Here comes a radio story, but before that old repertoire anecdote, here are my three radio show dates of 2026: 22. Januar, 21.05 Uhr – „Die Minesota – Kathmandu – Connection“ („die ECM-Jahrzehnte von Steve Tibbetts“) // 28. Mai, 21.05 Uhr „Klanghorizonte“ // 24. September, 21.05 Uhr „Klanghorizonte“

Charm and a smile are involved when you listen to an old album and fall in love (at least a little bit) with it decades after it has seen the light of day. In this case I blame it on a young woman that I never gave Tangerine Dream a real try. It must have been 1976, summertime, when i listened to Zündfunk radio in Würzburg, Michael Hütter at the microphone, and TD in the middle of their Virgin years. Hutter invited guests, listeners of the show, from time to time. I thought „hey“, i thought „wow“, i liked her voice (soooo much), as i liked what she said. „There is more resistance in the music of Brian Eno than in the works of Tangerine Dream.“ I swear she used the word „Widerstand“. At that point I thought of Tangerine Dream as free floating drug music anyway, nice, yes, but a bit relying too much on special effects and the newest sounds from the day. My few listenings (and this girl‘s words) sealed the deal of my nearly life long distance with TD. I was so impressed by that radio voice, I was thinking hard of how to reach out for her. I didn‘t. I think she‘s still alive and kicking.

1) Paul Bley: Open, To Love (ECM) 2) Bennie Maupin: The Jewel In The Lotus (ECM) 3) Tim Buckley: Happy Sad 4) Miles Davis: Agharta 5) Spain: The Blue Moods Of Spain 6) Garbarek / Brahem / Hussain: Madar (ECM) 7) Ø: Sysivalo (archival discovery) – „an austere, yet texturally rich strand of icy minimalism, these recordings from the Pan-Sonic co-founder Mika Vainio felt like sanctuaries crafted from permafrost.“ 8) Arthur Russell: Open Vocal Phrases Where Songs Come In And Out (archival discovery) 9) Tangerine Dream: Phaedra 10) David Sylvian: Manafon Variations (My interview on „Manafon Variations“) 11) The Passengers: Original Soundtracks, Vol. One 12) Keith Hudson & Soul Syndicate: Nuh Skin Up Dub

Alice Fischer hat einen feinen Text über Christian Petzolds Film „Miroirs, No. 3“ geschrieben, und Brian Whistler en detail, was ihn an den Serien „Pluribus“ und „Severance“ sowie der von Peter Jackson neu aufbereiteten „Beatles Anthology“ (Disney) so fasziniert hat. Ich habe ein paar Zeilen geschrieben über das allerfeinst gewobene Songalbum „Daylight Daylight“ von Steve Gunn, und feile noch ein wenig an meiner derzeitigen „12 best of-Garbarek“-Liste, weil mich die Neuauflag von „Madar“ (aus der ECM Vinylserie „Luminessence“) rundum begeistert. So bleibt die letzte lange Klanghorizonte Nacht des Deutschlandfunks vom Herbst 2021 noch einen weiteren Monat zu hören (alle fünf Stunden), und auch das Interview mit Annette Peacock bleibt mit seinem launigen „screenshot puzzle“ erhalten. Und last, but not least: Jan Reetze hat die erste deutsche Biografie des Produzenten Joe Meek geschrieben – ein toller Trip in eine alte Zeit! Ich habe diese Vita sehr sachlich vorgestellt, ohne sie mit all den sehr geschickt eingeflochtenen Stories, Anekdoten, Spekulationen, und Überraschungen zu unterfüttern. Der Leser wird staunen über das, was da alles los war!

Putting together  
a year’s end list is like  
playing solitaire by the window. 

EINS Steve Tibbetts: Close  (Steve Tibbetts‘ new album is sailing stars. It is a kind of shadow play, too. The love of life, the losses. It is glowing from start to end, with two, three explosions along the way. Things can explode in quietude, too, on this haunting melange of electric and acoustic guitars with discreet and, sorry to repeat myself, „glowing“ percussion every once in a while. A thousand miles away from an old hippie‘s shangrila. Hotel California has shut its doors.

The playing of the Minneapolis-based musician is instantly recognizable: it circles around small rhythmic-harmonic sound cells with all kinds of drone sounds and finest beats— and, breathtaking, though never forgetting to breathe: the silences, the minimal zero points, the moments of nothing lasting fractions of a second or two.

„CLOSE“ is like a dark Rothko painting on fire, in purely metaphorical and sensual ways. The tracklist reads like a Samuel Beckett poem. And, in regards to these invocations, I ask myself: how can something „noir“ like this be so elevating, so heartwarming?!

And now, a mood line, and a timeline with a twist: Pharoah Sanders has made „TAUHID“, Jan Garbarek has made „DIS“, Van Morrison has made „VEEDON FLEECE“, Julian Priester has made „LOVE, LOVE“, Julie Tippetts has made „SUNSET GLOW“, David Darling has made „CELLO“, Laurie Spiegel has made „THE EXPANDING UNIVERSE“, Arve Henriksen has made „CHIAROSCURO“, Bill Callahan has made „APOCALYPSE“, Lambchop has made „SHOWTUNES“, and Steve Tibbetts has made „CLOSE“.

Glowing affairs all of them. Honestly, this album breaks my heart.)

ZWEI Brian Eno & Beatie Wolfe: Liminal  (The voice, close-miked,  has an unexpected range of  intimacies to offer, but is not really reliable, coming along like an uncanny entity, ghost-like, a figure from a dream, a meditation on human fragility, a delicate splash of colour.  What a seamless balance between the moments on the brink, and the almost warm-hearted adventures with „oceanic“ vibes in between!  Exit strategies for sheer amazement are hard to find on this visionary, wild and strangely relaxed ride!)

DREI Anouar Brahem: After The Last Sky („The album’s title is drawn from a question the Palestinian poet Mahmoud Darwish posed in one of his poems: ‘Where should we go after the last frontiers? Where should the birds fly after the last sky?’ This thought resonates deeply as I listen to this album’s often mournful soul-searching….“ (Michael Gates)) 

VIER  The Mountain Goats: Through This Fire Across From Peter Balkan (Vorsicht, Musical, Wenngleich ein dunkles! Wenn einer diesen Dreh hinkriegt zwischen Survival-Drama, Post-Existenzialismus und Broadway, dann der Herr der Bergziegen!)

FÜNF Brian Eno & Beatie Wolfe: Luminal (The weight of the world, deep and floating, Lajla played it “on high rotation” on Gomerrha. Accessibility does not hinder depth. Fantastic lyrics, perfect cycle, strangely beguiling.)

SECHS Lucrecia Dalt: A Danger To Ourselves (Fear of music? Just asking. The „noir“ album of the year. A study of passion, desire, love, lust, deep as deep can go. Highly adventurous! David Sylvian on board, too. Sylvian‘s „ethereal vibes“ in strange union with Lucrecia’s knack for hard core horror movies.)

SIEBEN Nate Mercerau / Josh Johnson / Carlos Niño: Openness Trio (A fantastic mix of sound searching „Nordic“ spheres, Californian hinterland meditation – and melodic free jazz. And this is a damned innovative album, and a bit of a shame that it does appear on Blue Note, because, in essence, it is a archetypal INTERNATUONAL ANTHEM RECORDS album, from the aesthetic point of view, and the magicians involved.)

ACHT Steve Gunn: Daylight Daylight (Song- und Soundgewebe der besonderen Art: in der Abmischung üben die Worte keinerlei Dominanz aus, zerfliessen im Raum. Aber hinhören darf man trotzdem:  „Bevor der Film dir erklärt, was er bedeutet, ist die Geschichte völlig falsch und wird es vielleicht auch immer bleiben“, singt Steve G. an einer Stelle und weist damit diskret auf die Sinnlosigkeit hin, nach Anzeichen für einen großen Plan zu suchen, wenn doch die unmittelbare Gegenwart alles ist, was wir haben.) 

NEUN SML: How You Been ( Wie man diese Musik in Worte fasst, wäre eine schöne Übung für einen „poetry workshop mit Martina Weber“. „Neo-maximalist-hypno-jazz“, for example. Seriously, it‘s a thriller for the ears, „where-am-i-music“, and the rare case where music that is not my cup of tea turns into exactly that – my cup of tea! – funny enough, in the JazzFacts Auslese 2025, SML was highly praised by Anja Bucnmann, Odilo Clausnitzer and Thomas Loewner (who calls it a perfect headphone experience).

ZEHN Mulatu Astatke plays Mulatu Astatke (Wer irgendwann der Serie „Ethiopiques“ begegnet ist, findet hier alles andere als einen nostalgischen Abklatsch. Packt mich vom ersten bis zum letzten Ton. Richard Williams hatte das Glück, die Band live zu erleben und erzählt auf The Blue Moment davon.)

ELF Jon Balke: Skrifum (I missed Jon in Kristiansand. Let’s call this, like that underrated gem of Leonard Cohen, another „new skin for the old ceremony“. Jon Balke’s fourth solo piano album on ECM is a strangely organic affair, no matter how much science from the laboratory may be involved. Imagine a long afternoon while listening to Skrifum, Keith Jarrett‘s Vienna, and Amanda Claudine Myers‘ Solace Of The Mind, one after the other. You will have a story to tell.)

ZWÖLF Alabaster DePlume: A Blade Because A Blade Is Whole (Der intime, bekenntnishafte Gesang von DePlume – ein Hauch von Donovan – und das vibrierende Saxofonspiel vermitteln alles von niedergeschlagener Zerbrechlichkeit bis zu entschlossener Stärke. Das Politische und das Private sind eins.) 

DREIZEHN  Night Criû (Eimal taucht, aus dem Nichts, ein Kinderchor auf und singt zu einem schrägen, asynchronen Uhrwerk-Rhythmus. Es ist die Gegenüberstellung von Präzision und Zerfall, die dem Album seinen wahren Charme verleiht. Dream-Pop der besonderen Art. Thanks to Leah Kardos, and her brilliant portrait of Hilary in the January 2026 edition of „Wire“, I discovered this album five days ago.)

VIERZEHN Jan Bang & Arve Henriksen: After The Wildfire (Another fine album from Punkt Editions, a moving modern day lamentation with some ecstasy involved … listen to a piece from it with our usual Norwegian suspects, as part of my recent „Klanghorizonte“ radio hour HERE!!!)

FÜNFZEHN Jeff Tweedy: Twilight Override (Less is more – not in this case. I was in for the ride, again and again. Floating through the lyrics was my starting point, before listening – and then I did the gooseskin trip! By the way, „The Ghost Is Born“ re-appeared in all our beloved formats!)

SECHZEHN Rich Dawson: End Of The Middle (Auf Anhieb zugänglich ist dieses Album nicht. Unso erstaunlicher, dass es in so vielen Jahresrückblicken auftaucht, mit seinem spröden Charme, seinem britischen Neo-Realismus, der mich an Kurzgeschichten von Alan Silitoe denken liess, und in seiner Sparsamkeit ein wenig vom frühen Neil Young inspiriert ist. Die Stimme sowieso ein Unikum, ein ferner Verwandter von Robert Wyatt, nicht nur die vocals. Zudem beleuchten markante Free-Jazz-Holzbläser Dawsons Erzählungen – im Finale dann grosses Cinemascope!)

SIEBZEHN Jeremiah Chiu & Marta Sofia Honer: Different Rooms  (Blog diary: I sat down in my electric cave with a small pile of new experimental music, and that afternoon I fell in love with „Different Rooms“. At first I was sceptical about the spherical and synthetic (Klingklang is what I call sounds that just dance pretty on the surface), but it didn’t take long for one „wow!“ after the other. Wondrous music. Safe Journey. Henry, the radio man, left the party too early.)

ACHTZEHN Roger Eno: Without Wind, Without Air (The „Elderly Brothers“ on a late career high. Beunruhigende Ruhe, immenser Reichtum, Erschütterungen im melodischem Terrain. Eines seiner schönsten Alben.) 

NEUNZEHN The Necks: Disquiet (The trance work never stops. Ask Bernhard, the flowfloe rookie! Weeks and weeks ago, i listened to one of the four long tracks in Paris, on a warm sunny afternoon. I chose – what else? – WARM RUNNING SUNLIGHT knowing I would definitely be the first human to listen to it in my favourite Paris power spot, Le Jardin du Luxembourg. What a joyful experience lying on the green grass with closed eyes (mostly), with that warm running sunligh inside outside…)

ZWANZIG Cyrille – Frisell – Downes: Breaking The Shell (Red Hook Magic – ein eigenwilliger Produzent erkundet etliche Kirchenschiffe, bis er – endlich – den passenden Raumsound gefunden hat. Den Rest besorgen drei Magier. Ein Schelm, wer hier die Doors raushört! Ingo hat hier viel zu erzählen. Er war des öfteren vor Ort.) 

EINUNDZWANZIG Baxter Dury: Allbarone „To truly love a Baxter Dury record is to spend time with the words. On a Dury , meanings slowly reveal themselves like one of those magic eye pictures from the nineties. However, that is to mistakenly assume that there is just one meaning. Play the album to a room of 20 and you’d probably be met with at least a dozen interpretations. What all would agree is that he has a nuanced understanding of the human condition: the emotional ups, the let-downs, and the everyday exposure to total dickheads.“ (so a smart Allborone review starts on PopMatters) p.s. – please don‘t be folled by these words – „Allbarone“ is not a cerebral thing and works fine on any dancefloor, couch levitation guru-style included! (m.e.)

ZWEIUNDZWANZIG   Natural Information Society: Perseverance Flow (siehe Coverabbildung in der Tradition von Moki Cherry) – (das drittbeste Album von Joshua Abrahms‘ NIS – hat mich gerade rechtzeitig vor Nikolaus erreicht, um noch auf meine Liste zu springen! (Pitchfork vergibt 8.0, ich 8.7) Und bevor jemand nachfragt: die beiden anderen Knaller Truppe sind zwei der drei Alben davor: „Since Time Is Gravity“, sowie, mit Evan Parker, live in London, „Descension – Out Of Out Constriction“)

DREIUNDZWANZIG  Jonathan Richman: Only Frozen Sky Anyway(Auszug aus dem Blog-Tagebuch, Spätsommer: „Manche halten ihn für einen Scharlatan, das ist auch schon Don Cherry passiert. Ich habe Jonathan Richman immer gemocht, aber seltsamerweise erst seit einigen Jahren intensiver gehört – sein neues Album spricht mir mit Liedern über den Tod, mit Witz und Wehmut, aus der Seele. Fehlt nur noch die Harfe von Harpo Marx. Ein Taking Head ist auch dabei.)

VIERUNDZWANZIG Benedicte Maurseth: Mirra ( „Fans of Robert Wyatt‘s Rock Bottom [one of the most heartbreakingly beautiful albums from the last 100 years; m.e.], mid-70s Bert Jansch [I saw Bert Bert Jansch solo in the summer of 1975 in the „Omnibus“, Würzburg; m.e.] and Popol Vuh‘s Aguirre soundtrack will get the idea. A thing of wild beauty.“ ((quote from a Mojo review that put a big smile on my face).

FÜNFUNDZWANZIGEmma Swift: The Resurrection Game („This is an album that exists, as Emma Swift puts it in the opening lines, between nothing and forever. Between the worst of times and the possibilities of everything else, between giving away the chance of recovery and trusting in the next step, between being alone when surrounded by others and being with others while just as happy alone. “Here comes the rain, there’s always the rain/Play the resurrection game,” she sings.“ This starts a fine review by Bernhard Zuel.)

„Anyone familiar only with the string-drenched, bucolic epics of Stars Of The Lid’s 21st-century work may be surprised by the Austin duo’s debut album, released on vinyl for the first time this year. A home-recorded set of guitar-based drones, „Music For Nitrous Oxide“ is as unsettling as it is meditative, laced with samples of Twin Peaks, Star Trek: The Next Generation and Apocalypse Now.“ (Jon Dale)

What a number of re-releases and archival discoveries, every year. The memory lane, buried treasures, lost classics, and more. Some of them were kind of enlightening, at least elevating for me. One was Tim Buckley‘s „Happy Sad“, I missed that one when i was young and, well, „happy sad“, so to speak. Awesome sound. Deep soul searching and passionate. Then, I still remember, in those 1970‘s in Würzburg, I was never into The Grateful Dead, with the tiny exception of „Blues For Allah“: that really hit me then and it hits me now with its vinyl reissue by Rhino. Haven‘t listened to it in decades, and it haunts me again.

From all the great ECM reissues (from the „Luminessence series“), Paul Bley‘s „Open, to love“ is the standout, one of the early ECM solo piano strokes of genius. An album to always return to. The real re-discovery was Jan Garbarek blowing his horns in a way your walls may come down during the ride. On „Madar“ he‘s accompanied by Anouar Brahem and Shaukaut Hussain. What an absolute and audiophile delight, this release from 1992. Another burner for the happy few who ever came across it, was the double vinyl reissue of David Sylvian‘s „Manafon Variations“: radical, sensual, deep-diving! Moving to my music in surround, 2025 was the year I finally fell in love with an album by Tangerine Dream, „Phaedra“. I‘m far away from calling Rod Stewart‘s „Atlantic Crossing“ a guilty pleasure, but I always preferred his ballads, and side two of that ancient album (now brought to the public in shining quad) is a series of irresistible ballads. Okay, we have all listened to „Sailing“ too often, but so what?! Steve Wilson‘s newest remixes of some early King Crimson works are killer – and a heavenly experience for surrounders: „In The Wake Of Poseidon“ and ther jazz-driven „Lizard“.

In America one of the most heartbreaking break-up albums ever came out as a double vinyl, and I easily trust Norman Maslov that it still puts a spell on you. This album about love falling apart always meant more to me than the canonical – and great – „Tusk“ by Fleetwood Mac. Oh, oh, no reason to keep you waiting: i am speaking of The Jayhawks‘ „Rainy Day Music“! Looking out of the window, i am sure you‘ll find your own „rainy day music“, for all the good reasons! The Stars of the Lid’s debut may be a good choice here! As is that 1995 classic (at least for some of us): Spain’s „The Blue Moods Of Spain“ (blue vinyl reissue)! Did I forget some more for this list? Sure I did. One album from the new Bruce Springsteen boxset of never before released works that immediately drew me inside: the Tex-Mex borderline ballad brilliance of „Inyo“ from Mr. Springsteen, and another double album in blue vinyl, Miles Davis‘ „Agharta“. I am sinking deeper and deeper into my blue velvet sofa.

An diese Stelle möchte ich mich bedanken, dass mir Richard Williams erlaubt, was auch immer, aus seinem Blog „The Blue Moment“ zu übersetzen. Ich kenne seine Texte über Musik seit den goldenen Jahren des „Melody Maker“ in den „wilden Siebzigern“. Auch seine Konzerterichte sind wunderbar zu lesen. Einmal, vor kurzer Zeit, war er auf einem Doppelkonzert von Patty Smith und Al Stewart. Zwei Überlebende aus der Zeit von „Horses“ und „Year Of The Cat“. Ich hätte nach London fliegen sollen! Hier eine Passage aus seinem aktuellen Text, einmal mehr „two survivors“: Boz Scaggs und Mavis Staples. (m.e.)

Nach Alben mit Ry Cooder, Jeff Tweedy und Ben Harper als Produzenten ist nun Brad Cook an der Reihe, der unter anderem für Bon Iver und Nathaniel Rateliff and the Night Sweats verantwortlich zeichnet, Mavis Staples’ neues Album zu produzieren. Er enttäuscht sie nicht.

Die Songauswahl auf Sad and Beautiful World ist durchdacht und einfühlsam, angefangen mit dem bewussten Boogie-Shuffle von Tom Waits und Kathleen Brennans „Chicago“ über Gillian Welch und David Rawlings‘ „Hard Times“, Curtis Mayfields „We Got to Have Peace“ und Leonard Cohens „Anthem“ bis hin zu Eddie Hintons „Everybody Needs Love“ und einigen mir weniger bekannten Stücken. Am auffälligsten ist dabei „Godspeed“ von Frank Ocean und James Ho, das in einem dichten Instrumentalgeflecht alle besten Elemente der Americana zu einem perfekten Arrangement vereint.

Die vielen hervorragenden Musiker, die an den 10 Titeln mitgewirkt haben, geben sich nicht mit Effekthascherei ab, aber ich liebe Derek Trucks‘ wunderschöne Slide-Gitarre, die „Hard Times“ verziert, und die glitzernde Pedal Steel von Colin Croom in „A Satisfied Mind“, dem wunderschönen Country-Song von Red Hayes und Jack Rhodes, dessen zahlreiche Coverversionen bis ins Jahr 1954 und zu Mahalia Jackson zurückreichen – vielleicht das Vorbild, das Mavis im Sinn hatte. Und zum Abschluss gibt es in „Everybody Needs Love“ einen Hintergrundchor, bestehend aus Bonnie Raitt, Patterson Hood, Kate Crutchfield und Nathaniel Rateliff.

Soweit Richards fröhliches „name dropping“! Von einem „meiner“ mit Jazz- und andern Sendungen belieferten Sendungen (once upon a time) wurde ich (wie alle paar Jahre) nach drei Alben befragt, die ich für musikalisch extellent, durchaus zugänglich und im freiesten Sinne „weihnachtlich“ halte, „ohne dass sie explizit weihnachtlich sind“, und da fiel mir die Wahl leicht: Mavis Staples: Sad And Beautiful World, Brian Eno & Beatie Wolfe: Luminal sowie Steve Gunn: Daylight Daylight!

Obwohl Sylv und ich in unserer Traumgruppe einen neuen Anlauf unternahmen, wieder vermehrt luzide Träume zu haben, sind wir vorerst gestrandet. Seit den 1960er Jahren wurde die Fähigkeit, im Traum volles Bewusstsein über den Traumzustand zu gelangen und bei vollem Bewusstsein in dieser „anderen Realitätsebene“ zu handeln, wissenschaftlich erforscht.

1982 stiess ich zum ersten Mal auf luzide Träume, als mein letztes Jahr im Bayerischen Wald dem Ende entgegenging. In der Folge kehrte ich zu den luziden Träumen zurück, in Gruppen, Lektüre Vorträgen (tägliche Übungen, und nachts vor der letzten langen Traumphase sowieso, und Professor Tholey lernte ich im Frankfurt persönlich kennen und schätzen) – selbst Brian Eno bat mich mal um einen Crashkurs zum Thema (unvergesslich meine Session mit Brian in einem Park bei Maida Vale incl.eines mich attackierenden Wespenschwarms!)…

„a cartoon for beginners“

Wer bei manafonistas oder flowworker bei „Suchen“ „luzide Träume“ oder „Klarträume“ eingibt, wird etliche Stories und Selbsterfahrungen finden. Meinen letzten tiefgehenden luziden Traum hatte ich vor bald zehn Jahren, kurz nach einem Flaming Lips-Konzert in Berlin. Am Schluss dieses bewusstseinserweiternden Trips ohne Drogen hörte ich aus einem Recorder (im luziden Traum) einen brandneuen Brian Eno-Song, und da meine kritische Urteilskraft voll auf der Höhe war, erkannte ich dass dies ein absolut originelles und tolles Stück war, das bestens auf „Before and After Science“ gepasst hätte. Die genaue Analyse des Vortages machte klar, was da alles getriggert wurde. Aber seither – so gut wie nichts mehr. Ende Gelände!

Die Story kennen die meisten hier, und warum komme ich wieder drauf? Unser neuer Flussarbeiter Bernhard erzählte mir von seinen sehr speziellen Erlebnissen nach einem Flaming Lips-Konzert – vielleicht wirft er sie einmal in die Runde. Offensichtlich braucht es kein LSD, um nach den Lips in einen besonders empfänglichen Zustand „between the worlds“ zu geraten – eine besondere Story allemal war das, über die Auswirkungen, die ein Konzert oder das Hören eines Albums mit sich bringen können, unter besonderen Umständen. Bei Mojo gibt es eine spezielle Rubrik dafür: „A Record That Changed My Life“.

Man muss es nicht ganz so hoch hängen, jeder weiss, was damit gemeint ist. Unerwartet tief berührt hat mich zuletzt Steve Gunns CD / LP „Daylight Daylight“. Wer weiss, wie die Empfindungen, Erinnerungen, Seligkeiten, die sich mit dem Hören kurzgeschlossen haben, ihre dezenten „Marker“ setzen, bei Tagträumereien, und gerne nachts, wenn sich die klassische Frage des luziden Träumers stellt: „Träum ich oder wach ich?“ Sylv, sollten wir unsere Traumgruppe reaktivieren?! Wir hatten uns dabei ja vorgenommen, nachdem dir die berühmte Platte vom Buena Vista Social Club so unheimlich gut gefallen hat (es klang, als wären sie leibhaftig im Raum), einmal „Yoshimi Battles The Pink Robots“ von den Flaming Lips in Surround zu hören! Some little things (stories, sounds) change everything….

Es ist gleich 16.00 Uhr. Ich habe die 5:1-Surround-Fassung von „Yoshimi“ vorbereitet. Eine heisse Tasse Ovomaltine, die lightwhow der Lips ersetze ich durch Verdunkelung der Vorhänge und Kerzenlicht. Heute beginne ich wieder mit meinen Übungen. Ich denke, noch in diesem Jahr werde ich von ein, zwei, drei luziden Träumen berichten. Dieses fantastische Album der Flaming Lips möge meinen ersten luziden Traum triggern! Safe journey!

Ich weiss noch genau, wie ich 1986 Steve Tibbetts‘ „Exploded View“ auflegte, und das Album genau das mit mir anstellte, was „Northern Song“ und „Safe Journey“ zuvor besorgt hatten: Hörrausch mit Horizont! Ich war fasziniert , wie da Gitarre und Perkussion etwa ganz Anderes gelang, als selige Erinnerungen an wilde Zeiten und Jimi Hendrix zu produzieren. Als ich Steve und Marc Jahre später traf, nicht lang, nach dem Album „Big Map Idea“, früh in den 1990er Jahren, waren sie zu meiner Überraschung gar nicht gut zu sprechen auf „Exploded View“. Jene Zeit wäre voller innerem Aufruhr, Wirrnis, Trennung und Tumult gewesen, und die zwei schienen, nach dem spannenden wie in-sich-rigenden „Grossen Landkarten Ideen“ in einem ganz anderen „mindset“ angekommen zu sein.

Das mag so sein, aber ich fürchte, die Entstehung von „Exploded View“, das Hören und Wiederhören dieses Albums, war einfach mit viel zu peinvollen Erinnerungen befrachtet, als dass sie der Schallplatte in wenigstens gelassener Halbdistanz begegnen konnten. Ich vermeinteluftige Weite zu erinnern, zartes Filgran, natürlich auch Wildnis und Feuer. Nun ist die Scheibe irgendwann aus meinem Archiv verschschwunden, und selbst die CD-Ausgabe finde ich nicht mehr. Also bestellte ich gestern ein Exemplar via Discogs aus den Niederlanden. Und wenn das eingetroffen ist, beginnt mein privates Steve-Tibbetts-Festival. Über zehn Tage (das Wochenende auf dem Dortmunder Weihnachtsmarkt ausgenommen) werde ich mir jeden Tag mir seine ECM-Alben der Reihe nach zu Gemüte führen, von YR (das erst später bei ECM wiederveröffentlicht wurde) bis CLOSE. Und wenn ich dann Steve für das Radioporträt am 22. Januar noch ein paar Fragen schicken sollte, wird gewiss eine über „Exploded View“ dabei sein.

Ich musste gestern daran denken, wie Rosato einst mit Freunden aus seinem Kronacher Hinterland nach Frankfurt fuhr, früh in den 1970er Jahren, um den „elektrischen Miles“ zu hören. Solche Erlebnisse mit dem „dark magus“ waren für viele aus meiner Generation Offenbarungen. Und auch all die Jungs an seiner Seite „learnt their lessons“ beim Altmeister, ob John McLaughlin, Keith Jarrett, Chick Corea, Dave Holland, Dave Liebman oder oder – die Liste ist lang, und zu ihr zählt auch Gary Bartz. Er erzählte vor ein paar Jahren, wie er zu diesem kleinen Zirkel stiess, und was für ihn Miles‘ wichtigste Lektion gewesen sei. HIER zu hören – und zu sehen: ein Auftritt einer dieser immer wieder das Personal wechselnden Formationen, nach Bob Marley 1979 ein weiterer kleiner Abstecher in eine grosse Zeit.

Bei solchen Zeitreisen geht es nicht um altersgerechte Nostalgie, vielmehr um V e r g e g e n w ä r t i g u n g. Der Schamane in uns kann sich hierhin und dorthin träumen, mit allen Sinnen. (Das Plakat vom Frankfurter Miles-Konzert schickte mir Rosato himself)

So kannte ich den Namen Gary Bartz allerbestens von seine diversen Aufnahmen jener Jahre: ob es beispielsweise die viel später erschienenen „Cellar Door Sessions“ waren oder „Live Evil“. Wer mich mal in meiner elektrischen Höhle besucht, dem spiele ich „Live Evil“ in der Quad-Version vor – eines meiner liebsten Surround-Alben, ein tollkühner Mix mit dem vorhandenem Material. Gary ist da äusserst präsent, sein Saxofonspiel ein Traum – uns Musikverrückten brannte sich damals die Namen auf Dauer ein, wenn wir sie im Kleingedruckten auf den Plattenhüllen ausfindig machten. Mtume, Pete Cosey, Michael Henderson, Reggie Lucas, Sonny Fortune usw. Heute, morgen oder übermorgen wird ein Flussarbeiter etwas erzählen, unter anderem von einem taufrischen Erlebnis mit Gary Bartz auf der Bühne. Lassen wir uns überraschen!

Anhang:

„Die Cellar Door Story“