritt in Köln (wild, verwegen) , bin ich auf dem Weg nach Sylt, und höre, zwei Wochen vor meinem nächsten „runden Geburtstag“, das Solodebüt des 100-jährigen Saxophonisten Marshall Allen, der seit 1995 das Sun Ra Arkestra leitet, eine charmante, selbstbewusste Reise durch Klangstimmungen, die er im Laufe seiner Karriere erforscht hat. „Mehr als sonst lässt er nostalgische Momente zu, und wer soll es ihm verdenken?!
Aufgenommen mit Hilfe von Arkestra-Mitgliedern (schade, dass John Gilmore nicht mehr unter uns weil), und Gästen wie Neneh Cherry, ist „New Dawn“ ein wunderbar ausgewogenes Album: „die Space Lounge-Musik von „African Sunset“, der „Crime Jazz“ von „Sonny’s Dance“, die barock angehauchten Grooves von „Boma“. Die klassische Komposition „Angels And Demons At Play“ schließt das Album ab und enthält Momente, die die Musik des Arkestra in eine weitere galaktische Richtung schicken.“Soweit Peter Watts in der Aprilausgabe von Uncut. Alabaster DePlume erzählte mir ja neulich, wie sehr er das alte namensgleiche Album von Sun Ra in sein Herz geschlossen hat. Seine von mir heiss und innig geliebte neue Arbeit erscheint am 14. März, es wird meine „Geburtstagsplatte“. In meinem schwarzen Wintermantel und Schal sitze ich eingemummelt auf einer Bank, und lese das erste Kapitel von Mark Doyles Buch über die Kinks zuende. Und mir geht der Song „See My Friends“ durch den Kopf, der gerade noch im Auto lief, drei- viermal hintereinander.
Die schönste Geburtstagsparty meines Lebens war im März 62, als ich sieben wurde. Zurli war dabei, und mein Blutsbruder Matthias sowieso. Es gab Sandkuchen und Kakao, und abends den Tiefseetaucher Mike Nelson. Es sollte noch ein paar Jahre dauern, bis zu den Monkees, und bis „See My Friends“ aus einem silbernen Transistorradio tönen sollte, und es ist keine Halluzination, wenn man darin Klänge mit mehr als einem Hauch einer Sitar vernimmt. Ray Davies war in den Ferien am Ganges (so erinnere ich die Story jedenfalls), und sah den Fischern zu, wie sie ihre Netze einsammelten. Er vermochte es, Freunde und Seelenverwandte aufzuspüren, in der grösstmöglichen Ferne, in der Nachbarschaft beim „five o-clock tea“, oder als er das erste Mal eine Schallplatte von Big Bill Broonzy auflegte (m.e.)
Fall. Float. Love.
„Die ätherische Stimme von Julee Cruise ist für die Welt von Twin Peaks so unverzichtbar wie Kirschkuchen und Dale Coopers Träume, und doch hätten wir sie vielleicht nie gehört, wenn David Lynch mehr Geld gehabt hätte. Er wollte This Mortal Coil’s Cover von Tim Buckley’s „Song To The Siren“ in Blue Velvet einbauen, konnte sich aber die Rechte nicht leisten. Der Komponist Angelo Badalamenti, der bald für den Rest seiner Karriere Lynchs Ansprechpartner werden sollte, wurde stattdessen mit der Aufgabe betraut, ein originelles Musikstück für den Film zu schreiben, wobei er außer der Formulierung „Mysterien der Liebe“ (dem späteren Titel), und der Idee, dass der Song „auf dem Meer der Zeit treiben“ sollte, und David Elizabeth Frasers Stimme im Sinn hatte, kaum Anweisungen erhielt. Badalamenti hatte Cruise gerade bei einem Theaterworkshop kennengelernt und holte sie zu sich. Das Ergebnis ist ein einzigartig glühendes Stück Musik, schimmernde Poesie, belebt von Cruises schwindelerregender Engelsstimme. Blue Velvet ist ohne sie unvorstellbar.“ (Ana Gaveilovska, May, June 2025)