• Fleeting thoughts on Julia Holter songs (1)

    “My heart is loud,” Julia Holter sings on her sixth album Something in the Room She Moves, following an inner pulse. The Los Angeles songwriter’s past work has often explored memory and dreamlike future, but her latest album resides more in presence: “There’s a corporeal focus, inspired by the complexity and transformability of our bodies,” Holter says. Her production choices and arrangements form a continuum of fretless electric bass pitches in counterpoint with gliding vocal melodies, while glissing Yamaha CS-60 lines entwine warm winds and reeds. “I was trying to create a world that’s fluid-sounding, waterlike, evoking the body’s internal sound world,” Holter says of her flowing harmonic universe. 


    Sun Girl

    Michael: „Sun Girl“ appears like a dreamscape at a beach. There’s a thin line between song and texture, the words ethereal. The mood nearly on the brink of falling apart, then it flows again, in short rhytmic bubbles, aJoao Gilberto bossa lightness. But no bossa. Apparitions all over the place, foreground turning background and vice versa.

    Olaf: This sounds like Musique Concrete with instruments instead of sounds / field recordings. Not a song, but a walk through a jungle, across a river using the bass line as stepping stones. Change is constant, everything is in flux, sunlight through spray and haze. The weightlessness of it all, pop apparitions.

    These Morning

    Olaf: After the misty swirl of „Sun“ a moment of calmness, the perfect sonic rendition of that sweet moment between sleep and wakefulness. Not fully awake yet, the mind wanders without the intellect by its side – through this garden of circular sounds. Love this song and its textures, the trumpet, the bass again – „just lie to me, just lie to me, just lie to me“. (I don’t really know why this song reminds me of „goodbye stranger“ by Supertramp).

    Michael: „These morning get sunrise / Tall fjord, some time lost / Brush aside any words sinking to the abyss ago“. This again like notes from a dream, fragmented, pastel coloured, wonderful Wurlitzer (even the words themselves not fully awake). The first seconds like a classic pop ballad, but then the dream-o-sphere takes over, the singer gets lost in structures drifting apart,  a strangely joyous feel in surroundings that may possibly harm you.

    Something In The Room She Moves

    Michael: The sense of the surreal is enhanced  on the title track, and I love the variety of her singing here. And the  sense of drama: all the instruments with their passages of power and coming to a halt, taking a breath –  and clearly, you don‘t know what this is all about, but it is all brillliantly executed with a clear sense of purpose and place. And the jazz feel here: bass and saxophone are not just colouring the scene (Robert Wyatt would love Julia‘s „jazz vibes“).

    Olaf: Is „the scene/ on a beach or green screen“? The music has a flow, that is natural and hyper-artificial at the same time – I do agree: it is a „sense of the surreal“. Again: I love that bass playing, a touch of Eberhard Weber – this breakdown, bass, organ, saxophone, is gorgeous & stunning – strong ECM vibes.

    Materia

    Olaf: Keyboard and voice in a cathedral, beautiful echos / sound reverberations / sublime sound treatments. So far the shortest song and almost a conventional pop ballad. (digression: How is this all rooted in the „pop“ tradition? Definitely not in the song structure – there is nothing like a verse-chorus-formula here. The instrumentation/arrangement is more jazzy and avantgard-ish than pop… but it definetely has a „pop“ sensibility. So what kind of music are we listening to?). The last seconds of the song are breathtaking „what of love is a matter of love is a …

    Michael: Everything in this song on the verge of falling apart: more than a whisper, less than a „real“ song. Ethereal is the word. It is strange sending emails for every single song, I am very curious about the whole experience of the album. Definitely water is the element here, there, and everywhere.

    Meyou

    Michael: Another meditation with certain Meredith Monk echoes, the only words here are me and you, and how they melt into one another. Classic love song area, with Gregorian moods, and minimal / disturbing eruptions. What all happens, when nearly nothing happens.

    Olaf: Classic love song area – a fitting description! A the same time it is far from being a classic love song. A tonal experience: first only one voice singing and breathing, then different voices join in, delicate sounds and treatments in the background, the stage gets wider – until at the end, we only hear that one voice again. Me You. I don’t know whether I really like this, but it does recalibrate the ears, cleanses them for the second half of the album. So also a classic closer for side A of an LP.

    Olaf und Michael mailten sich während freier Stunden zwischen Niedersachsen und Sylt ein paar Impressionen zu Julia Holters in Kürze erscheinendem Album „Something In The Room She Moves“. Sie hörten Song auf Song der Schallplattenseite A. Das Sequencing schien perfekt. Beide waren sich sicher, Seite B würde mit einem rhythmischen Power-Track loslegen. Und so kam es: Spinning

    (Julia Holter gesellt sich wahrscheinlich dazu, wenn es um die Seite B geht, und ein paar grundsätzliche Gedanken und Empfindungen zu ihrem Werk. Wir sind gespannt.) 

  • Jan R. in den „Elektro Beats“


    Das waren zwei kurzweilige Radiostunden, und  Jan Reetze wunderbar  präsent in Olaf Zimmermanns „Elektro Beats“. Mit seiner ruhigen Erzählstimmer liess Jan seine Faszinatiom für „Autobahn“ lebendig werden. Bei solchen Zeitreisen gerät jeder Hörer, ein gewisses Alter vorsusgesetzt, auf eigene, verschlungene Pfade – seine Erinnerungen triggerten meine: so, wie Jan damals im NDR regelmässig die Sendung „Das neue Werk“ hörte (was macht man mit Ligeti, wenn man 15 ist?), so stolperte ich eher zufällig (once upon a time in Dortmund-Kirchhörde), über eine Stunde im WDR über Neue Musik, in der eine kleine, wie im Nu verfliegende, Ewigkeit lang, seltsam hypnotisch getrommelt wurde. Ich war wie vom Donner gerührt, liess mich dann auf die Couch fallen, auf der ich im Sommer zuvor hundertmal „Sgt. Pepper“ gehört hatte. Es stellte sich heraus, dass ich Steve Reichs „Drumming“ lauschte – was die Tiefe des Erlebens angeht, kam allerdings kein erneutes Hören an das erste Mal heran. Ich glaube, das erging Jan mit Kraftwerks „Autobahn“ anders. 

    Ich habe noch ein anderes, sehr geschätztes Buch, das sich, vom Titel her,  einem deutschen Kraut-Klassiker widmet,  neben Jans Buch, und zwar Alan Warners „Tago Mago“ aus der Reihe 33 1/3. Der grosse Unterschied zwischen beiden Büchern: Alan Warner erzählt mehr autobiografisch von seiner Lust am Plattensammeln in den wilden 60er und 70er Jahren, als dass der Fokus streng auf Cans Doppelalbum liegt. Eine schöne Art, das Thema zu verfehlen. Letztlich mochte ich das aber genauso wie Jans  Art, den  Meilenstein aus dem Jahre 1974 von allen Seiten zu beleuchten. 

    Olaf Zimmermann führte uns Zuhörer souverän durch all die Originale und Coverversionen von „Autobahn“, und ich musste schmunzeln, als er wieder und wieder das Thema der Doppelstunde in aller Deutlichkeit umriss (das Buch hat ja auch einen langen Titel, das dauert). Ein gefühltes Dutzendmal erfuhren wir, dass es in den „elektrobeats“ um Jans „Liebeserklärung an ein 50 Jahre altes Album“ gehe. Und der Autor aus den fernen USA zugeschaltet sei. Der Grund dafür war wohl, dass man neben den vielen Stammhörern auch viel Laufkundschaft bei „rbb“ hat, die schlicht erfahren soll, wieso da permanent, vielstimmig, wieder und wieder, ein paar junge Männer davon sangen, auf der Autobahn zu fahren. 

    Der Link zum Nachhören: HIER

    Aus diesem Anlass unternahm flowworker vor ein paar Tagen zwei Zeitreisen: Musikjournalist und Musiker Michael F. erinnert sich an frühe Kraftwerk-Konzerte. Und ich stelle meine 20 Lieblingsalben aus jenem Jahr 1974 vor. A propos alte Zeiten: nun ist ein weiteres Live-Album von Can erschienen, „Live in Paris 1973“, und der enthusiasmierte Kritiker in „Uncut“ ist nicht nur von der Improvisationskunst, sondern auch von der Soundqualität des Albums sehr angetan. Eins ist sicher: Jan R. und ich werden da nicht nur „reinhören“, wir werden da „eintauchen“. „Fifty-one years on, time has still not quite caught up with Can. Essential.“ Schreibt Tom Pinnock.

  • Michael Franks Erinnerungen an drei frühe Kraftwerkkonzerte


    1971, wenige Monate vor meinem 14. Geburtstag, habe ich im Audimax der Freiburger Universität während der Sommerferien mein allererstes Rock-Konzert besucht – in Obhut des knapp zwanzigjährigen Sohnes einer befreundeten Familie. Auch das werde ich ihm nie vergessen. Leider lebt er schon lange nicht mehr. 

    Die Wörter „Rock-Konzert“ und „Kraftwerk“ passen vermutlich in der heutigen Wahrnehmung der Band nicht mehr zusammen, aber 1971 war das, was Kraftwerk live ablieferten, ganz eindeutig Rockmusik. Und das lag nicht zuletzt an Drummer Klaus Dinger. Die Band trat damals als Trio auf, Gründungsmitglied Ralf Hütter war gerade mal nicht dabei, aber immerhin noch Florian Schneider-Esleben. Und Michael Rother spielte auf seiner Gibson Les Paul mitunter Riffs, die problemlos in Jam-Sessions diverser Rockbands passen würden. Aufgrund der ungewöhnlichen Klangfarben, die bei Kraftwerk 1971 zu hören waren, wurde daraus natürlich Rock der experimentelleren Sorte.

    Ich nehme an, dass sich die meisten noch an „das erste Mal“ der Begegnung mit Rockmusik in voller Konzertlautstärke erinnern können – das Erlebnis, bestimmte Frequenzen nicht nur über die Ohren sondern im Körper wahrzunehmen, vor allem tiefe Töne direkt im Brustbein und oder Magen zu spüren, war für mich gleichzeitig leicht beunruhigend und euphorisierend. Letzteres Gefühl gewann im Sommer 1971 aber schnell die Oberhand. 

    Kraftwerk spielten vor allem Stücke von ihrer ersten LP, „Ruckzuck“ gab’s sogar zweimal. Beim Versuch, das Konzerterlebnis anhand der Debüt-LP zu wiederholen, fand ich die Studioversionen von „Stratovarius“ und „Vom Himmel hoch“ ein bisschen verhalten. Mir kam es so vor, als ob die Groove-Passagen der Nummern im Konzert länger und heftiger ausgekostet wurden. Trotzdem hörte ich mir die Platte oft und gern an. 1971 war das Trio auch in der TV-Sendung „Beat-Club“ von Radio Bremen mit einer Nummer zu sehen, allerdings im Vergleich zum Konzerterlebnis auch eher schaumgebremst. Näher an dem Live-Sound, den ich 1971 in Freiburg hörte, ist ein Mitschnitt von Radio Bremen aus dem Gondel-Kino vom 25.6.71. Er kursiert seit mehreren Jahren in LP und CD-Form und auf youtube

    Knapp zwei Jahre später, im Mai 1973, habe ich ein Konzert von Hütter und Schneider-Esleben im damaligen Kunstverein am Kölner Neumarkt besucht. Sie spielten in einem kleinen Raum, der wie ein mittelgroßes Büro- oder Ausstellungszimmer wirkte. Sie firmierten damals, wenn mich meine Erinnerung nicht täuscht, als „Ralf und Florian“. Das war ein gutes halbes Jahr bevor die gleichnamige LP erschien. Ob ihre Single „Kohoutek-Kometenmelodie“ schon erschienen war, konnte ich bisher nicht herausfinden. 

    In den kurzen Notizen, die ich mir damals zu dem Konzert gemacht habe, steht, dass sich ihre Musik zu deutlich ruhigeren und entspannteren Stücken hin entwickelt hatte. Heute würde ich das wohl als eine leicht zugängliche Art von Minimal Music bezeichnen. In Erinnerung blieb mir auch, dass Florian Schneider-Esleben vor dem Konzert mit seinem Campingstuhl rückwärts umkippte. Eine unbeabsichtigte Slapstick-Einlage, die er ohne Blessuren überstand. 

    Am 22. März 1975, einem Samstag, traten Kraftwerk in der Sendereihe „Nachtmusik“ im großen Sendesaal des WDR in Köln auf. Das war knapp ein halbes Jahr nach Veröffentlichung ihrer LP „Autobahn“. Karten gab’s umsonst, wenn man sich rechtzeitig drum kümmerte. Moderiert wurde der Abend von Winfried Trenkler, dessen Sendungen „Pro Pop Music Shop“ oder „Rock In“ ich und viele andere eine Menge musikalische Anregungen verdanken. 

    Kraftwerk traten an dem Abend zu viert auf, neben Hütter und Schneider-Esleben waren Karl Bartos und Wolfgang Flühr auf der Bühne. Flühr und Bartos trommelten mit ihren Drum-Sticks auf kleinen Pads und triggerten so elektronische Perkussionklänge. Hatte ich vorher noch nicht gesehen/gehört. Mit Kraftwerk anno 1970/71hatte das natürlich nichts mehr zu tun, weder optisch noch klanglich. Der Schwenk zu schlichten Spieluhr-Melodien und Akkordfolgen war endgültig vollzogen worden. In der damaligen Zeit von Progrock- und Hardrock-Mainstream hatte das einen ganz eigenen Charme. Die Band spielte an diesem Abend Stücke von allen bis dahin erschienenen LPs: 

    „Kling-Klang“, „Tanzmusik“, „Kohoutek-Kometenmelodie“,„Ruckzuck“, „Autobahn“ und nach Sendeschluss um 24 Uhr noch die Zugabe „Kristallo“. Zumindest  „Kohoutek-Kometenmelodie“ ist von diesem Konzert auf youtube überliefert.

  • Reverberations of non-stop Traffic on Redding Road

    „I would beg listeners both animal and human to allow these beautiful landscapes I’ve created in collaboration with Mark Nelson to sing and speak and weep for themselves. Please. Forget about words. Just LISTEN.“ – Kramer  


    „It was an honor to work with Kramer (…) For the music, this line from Arthur Russell says it so well: ‚If I could convince you these are words of love, the heartache would remain, but the pain would be gone‘.“   – Mark K. Nelson (Pan American)

  • Die blaue Rhapsodie

    Ich hörte „Rhapsody in Blue“ zum ersten Mal in meiner Kindheit Anlässlich des hundertjährigen Jubiläums löste der Pianist Ethan Iverson neulich eine lebhafte Debatte aus, indem er in der New York Times die künstlerische Wirkung dessen untersuchte, was er als „naiven und kitschigen“ Versuch bezeichnete, die oberflächlichen Merkmale des Jazz mit der europäischen Klassik zu verschmelzen – damals wie heute. Wenn „Rhapsody in Blue“ ein Meisterwerk ist, so schrieb er, dann ist es sicherlich „das schlechteste Meisterwerk“: ein unbequemer Kompromiss, der den Fortschritt dessen blockierte, was später „Third Stream“ genannt wurde, und mit dem wir sowohl „gesegnet sind als auch feststecken“. Dank des Einflusses meiner Mutter betrachte ich es aus einem etwas anderen Blickwinkel. Für mich war es in meiner Kindheit eine Einstiegsdroge. Ich liebte die spektakuläre Klarinetteneinleitung, die wechselnden Melodien und die Andeutungen von Synkopen, aber vor allem reagierte ich auf die Tonalität, die den Titel widerspiegelt. Es dauerte nicht lange, bis ich einen Weg einschlug, der zu Duke Ellington, Charlie Parker, Thelonious Monk, Miles Davis, Charles Mingus, John Coltrane, und all den anderen, bis hin zu den Vijay Iyers, Matana Robertses und Tyshawn Soreys des heutigen Jazz. Schon bald hatte ich herausgefunden, dass eine Unze Ellington mehr wert ist als eine Tonne Gershwins Instrumentalmusik, aber ich bewahre mir eine respektvolle Dankbarkeit gegenüber „Rhapsody in Blue“ und seiner Rolle als Einstieg, genauso wie gegenüber „The Glenn Miller Story“ und „Take Five“. Das, was ich hier nicht als Zitat ausgewiesen habe, ist die stark gekürzte Übersetzung eines neueren Textes von Richard Williams. Aus seinem Blog „The Blue Moment“, Teil unseres Blogrolls. Neben den Mentoren, die ich in meinen gut drei Jahrzehnten Radio hatte, Volker Bernius, Harald Rehmann und Michael Naura, war Richard Williams in meiner Studentenzeit in gewisser Weise auch ein Mentor. Seine Texte in Melody Maker waren die eines Wahlverwandten – er wusste Brücken zu schlagen zwischen Claude Debussy, Jan Garbarek und Brian Eno. Nicht einmal lege ich eine Schallplatte von Walt Dickerson auf, ohne kurz an Richards knappe Einführung in die poetischen Sphären des Free Jazz zu denken… und ein Fussballnarr ist er auch! Diese feinen geistigen Verbindungen, getriggert allein durch Worte, Klänge, Stories! (r.w. + m.e.)

  • British Sleeves Of Desire


    Ja, schauen Sie nur. Wer mit Schallplatten und seltsam grosser Liebe zur Musik aufgewachsen ist, kennt diese enge Verbindung, welche zwischen Hörern, Klängen, und Plattencovern entstehen kann. Ganze Abhandlungen, Promotionsarbeiten, Bücher sind geschrieben worden, um etwa die Coverart und einzelner Labels zu ergründen (Blue Note, ECM) – nicht zu selten habe ich nachts im Radio von diesen Covern erzählt, oder Künstler erzählen lassen, wenn mich ein Cover ganz und gar gefangen genommen hat, sich der Musik ebenbürtig erwies, zumindest als perfekt gestaltete Eintrittskarte!

    „Provenance“ von Björn Meyer fällt mir just ein. Und sowieso Wade Carters „Overpass“, das Bild für Marc Johnsons wundervolles Solobassalbum – und diesen Blog (permission granted, thank you so much, Mark!). Oder, wenn ich an britische Cover denke und das perfekte „coffeetable book“, das Richard Williams soeben auf seinem Blog „TheBlueMoment“ vorstellte, an Julie Tippetts‘ „Sunset Glow“. An John Surmans „Westering Home“. An die erste Azimuth-LP (s. ARCHIVE).

    Alle die freien und geleiteten Assoziationen entführen in tiefe Schächte, unerhörte Räume, ureigene Paradiese, Areale, die man gerne mit Seelenverwandten teilt. Für Richard ist das oben abgebildete, ganz schön seltsame, Cover so ein Glanzstück, und kann solches überhaupt nur werden, wenn die Musik den Zauber erfüllt, den das Cover suggeriert. Übrigens ein von Robert Wyatt über alle Massen geliebtes Album – ich zitiere Richard: „Labyrinth“ findet eine andere und sehr unterhaltsame Art, die Geschichte zu erzählen, indem es das Artwork und die Informationen, die in den 12 x 12-Albumhüllen enthalten sind, aus der Zeit der hilfreichen Cover-Notizen nutzt. Und wenn ich die Wahl zwischen all diesen Alben hätte, aber nur eines behalten dürfte? Wahrscheinlich wäre es Very Urgent von den Blue Notes, ihre erste Aufnahme nach der Landung in Großbritannien aus Südafrika. Produziert von Joe Boyd bei Sound Techniques und unter dem Namen von Chris McGregor auf Polydor veröffentlicht, ist es heute noch genauso berauschend wie 1968, und sein langfristiger Einfluss ist immer noch zu spüren, sogar in der Arbeit junger Musiker, die damals noch nicht geboren waren.

  • Fleeting thoughts on Julia Holter songs (2)


    When Devin Hoff’s fretless bass enters, it does so like a layer of molasses; rich, sticky and sweet. Hoff’s contributions are an essential component of the record, calling to mind the vital role that bass plays in the music of Holter forebearers like Kate Bush or Joni Mitchell.  (…) Perhaps the greatest feat of Something in the Room She Moves is that, while there are plenty of organic instruments all over these recordings, it’s the synthesizer playing and sound design that lend the record its characteristic lived-in, sinewy and roving lifeforce. this is what Tom Piekaraki writes. And now our fleeting notes. On side B.

    Spinning 

    Olaf: A steady beat is the ground from which strange textures blossom – moog, bass, voices, noises, delays, only a few wind instruments for a change. Everything disintegrates towards the end, the textures wither away, the the song tumbles and falls apart. (I repeat myself but I really like what the bass player does, very melodic and sensitive playing.)

    Michael: So here we are, at the beginning of side B. The perfect place to let the rhythm in… and, yes, while it nearly all dissoves into air at the very end, another kind of voice takes the lead: calm clear, focussed. The calmness after the dance. The track grabs me more and more. This album seems to be the classic grower.

    Ocean

    Michael: The ambient piece, the oceanic piece. Julia is smart: instead of delivering a purely peaceful landscape, she let‘s the uncanny in sideways, after a while. You never know, oceanwise… it ends on a tranquil note though.

    Olaf: Nothing to add. „Ocean“ is another proof of Julia Holter‘s versatility; unique music, that fits perfectly at this moment. And it wouldn‘t feel out of place on any state of the art ambient album.  This snapshot of the ocean was made in the evening, which brings us to the next song.

    Evening Mood

    Olaf: A counterpart to „These Morning“. Being tired after a long day, its events appear like a mild vortex on the threshold of sleep. The voice binds the musial elements of this vortex into a song. Again: lovely singing, beautiful bass playing – and a dash of Harmonia towards the end.

    Michael: Really, Harmonia? Have to listen again with your ears. The calmness, and zhe apparitions of the day receding… but after initial moments of letting loose and introspection , a lingering irresisitibe melody blows new life into the singer‘s voice and leads us through the evening‘s offerings between the wistful and the dreamlike. All in perfect union with heightened awareness.

    Talking To The Whisper

    Michael: Maybe the most complex song… you never know where the journey of a single track goes, except sideways, most of the time: in the second half Chris Speed‘s saxophone conjures a dark fantasialand full of wonder, a sense of danger follows, then: boiling point.

    Olaf: It really is a complex song, constantly on the verge of ending, laying false trails. At the same time I find it one of the most emotionally engaging songs on this album. There is this middle section that totally gets me: „Let me light, let me throw light/ On your path, little one / Leave me time to stop and say / Love can be / Shattering“.  

    Who Brings Me

    Olaf: A lullabye to close the album. Major themes reoccur: sleep („As I fall asleep“) water, sound („And the eyes of the water tide / Scanning blind with just the sound to guide“), love („You, my love waking up my every day“). Sparse instrumentation, the string instrument and the overall atmsophere remind me of the Velvet Underground – gorgeous and uncanny.

    Michael: This song has to happen at the end. Things calm down. But not like all is good and pancakes. Unsettling dream images pop up… („Fading gusts of luck change my breath“) … and I ask myself: what has that all been about (ready for a second, for sure, deeper journey)… There‘s an interesting balance on this whole album between, well, apparitions from nowhere (dream life), clear structures (for a while), and things / sounds falling apart.

  • The surgeon of the night sky… (remix in prep) – Ingo‘s memories

    Four years ago our summer-long trip to the United States was cancelled by higher forces — which is probably the key reason I started being seriously interested in – and have been buying – different Californian wines for the past two years. Now I go to supermarkets here in the American West, and there are so many fascinating wines on the shelves! I’d like to taste them all, but there are just too many! Most of them I have never seen in Europe.

    Before I arrived in Phoenix, Arizona, a couple of weeks ago, two different people (musicians) independently of each other suggested I try to arrange to meet two Oregon musicians — David Rothenberg said I have to meet bass player Glen Moore in the far south of Arizona (in the small village Arivaca, a mere handful of miles from the Mexican border, see images above), and Brian Whistler pitched the idea of visiting Paul McCandless who lives less than 20 minutes away from him in Sonoma County, north of San Francisco. Having spend several hours with Ralph Towner last year in Berlin, I felt this is a once-in-a-lifetime opportunity to meet all (surviving) original members of the band Oregon within one year and talk to all of them about their early (and also their later) years. I don’t know that anyone has done that… Ralph and Glen, friends since 1959, have not talked with each other since Glen left the band in 2014. 

    On top of all this, after Steve Tibbetts has suggested to me several times that I have to meet and talk to Hans Wendl, one of the earliest people that worked for ECM (from when he was just 16 years old, in 1969, until 1985), I drove from the Mexican border to Californian wine region Sonoma via Bishop, CA, where Hans has moved a few years ago — after having lived in Berkeley since his departure from ECM. We sat down in his backyard and he shared all kinds of amazing insights, until three in the morning — among other things that he was driving the band on Oregon’s first European tour in 1974 — and obviously, everyone was quite moved by remembering those early years. Glen even brought me a recent recording of Oregon’s 1974 concert in Bremen, a tape they had kept in the vault for almost 50 years, recorded in the Sendesaal, where I just filmed and took photos of two very ECM recordings. According to Glen, this is the band at their best, and like everyone else he spoke about those years with Collin Walcott only with the nicest words. (Photos of Inyo Mountains, where Hans Wendl lives, and from a hike at the Sonoma coast with Brian Whistler, below.)

    Inyo Mountains, California, where Hans Wendl lives
    Sonoma coast, with Brian Whistler
    Sonoma coast, with Brian Whistler

    As chance would have it, I found a bunch of old Oregon records in a Phoenix record store — in amazing shape and for the best prices, so I just had to buy several of them. I asked three different Manafonistas for their suggestions, and Michael, Brian and Hans-Dieter each named their favorites — each named pretty much the same records, only in different order. Brian and Hans-Dieter also provided me with long and detailed comments sharing their deep appreciation of the whole Oregon discography, and Brian on top played me music from the whole McCandless catalogue throughout the day, to prepare me for my meeting with Paul in Healdsburg. On the way there we drive through a beautiful wine region (wine that I later also was offered by my friends in Berkeley), and in general I learned a lot about Brian’s 70 years in California and the Sonoma region in particular. (Tom Waits also has been living in the next town — in the other direction, though — and it’s apparently not that unusual to see him around there.)

    Paul McCandless, whom Brian and I went to see together, as Brian has known his and Oregon’s music since their earliest albums, also was in a talkative mood; even though, due to his health, he talks in a rather low voice and somewhat slower that powerhouse octogenarian Glen Moore. On Paul’s CD shelf I spotted lots of interesting music, The Surgeon Of The Nightsky Restores Dead Things By The Power Of Sound, among others, which I believed to be the one Jon Hassell album I never heard (not being aware of the collaboration album with Bluescreen, Dressing For Pleasure), and when I mentioned this, Paul just gave me the CD. Funny to now have a rare Jon Hassell album as a souvenir from a visit to Paul McCandless‘ living room.

    As the final stop (so far) on my interview tour across the West, I then went to see Lee Townsend – in his psychology practice in Berkeley. Having studied psychology in his early years, Lee not only went back to this profession after 30 years in the music industry (while still producing a couple of albums each year, Bill Frisell’s mostly), but also shared a lot of knowledgeable insight into his formative years working for ECM during a significant part of the 1980s.  It will take a bit of time, but I will be honored to share those interviews with all of you once they have been edited properly.  

    Glen Moore in Arivaca, Arizona
    Glen Moore in Arivaca, Arizona
    Big Sur

    (The final photo is from Big Sur, inspiration for Charles Lloyd’s Notes from Big Sur, and Bill Frisell’s Big Sur.)