Der Film beginnt mit einem Zitat von Gabriel García Márquez – „Jeder Mensch hat drei Leben: das öffentliche, das private und das geheime“ -, aber sie ist offen. „Ich bin nicht sehr gut in persönlichen Beziehungen“, sagt Baez, “ich bin großartig in Beziehungen von eins zu zweitausend, wissen Sie?“

Je nach Alter und Woody Guthrie-Quotient kennen wir uns mehr oder weniger aus im Leben von Joan Baez. Mit ist sie anfangs mächtig aif die Nerven gegamgen, als wir Junghippies überall dem Refrain „The night they drove old Dixie down“ begegneten, und ich moche ihren hehren Glockengesang in diesem Oldie gar nicht. Aber vieles änderte sich (auch die Wahrmehmung ihrer Stimme), als ich mitbekam, was für ein politisch hellwacher Aktivposten Joan Baeu in den Sechziger und Siebziger Jahren war, und später auch noch. Eine schillernde Figur – hinreissend schön und klug, Kopf und Herz, was wollt ihr mehr? Ihre Beziehung zu Bob Dylan – komplitziert (bei mir blitzen ein paar Bilder auf aus der Doku über Dylans „Rolling Thunder Tour“. Die Doku lässt keine Mauern einstürzen und rauscht, wie es Lebensgeschichten nun einmal tun, durch die „Memory Lane“. Es ist nicht zuletzt Joan Baez’ oft entwaffnende Ehrlichkeit, die „I Am Noise“ zu einer rundum gelungenen Veranstaltung macht.

„Dass sich die Verantwortlichen des BVB und all seine Gremien dazu bereiterklärt haben, die Strahlkraft von Borussia Dortmund dafür einzusetzen, das öffentliche Ansehen eines Rüstungskonzerns zu verbessern und dabei die eigenen Werte über Bord zu werfen, lehnen wir entschieden ab“, heißt es in einer Stellungnahme der Initiatoren: „Wir werden den Verantwortlichen nicht den Gefallen tun und die Sache – wie durch den Zeitpunkt der Veröffentlichung womöglich erhofft – auf sich beruhen lassen.“

Ich unterstütze die Protestaktionen des Fanbündnisses Südtribüne! Genauso verwerflich wie der ehemalige Deal von Bayern München mit den Kataris, ist es, diesen Rüstungshersteller als Sponsor öffentlichkeitswirksam aufzuwerten! Ein No-Go! Die Geschichte von Rheinmetall ist eine Geschichte skrupelloser Geschäftemacherei mit dem Tod. Durch nichts zu rechtfertigen! Waffen werden genauso an die Kriegsverbrecher der aktuellen israelischen Regierung geliefert, die nicht minder niederträchtig agiert wie die Hamas im Oktober 2023. Dass hierzulande israelkritische Äusserungen, die, by the way, zum mainstream der UNO und der europäischen Gerichtshofes in Den Haag gehören, stets als antisemitisch ausgelegt werden, ist Teil eines falschen Narrativs, das stets mit der historischen Schuld der Nazis argumentiert, und diese Faktum instrumentalisiert, um kritische Stimmen zu diskriminieren, und weiter im Gaza-Streifen Tausende und Tausende Unschuldiger zu töten. Das Argument zur Rechtfertigung des Rheinmetall-Deals, die „wehrhafte Demokratie“, weist sich als pure Heuchelei aus!

Der Film, der von einsamer Klasse ist, radikal und verstörend: „The Zone Of Interest“ / Der Film, der eine wahre Geschichte so konservativ wie aufregend erzählt: „Die junge Frau und das Meer“ / Der Film, der in jeder Hinsicht umwerfend gut ist und flowworkers Filmempfehlung für den September wird (thanks, Ingo): „Tatami“ / Der Film, der ein Blockbuster ist, mit emotionaler Intelligenz und atemberaubender Technik serviert wird, gerne auch mit Popcorn: „Twisters“ / Der Film, der die Geschichte von Milli Vanilli erzählt mkt Steven Spielberg‘scher Liebe zum Detai, und mich so gefesselt hat, dass ich ihn gleich zweimal sah: „Girl, You Know It‘s True“ / Der Film, besser die Documentary, von der ich weiss, dass ich sie sehr, sehr mögen werde, auch nach zwölf Interviews mit dem „Meister“: „Eno“ / Der Film von Robert Altman, der mich in uralter Zeit begeisterte, für den ich heute 150 Kilometer fahren würde, um ihn in einem grossen alten Kino zu sehen, und den ich vergeblich suchem seit es Videoläden und Streamingdienste gab und gibt: „California Split“ (1974) / Der Film, der mich anfunzte, als er in die Kinos kam, zwei Frauen, die so hinreissend waren, dass ich gerne Peter Coyote gewesen wäre , der Soundtrack von Tangerine Dream leider grottenschlecht: „Heartbreakers“ (1984) / Der Film, von dem Ben Wasserman treffend sagte: „The political angle behind „Civil War“ isn’t the less-than-United States’s warring factions, but rather the virtues and risks of war journalism within this domestic dystopian backdrop.“

Die Reihe „hinter der Anlage“ von links nach rechts:
Linval Thompson: Ride On Dreadlocks 1975-77
Phil Pratt: Star Wars Dub
Søren Skov Orbit: Adrift (In excellent neghborhood, with a nod to Count Ossi)
V.A.: Rastafari – The Dreads Enter Babylon 1955-83
Burning Spear: Garvey‘s Ghost

(in joyful memory of time standing still in Toni Nee‘s musical space near the North Sea, drinking tea with „kluntjes“, listening to Eberhard Weber‘s „Chorus“)

Vom 5. bis 7. September 2024 findet das Punktfestival in Kristiansand statt. Zum 20. Mal. Ich werde da sein. Vor ziemlich genau 10 Jahren schrieb ich, nach dem Ende der 10. Ausgabe dieser Veranstaltung, folgende Tagebuchnotiz.

Ich stand ziemlich früh auf und ging duschen. Auf Endlosschleife liess ich einen Song von The The laufen, „This Is The Day“ (kleiner Affirmationstrick). Ich duschte lange, und liess am Ende den Wasserstrahl eine Minute eiskalt sein Werk verrichten. Ich frühstückte mit Christoph Giese und Jan Bang, und wie immer, wenn wir drei zusammensitzen, gibt es gute Gespräche und viel zu lachen. Danach ein gutes, etwas ernsteres, Gespräch mit Henning.

Um 11 Uhr begann der Soundcheck für meine „Electronic Griot“-Performance damit, dass Tony Valbergs Tischlampe von 1953 einen Wackelkontakt hatte. Er besorgte eine Ersatzbirne. Der CD-Spieler mit den acht vorbereiteten Tracks spielte die Musik nicht ab, es musste ein Ersatzgerät herbeigeschafft werden. Ich wurde etwas nervös, aber schliesslich war alles geregelt, der Raum angenehm verdunkelt, wie nachts im Deutschlandfunk. In der Lounge sassen Fiona Talkington und Laurie Anderson, die ich begrüsste und an unsere zwei Begegnungen in den Neunzigern erinnerte. Sie freue sich auf meinen Vortrag, sagte sie, ich hatte sie im Vorfeld dazu eingeladen.

Mich überkam eine angenehme Ruhe, kein Anflug von Lampenfieber, ausser der latenten Furcht, Tonys Lampe aus dem letzten Jahrhundert würde mal zwischendurch den Blick auf meine Papiere verdunkeln, aber es gab ja eine zweite Glühbirne. Um 11.45 Uhr startete auf dem Schallplattenspieler das Ensemble Economique, und der Saal füllte sich. Um 12 Uhr ging ich zu meinem iPad in einer hinteren Ecke des Raums (mit dem tragbaren Mikrofon war ich mobil) und legte los, las die letzten zwei Abschnitte einer Short Story von Richard Brautigan. „I had never seen anybody set fire to a radio before.“ Und das Ende mit den brennenden Liedern.

Ich ging zu meinem gemütlichen Sitzplatz, der Raum war gut gefüllt. Ich war konzentriert und entspannt, einige meiner Geschichten verströmten einen Hauch von Melancholie, wie der Anblick von Herbstblumen, die ihre Köpfe hängen lassen. Die Zeit verging wie im Flug, die Zuhörer waren aufmerksam, lachten manchmal, und ich bekam einen herzlichen Applaus. Ich beantwortete noch ein paar Fragen. Wildfremde Menschen und einige gute Bekannte bedankten sich für meine Show. Beim Hinausgehen kam ein junger Mann zu mir, der mir verriet, er habe an zwei Stellen Tränen in den Augen gehabt. Eine Frau fragte mich, ob meine Nachtsendung in Köln genauso ablaufen würde, und ich sagte, ja, genau in der Art, ich würde nur das Wort „fuck“ weglassen. Laurie Anderson sah mich, kam zu mir und sagte, mein Vortrag habe ihr sehr gefallen. Und noch zwei schöne Sätze. Ich brachte meine Tinträger aufs Zimmer und kehrte in den Seminarraum zurück, wo Jana Winderen, eine Soundforscherin aus Oslo, die sich gern in der Nähe von Eisbergen rumtreibt, und Mike Harding vom englischen Label Touch ihren Vortrag hielten.

Danach betrat Laurie Anderson das Podium, und erzählte von dem Film über ihren erblindeten Hund, und wie er mit seinen Pfoten auf den Tasten eines Pianos zu einer besonderen „Hundemusik“ beitrug. Laurie versteckte sich nicht hinter ihren Geschichten, und erzählte sehr persönliche Dinge. Mit der Technik gab es einige Probleme, und auch sie hatte plötzlich, wie ich zuvor, eine hölzerne Stuhllehne in der Hand. Bei ihrer letzten Story war das Ende, mit ihrer unnachahmlichen Stimmmodulation, so sinnlich wie bitter, unvergesslich. Später ging ich mit Mike Harding und Jana Winderen zu Mother India. Irgendwann fiel ich totmüde ins Bett und träumte von den Beatles in Mono!

„Tell me lies later, come and see me
I’ll be around for a while
I am lonely but you can free me
All in the way that you smile“

Diese musikalische „Erinnerungspoesie“ beginnt in einem Wohnzimmer am Weissdornweg 9 in Dortmund im Jahre 1960, und endet im Marquee Club in London im Dezember 1982. Anders als bei Olafs Reise, gibt es hier keine Fortsetzungen. Und, Überraschung, es gibt ein kleines Rätsel: wer als erster in den Kommentaren den Künstler des weiter unten, vor dem Nachklang, platzierten Musikstückes errät, erhält ein im September erscheinendes Album als Cd frei Haus geliefert. Und als Download, ein Stück ais Byard Lancasters 1974er Album „Us“.

1960

Mit fünf Jahren ist das Leben noch in Ordnung. Meine Geburt war schwierig, und meine Traumata hielten sich, wenn es sie gab, in Grenzen. Aus irgendwelchen Gründen gab es für mich keinen Kindergarten, also sass ich morgens lange alleine auf einem roten Kissen neben dem Kohleofen und hörte leidenschaftlich gern Musik aus einem alten Radio mit grünem Auge. Grosse Freude: es gab Schlager, in denen ferne Welten vorkamen, Italien etwa, oder Mexiko. Ich mochte das Gebläse vom Kurt Edelhagen Orchester nicht sonderlich, und spielte damals Musikkrtiker.

1965

Die Welt änderte sich drastisch, als ich meine erste Single kaufte: Rock‘n‘Roll Music von den Beatles. John Lennon sang einen Song von Chuck Berry, und ich war verloren. Es folgten in jener Zeit, als jeder Tag eine Reise war, ich einem Blutsbruder fand, meinen BVB, und ich mich nacheinander in Frau Funke (Dortmund-Körne), Frau Sonnabend (Haus Westfalen, Langeoog), Margarete Scheibelhut und Jutta Kortmann (beide Mitschülerinnen in der Brüder Grimm Volksschule) verliebte, noch lange vor dem ersten Sex, die anderen ersten Male: ich hörte „You Really Got Me“, und es fuhr mir durch alle Sinne, ich hörte „All Day And All Of The Night“, und die Welt drehte sich doppelt. Ich hörte abends auf Radio Luxemburg das allererste Mal „Mr. Pleasant“ von den Kinks, kam aus meiner Begeisterung über Tage nicht heraus, und verschlang in der „Bravo“ alle Stories über die beste Band der Welt. In dem Sommer, in dem „Sgt. Pepper‘s Lonely Hearts Club Band“ erschien, hörte ich das Album in den grossen Ferien jeden Morgen zweimal hintereinander, mit einem vollen Teller Honig Pops.

1970

Ich bin 15 und so langsam geht es auf das Abitur zu, das sog. Erwachsenwerden. Ich entwickle mich zum Spezialisten für romantisch-unglückliches Verliebtsein und finde das erste Mädel für immer, als auf dem Plattenspieler einer Kellerparty mit bunten Lichtern „Lady D‘Arbanville“ vom Cat Stevens läuft. Sie ist mit einem Postboten verlobt, und ich beschliesse das zu ändern. Als ich einmal sturmfreie Bude habe, hören wir Iron Butterflys „In A Gada Da Vida“ mit voller Dröhnung. Ich gebe alles, aber mir fehlt „experience“. Zwei Wochen später serviert sie mich ab, mit einem nüchternen Brief aus Besancon, ich versinke in einer Hollywoodschaukel und lese „Vom Winde verweht“. Dann geht es Schlag auf Schlag: ein Freund bringt mich auf das Doppelalbum „Third“ von Soft Machine, und es wird zum Dauerbrenner auf meinem Plattenspieler. Wie ein Verrückter höre ich Robert Wyatts „Moon In June“, aber auch die anderen drei Seiten voller wildem Rock-Jazz-Gebrause. Ich bekomme die ersten ECM-Platten meines Lebens: „Ruta and Daitya“, „Sart“, „Bremen-Lausanne“. Da taucht auf der Rückseite stets der Vermerk auf „produced by Manfred Eicher“. Es betreten die Bühme meines Teenagerdaseins: der Free Jazz von John Coltrane, der „elektrische Miles“, und die Fernsehserie mit den Monkees. Ich war noch dreiviertelwegs Kind, als mir zu Weihnachten „Blue“ von Joni Mitchell in die Hände fiel. Musik kann nicht tiefer gehen. Preparations for life. Guten Sex habe ich nur mit Emma Peel, und es gefällt mir, wie sie mich auf den Rücken wirft und mir Fesseln anlegt. Mein Name ist Surrender. 1971 oder so, auf einer Ferienreise, sehe ich Neil Youngs „After The Goldrush“ in einem Plattenladen in Paigntn, und kann einen Tag später „Tell Me Why“ mitsingen.

1975 / 1976

Ein regnerischer Herbsttag, ich gehe von meinem Studentenwohnheim, wo ich mit David Webster im Winter davor jeden Abend dem weissen Album der Beatles gelauscht hatte, (andächtig), zu einem Würzburger Plattenladen, und hole meine Bestellung ab. Auf Mikal Gilmore im Downbeat ist Verlass, ein Seelenverwandter. Ich transportiere das Album in einer Tüte durch strömenden Regen: im Zimmer 513 wartet die schönste Frau Gelsenkrichens auf mich. Ich bin im siebten Himmel, und in den ersten Sekunden des ersten Liedes, „Burning Airlines Give You So Much More“, gesellt sich der achte Himmel dazu. Das ist der Anfang meiner Geschichte mit Brian Eno, und „Taking Tiger Mountain (By Strategy)“ gehört alsbald zu den drei Platten „on endless repeat“, die unsere Liebe „soundtracken“, neben Eberhard Webers „Yellow Fields“ und Bob Dylans „Desire“.

1980 / 1982

Meine Würzburger Studentenjahre enden in vielen Betten, und im John Lilly-Wassertank, so nenne ich meine Badewanne in der WG. Ich bin ganz allein und bekomme ein Päckchen aus London: „Possible Music“ vin Jon Hassell mit Brian Eno, sowie „The Plateaux Of Mirror“, von Harold Budd und Brian Eno. Hohe Dosierung. Ich gerate in einen Zustand tiefer Versenkung und schaffe es gerade noch, meinen Wassertank vollaufen zu lassen. Die kommenden vier Stunden verbringe ich darin, lasse immer warmes H2O nachlaufen und schwebe davon. Das Leben ist ein Traum. Ich trete meine erste Stelle als Psychologe an in der Fachklinik Furth im Wald für Alkohol- und Medikamentenabhängige. Für ein Kind des Kohlenpotts ist die Welt von Bergeinöden, Grasfilzing und Arnschwang eine bizarre exotische Welt, leergefegt von allen Träumen des Exotischen. Meine grosse Liebesgeschichte mit C. ist Vergangenheit, aber es ist nicht so, dass es nicht noch eine Steigerung gibt in Sachen Rausch und Melancholie. BANG BANG BLUE. Mein „survival kit“ besteht einzig und allein aus meiner Plattensammlung, mit der ich mich am Ende der Welt einrichte. Regelmässig trudeln Pakete von „jazz by post“ ein. ECM, Eno, die Talking Heads, der Zündfunk. Als der Vorhang im Nördlichen Bayerischen Wald fällt, 212 Romanseiten später, folge ich dem Rat eines Kollegen, und fliege um die Weihnachtszeit nach London, lebe in einem Hotel in Hampstead, hören John Peel und stromere stundenlang durch die Heide von Hampstead Heath. An einem Abend bin ich Im Marquee Club in Soho, um Jah Wobble and The Invaders Of The Heart zu erleben. An dem Abend geht mein Leben zuende, und es fängt gerade erst richtig an.

1973-1982 (1985)

Nachklang: Auf einen Blick, meine unvergesslichsten Konzerte aus diesen Jahren, ohne Rangordnung, alles Initiationen, die Ohren gross wie Scheunentore. Jah Wobble (London, 1982) / Byard Lancaster Trio w/ Steve McCall (Paris, 1974) / Dave Pike Set w/ Volker Kriegel & Eberhard Weber (Dortmund, 1971) / Keith Jarrett Quartet w/ Dewey Redman, Charles Haden, Paul Motian (Nürnberg, 1976) / Julie Tippetts with Ovary Lodge (Moers 1975) / Frank Lowe Group (Moers, 1974) / Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet (Münster 1974) / Brötzmann – Van Hove – Bennink (Würzburg, 1975) Oregon (Münster 1974) / Neil Young w/ Crazy Horse (Nürnberg, 1982) / King Crimson (Nürnberg, 1982) / Gary Burton Quintet w/ Eberhard Weber und Pat Metheny (Aschaffenburg, 1976) / Anthony Braxton Quintet (Dortmund, 1980) / Zbginew Namyslowski Group (Würzburg, 1974) / und ein Nachzügler: Leonard Cohen (Gruga Halle, Essen, 1985, an meinem 30. Geburtstag)

“Do You Realize“. Es ist so spannend, Olafs „Musikstories“ zu folgen. Schön, dass man eher selten das Zeitliche segnet, wenn man das eigene Leben in Rastern und Klängen vorüberziehen lässt. Da macht der Flaming Lips-Song schon Sinn. Sollte ich mal das Spiel mit den 5 Jahres-Sprüngen spielen, wäre mein fünftes Jahr ein gefundenes Fressen für jede Lebensstilanalyse. Aus irgendwelchen Gründen war ich nicht im Kindergarten, sass stets allein daheim auf einem roten Kissen, und hörte Radio. Wunderbar. By the way, es gibt noch ein paar Karten für das E-Werk in Köln, für den 4. Juli 2025, für das Flaming Lips Konzert!

on deep flow rotation in my electric cave this week: Flaming Lips: Yoshimi Battles The Pink Robots (vinyl) / Joni Mitchell: Hejira (cd / remaster by Bernie Grundman) / Joni Mitchell: For The Roses (blu ray / newly released quad version) / Burning Spear: Garvey‘s Ghost (vinyl, and one of my ten most beloved dub albums ever) / Steve Kuhn: Ecstasy (vinyl, and for me his best album ever) / Brian Eno: Music For Films (1978, vinyl) /// quote of the week: „ One interviewer was astonished that Brian Eno had not influenced Gary Newman. “Everybody told me I’d like Eno, but I never used to like Roxy Music so I never listened to him. So I listened to Eno, and bought, I think, Before and After Science and didn’t like it much. And then I got Music for Films and thought that was brilliant.” We see, every music story is quite idiosyncratic, Olaf!

Here we go. Thanks to some supportive agents in the background, my „JazzFacts“ of September 6, 9.05 p.m. have now finally been shaped. Always possible that there‘ll be another last minute change, but this following sequence is nearly carved in stone. Two albums from Pyroclastic, two from ECM, one from Red Hook and WeJazz – and a „Souffle Continu“ reissue of Byard‘s Lancaster‘s works on Palm Records (1973-74) promise different kinds of thrill and blue.

Next year, I will do (at least that’s the plan) four „Klanghorizonte“ hours in a row, in March, May, July and September, and a one hour portrait of an artist still to be chosen. The end of my radio years. So, hurry up, Steve Tibbetts – what started in October 1989 with a „Studiozeit“ on the guitarist from Minneapolis, could be the best way to let the curtain fall. In November 2025. Now, as I said before, here we go, starting with a composition from Patricia Brennan‘s forthcoming album, „Palo de Oros“.

Paul Lyytinen: Lehto / Korpi (WeJazz)
feature one: Florian Weber: Imaginary Cycle (Niklas Wandt) 
Frisell / Cyrille / Downes: Breaking The Shell (Red Hook)
Fresh from the archive: Byard Lancaster on Palm Records (1973-74)
Patricia Brennan Septet: Breaking Stretch (Pyroclastic)
feature two: Miles Okazaki: Miniature America (Karl Lippegaus) 
Trygve Seim / Frode Haltli: Our Time (ECM)

„Round, like a circle in a spiral / Like a wheel within a wheel / Never ending or beginning / On an ever-spinning reel…“ Well, that‘s another song, but leading on the right track. “Muntjac“ by Clevelode took me by surprise. In many ways. At first it may be easy to speak about a wonderful balance of song and ambient worlds. But there is so much more revealed in this epic, minimal, grandiose, ascetic, captivating, „less-is more“ cycle of songs and atmospheres than any clever amalgam of styles may suggest.

I wanted to send my questions to multi-instrumentalist, singer and composer Paul Newland quite soon, after first listening, but then they seemed like take from the standard book and doing no justice to the album. I returned to this work, again and again, and there is no other way than to do it in the old-fashioned way, from start to end (being aware of the fact you might get lost on the way).

As time went by, I felt myself walking through Epping Forest, or, better said, through those green power spots of younger and older days on the margins of Dortmund. Though there are references here and there, „Muntjac“ is a completely idiosyncratic work of art, far away from any rip-off from other classics of this and that genre. Which genre anyway, you may ask after another deep walk & listen. Though the geographical coordinates seem crystal clear, this journey is „Where-am-i-music“ in the best sense. So many ways inside the shades of blue, the trees of green… but the easy access doesn‘t take away any of its mysteries!

Michael: The second piece of the album, ‘High Beech’, is a fantasy and reflection at the same time: the importance of that forest as life‘s company, and a time travel experience from a distant past to future times. A figure appearing here, like a ghost, is the poet John Clare. Apart from being a quintessentially romantic poet, can you tell something about his role here, in a kind of key track of the whole album? 

Paul: It’s nice that you think ‘High Beech’ is a key track, Michael. I agree. And I think your reading of the song is spot on. 

Clare’s link to the area was very much in my mind when I thought about making an album about Epping Forest. But the song ‘High Beech’ was written very quickly, with barely any editing of the lyrics. I kind of came out of nowhere. I didn’t set out thinking about Clare. But he appeared as I wrote. It was as if he was lurking in my subconscious. Perhaps I was also projecting myself – as a lone ‘poet’ wanderer in the forest – onto the figure of Clare – although that sounds rather pretentious! 

My interest in psychogeography and stories of east London have been profoundly influenced by the writer Iain Sinclair, whose book on Clare, Edge of the Orison, was probably lurking in my mind somewhere too.  

I was aware of the asylum in High Beech as a kid (my grandparents lived near there), even though I only learnt about Clare and his time up there as an adult. In one of my favourite Clare poems “The Gipsy’s Camp” he writes: “My rambles led me to a gipsy’s camp, / Where the real effigy of midnight hags, / With tawny smoked flesh and tatter’d rags, / Uncouth-brimm’d hat, and weather-beaten cloak, / ‘Neath the wild shelter of a knotty oak, / Along the greensward uniformly pricks / Her pliant bending hazel’s arching sticks.” I think some of the lines in ‘High Beech’ probably owe a debt to these lines – the reference to the gypsy train, for example. 

The song ‘High Beech’ is also influenced by the late-Victorian novel After London; Or Wild England by Richard Jeffries. I wanted to use the lofty forest landscape to imagine a future in which High Beech actually becomes a beach, after Essex and London are flooded. So there is an almost post-human ecological slant to the song – and to the album – too. The forest as portal to the past, present and future. 

On the title track, ‘Muntjac’, the transparency  and the airy jazz bass bring to mind – in moments – a kind of ECM-‘space’, soundwise. Do you have a close relationship to some more or less ancient ECM albums, maybe even some with a direct link to nature like Jan Garbarek‘s „Dis“?

Yes, I’m a fan of Garbarek, and of Dis in particular. I’m a fan of a lot of ECM music. Keith Jarrett. Ralph Towner. Chick Corea. Terge Rypdal. Eberhard Weber. Weber’s The Colours of Chloë is a big favourite of mine – I love the picturesque, romantic, minimalistic and harmonically interesting nature of the music. 

One of the things about ECM that I like is how a lot of the music they put out refuses to acknowledge boundaries between genres. I think ECM’s motto is „the most beautiful sound next to silence“. My music is often quiet! They put out beautiful recordings. Such care and attention to detail. 

I also write about film, and I’m aware that ECM has a special relationship with film, and has released some interesting soundtracks, such as Histoire(s) du cinémaby Jean-Luc Godard. 

It is easy to speak about a melange of song structures and ambient music. But there’s a lot going on in these long instrumental pieces. For instance, the first track, ‘Loughton Camp’: looking back on it, can you feel some more or less hidden, unconscious influences that may have crept into the making that,  interestingly enough, begins with very high notes that normally signal danger…

I think I’m a songwriter first and foremost. Recently I’ve been trying to think about more experimental ways to write. Tim Noble was a huge influence on me when we worked together in the Lowland Hundred. He really encouraged me to think and work more experimentally. To take risks. 

Working largely on my own as Clevelode, I think I’m being a bit more experimental than I have perhaps been before, as a writer and as a musician/composer/arranger. Although songwriting requires structure, harmony, melody, rhythm, and tends to obey certain rules, I’m trying to embrace improvisation, chance, and even mistakes. This approach informs the songs, but also the instrumentals on the album. 

I’m also getting much better at editing. I enjoy editing as a kind of meditative, unconscious pursuit. I try not to think about it too rationally. I allow myself to work on feel, on hunches. I try to trust unconscious decision making. No doubt this is where some my influences come through. Probably a huge influence on me has been the work Miles Davis did with Teo Macero. Also, of course, Mark Hollis’s work with Tim Friese-Greene on the late Talk Talk records has had a profound effect on me. 

The long instrumental pieces have a unique sound field. Nothing here seems easily comparable. And in opposition to a strictly minimal approach, there‘s a lot happening, for instance, during the last two tracks: i remember, at one moment, out of nowhere,  the strumming of an acoustic guitar.  Your are not simply entranced by purely repetitive elements, you have to be ready for something unexpected at any time … can you shed some light into the ’tone poems’ or ‘tone stories’ of these last two tracks. Again, there may be some subtle influences…

The long instrumental pieces on the album are the result of improvisation. I’ve embraced the use of analogue synths in my work for the first time on ‘Muntjac’. I use a Prophet 5, a Moog Matriarch, and a Behringer Odyssey. These are incredible instruments. Part of the fun of this has been the ‘not-knowing-what-you-are-doing’ aspectof it. Just playing, mucking about with filters. Learning an instrument on the fly!

I like music to be unpredictable. I like to use different colours and textures, to create and maintain interest. The acoustic guitar in ‘Ambresbury Banks’ was a result of listening to what I had done with piano and synth and thinking ‘this needs another colour’, or another ‘voice’. I just reached for the guitar and improvised, first take. Sometimes on long instrumental pieces it is good to have a few sonic landmarks – interesting things the listener can navigate by. 

While the opening and ending passages of the album evoke the sense of Epping Forest, of nature, the more central pieces, often much shorter, do the storytelling… ‘Grimston‘s Oak’ reminded me at one moment of a Damon Albarn song on his fantastic song cycle ‘Everyday Robots“, the phrasing of your singing probably… strange coincidence? By the way, the sequence of the album is perfect.

I admire Damon Albarn. An interesting artist. Like me, he is from Essex. Perhaps there is a link in terms of how we sing, phrase and enunciate words, as you say! He wrote a song called ‘Hollow Ponds’ (on Everyday Robots) which is about a place I lived very close to in Leytonstone for a while. I think Albarn lived in Leytonstone for a bit too. On the edge of Epping Forest. But I don’t listen to his music much, if I’m honest. Maybe ‘Hollow Ponds’ was lurking somewhere in my unconscious, though. 

I’m very happy you think the sequencing of the album works well. It’s so important to get the sequencing right! This took a lot of time! Having two long instrumentals bookending the album was an early idea. I think of them as portals into the world of the album. Both ‘Loughton Camp’ and ‘Ambresbury Banks’ are iron age forts in the forest. 

I know you love that long Miles Davis piece ‘He Loved Him Madly’ from Miles Davis… an influence, too, for Brian Eno making On Land… the trumpet as the figure in a ‘landscape“…  similar to your history with long walks and biking through Epping Forrest: do you love to return to certain musics  from time to time, like the Miles Davis composition, or are such pieces so deeply engraved in your memory, that they more function on a subconscious level in your present life?  

Miles Davis’s work from the late 1960s through the mid 1970s continues to have a huge influence, yes. I certainly return to his music as much – if not more – than anyone else’s.  For me, ‘He Loved Him Madly’ is just magic. This is Davis’s threnody for Duke Ellington. I love the organ drone. I love the tasteful and interesting electric guitar work by Reggie Lucas and Dominique Gaumont. Al Foster’s snare and bass drum work.  I love the way the piece slowly and patiently creates a sense of space through harmony and rhythm. You can hear this music being ‘built’. It’s architectural. Over 30 minutes! I love Get Up With It, but also the long tracks on Big Fun and Circle in the Round – particularly the 18-minute version of David Crosby’s ‘Guinevere’, and the 26-minute title track.

Recently I’ve been listening to a lot of music by Wayne Shorter (particularly Schizophrenia and Odyssey of Iska), Herbie Hancock (particularly Crossings, Sextant, Mwandishi, Thrust), Harold Budd, Charles Mingus, Bill Evans, Alice Coltrane, Pharoah Sanders, David Axelrod. Also Eno, who you mention, and Labradford, Mogwai, Boards of Canada. I imagine influences have crept through, particularly on the instrumentals on ‘Muntjac’. 

In our young days we were often listening to albums for weeks, they blocked our record players. Did you recently have had a similar obsession to listen to an album again and again, or have your listening habits changed? 

Yes – I’ve been collecting vinyl again over the last few years. Spending too much money!!! But there are so many gorgeous pressings of jazz albums being released. I can’t resist them. The albums I buy I tend to play over and over again on my inherited 1970s hi-fi. It’s like a fine dining experience. I like to really listen to music, to really savour it and digest it, I like to make it an almost ceremonial banquet-like experience!