Laurie Anderson with Sexmob: Let X = X & Kurt Vile: Philadelphia‘s been good to me
Zu Beginn ihres neuen Live-Albums „Let X=X“, das in Begleitung des unkonventionellen Jazz-Ensembles Sexmob aufgenommen wurde, stellt sich die Avantgarde-Ikone Laurie Anderson als unsere Begleiterin für diesen Abend vor. „Hier spricht Ihre Kapitänin / Wir gehen unter / Wir gehen alle unter / Gemeinsam“, sagt sie, und ihre Stimme klingt so autoritär wie eh und je, selbst in dieser Zeit der Katastrophen.
Ihre Präsenz wirkt sofort beruhigend, doch Laurie Anderson ist nicht hier, um eine Retterin zu sein, wie sie während ihres gesamten Auftritts deutlich macht. Wenn es eine Lektion gibt, die sie immer wieder vermittelt, dann ist es die, dass es selten saubere, vollständige Lösungen für echte Probleme gibt. Das ist weder Pessimismus noch Kapitulation, sondern eine gelassene Art von Pragmatismus. Anderson akzeptiert, dass es vieles auf der Welt gibt, das sie nicht ändern kann, aber sie wird trotzdem darüber sprechen. „Dies ist die Zeit / Und dies ist die Aufzeichnung einer Zeit“, sagt sie zu Beginn der Platte und erneut am Ende.
Andersons Perspektive ist in der Tat zeitgemäß und brillant umgesetzt. Zwischen den Stücken aus ihrem musikalischen Repertoire teilt sie Gedanken, Geschichten und die daraus gewonnenen Erkenntnisse. Diese Erzählungen stammen aus ihrer Kindheit, von früheren Lehrern, anderen Ikonoklasten und heutigen Denkern sowie aus Andersons eigenem Wissen und ihrer Erfahrung. All dies verbindet auf vielfältige Weise ein Kommentar zu den spannungsgeladenen Beziehungen zwischen der Menschheit und der modernen Technologie.
Bots“, erzählt sie uns in der Mitte des Albums, „sind die neuen Engel. Wie Engel kommen sie aus einer anderen Welt; wie Engel wurden sie von Menschen erfunden, und sie mögen es, wenn wir mit ihnen sprechen.“ Während sie weiterredet, verzerrt ein Vocoder die natürliche Wärme ihrer Stimme und hebt sie in eine höhere Tonlage: „Aber wisst ihr, es ist irgendwie seltsam, wie sie in Loops verfallen … während sie sprechen, lernen wir, ihre Sprache zu sprechen. Da muss man sich fragen: Wer kopiert hier wen?“ Das unheimliche Gefühl, das ihre Stimme vermittelt, in Verbindung mit ihrer Einschätzung ergibt eine besonders pointierte Kritik.
Es gibt viele solcher Lektionen, die man aus Let X=X lernen kann. Der vielleicht wichtigste Punkt ist, dass KI und Roboter uns nicht vor dem Abgrund retten werden, an den wir uns selbst gebracht haben. Als Künstlerin, die für ihren innovativen künstlerischen Umgang mit modernen Technologien bekannt ist – was sie auch auf diesem Album wieder unter Beweis stellt –, verfügt Anderson über eine starke Glaubwürdigkeit und ihre Argumente sind überzeugend. Genauso nachdenklich wie ihre direkte Auseinandersetzung mit dem digitalen Zeitalter sind jedoch die Themen politischer Unruhen und persönliche Berichte, die uns daran erinnern, was es bedeutet, lebendig und Teil der Gesellschaft zu sein.
Anderson spricht über das Auftreten von Depressionen, bevor sie in das rohe und packende „Church of Panic“ einsteigt, erinnert sich an ihren Vater vor einer berührenden, von der Violine getragenen Interpretation von „Junior Dad“ (ursprünglich von ihrem verstorbenen Ehemann Lou Reed und Metallica), die in Andersons erfolgreichsten Hit „O Superman“ übergeht, und in „Swimming“ erinnert sie sich an eine erschütternde Begebenheit, als sie versehentlich ihre jüngeren Brüder dazu brachte, in einen vereisten See zu fallen, und sie dann rettete, woraufhin sie unerwartetes Lob von ihrer Mutter erhielt. „Das war das erste Mal, dass ich gelernt habe, wie sehr schon wenige Worte dein ganzes Leben verändern können“, schließt sie den letzten Titel.
Laurie Anderson setzt ihre wenigen Worte auf „Let X=X“ mit enormer Wirkung ein. Sie spricht mit Absicht und Ehrlichkeit, jeder Ton und jede Pause ist sorgfältig gestaltet. Sexmob sind die perfekte Begleitband, absolute Profis, die jedem Beat von Anderson folgen und eine perfekte Atmosphäre schaffen, in der sie philosophieren kann. Dies ist ein seltenes Live-Album, das es wert ist, von Anfang bis Ende angehört zu werden, sowohl wegen der Musik als auch wegen all der Zwischenräume. Man wird daraus keine falschen Hoffnungen schöpfen, aber vielleicht versteht man am Ende besser, wie wir alle unser bestes Leben führen können, während wir gemeinsam abstürzen.
written by Adriane Pontecorvo, Popmatters
Heutzutage beginnen Kurt-Vile-Songs mitten in der Geschichte. Im dritten Jahrzehnt seiner Karriere scheint der erfahrene Musiker zufriedener denn je damit zu sein, auf seiner eigenen Welle zu reiten, seine entspannten Koans ohne Erklärung oder Kontext in der Luft schweben zu lassen und darauf zu warten, dass ein Zuhörer die richtige Frequenz findet, um sie in seinem eigenen Tempo zu verstehen oder aufzunehmen. Der Gitarrist und Songwriter aus Philadelphia eröffnet sein zehntes Album – eine glücksverheißende Zahl für jeden Musiker – auf die am wenigsten glücksverheißende, typischste Vile-Art und Weise, indem er sich murmelnd durch den Moment schlängelt: „Smoke on my lip / I wrote a song / Some people said / I was doin’ it wrong“, singt er, wobei sein schnörkelloser Gesang mittlerweile so vertraut ist wie der Geschmack von Coca-Cola oder der Geruch eines Sommergewitters.
„Philadelphia’s Been Good to Me“ stützt sich auf die Tatsache, dass der 46-jährige Vile mittlerweile ein Elder Statesman des Indie-Rock ist und es geradezu seltsam wäre, wenn er sich aufspielen würde oder auch nur so klingen würde, als würde er vor irgendeinem Publikum auftreten. Das Album bemüht sich nie um seine Aussagen und hält sich fern von so kitschigen Dingen wie radikalen Abweichungen in Klang oder Stil. Es ist ganz eindeutig ein Kurt-Vile-Album – locker, üppig, gemächlich, ziellos und total, zutiefst poetisch, Mann.
Er schaffte Anfang der 2010er Jahre mit einer Albumtrilogie den Durchbruch – „Smoke Ring for My Halo“ von 2011, „Wakin on a Pretty Daze“ von 2013 „B’lieve I’m Goin Down …“ aus dem Jahr 2015 –, die ihn als eine der beliebtesten und geradezu ikonischen Figuren des Indie-Rock etablierten: den langhaarigen Stoner-Philosophen, der still und leise Musik hervorbrachte, die virtuos, aber ungestört war, eine Figur von tiefer, zurückhaltender Echtheit, die auf Festivalplakaten Seite an Seite mit selbstbewusst aufspielenden Acts wie Arcade Fire und Grizzly Bear stand. Obwohl er nie so auffällig oder berühmt war wie diese Kollegen, hat Vile eine Beständigkeit bewahrt, wie sie nur wenige seiner Zeitgenossen aufweisen, während er sein Image als „Dirtbag-Schamane“ verfeinerte und komplexer gestaltete.
Hört euch „Been Good to Me“ aus Philadelphia an, und ihr werdet feststellen, dass Vile so alarmierend großartig klingt wie eh und je und formal zukunftsweisender ist als je zuvor. Auf „99th Song“ und „Holiday OKV“ präsentiert er sich als eine Art Jangle-Pop-Steve-Reich, der sich über subtil wechselnde Loops hinweg scattet und murmelt und seine repetitiven Grooves neben Texten ausdehnen und zusammenziehen lässt, die zwischen dem Alltäglichen und dem ausgelassen Tiefgründigen schwanken. „99th Song“ ist nach der Tatsache benannt, dass sein Loop-Pedal nur 99 Loops speichern kann, und er verwandelt dieses Bild in eine glückselige Auseinandersetzung mit dem Älterwerden aus der Perspektive eines verheirateten Vaters von zwei Kindern („Got love in my life and three girls by my side / I’m holdin’ it down and takin’ it slow“), während „Holiday OKV“ ein nervöses Bekenntnis zu seiner eigenen entspannten Sensibilität ist: „Ich träume groß, knalle hart ab, stürze ab und verbrenne, bin in den Sturzflug gegangen / Mann, es fühlt sich so gut an, am Leben zu sein.“
Vile sagt, er behandle dieses Album, als wäre es sein letztes, und es strahlt tatsächlich eine allwissende Weisheit aus, gepaart mit dem Flair einer wiedervereinigten Band, das durch warme, im Mix hervorstechende Backing-Vocals von Musikern wie Natalie Hoffmann von der unterschätzten Memphis-Punkband Nots und Viles langjährigem Mitstreiter Jesse Trbovich noch verstärkt wird. Auf dem schäbigen Blues von „99 BPM“ schwelgt er in Erinnerungen an das Musizieren mit Freunden und an einen Moment, der „2012 war, sich aber wie 2014 anfühlte“; der Titelsong des Albums verweilt warmherzig bei Tourstopps in Baltimore und Heimkehren zum Schuylkill River.
Hinter jeder rosaroten Erinnerung verbirgt sich ein drohendes Gefühl der Endgültigkeit; Erschöpfung sickert in den süßen, sonnigen Groove von „Rock o’ Stone“, während „Every Time I Look at You“ mit seinem Eingeständnis „I flew close to the sun / And I had a whole lotta fun“ den Eindruck vermittelt, als sei es mit der Distanz eines Menschen geschrieben worden, der auf bessere Tage zurückblickt. In Viles Musik ging es schon immer um das Dasein, aber selten war sie so existentiell. In Kombination mit den hypnotischen, elliptischen Strukturen dieser Songs entsteht ein starkes Gefühl von Unbehagen und Unruhe. Viles Stimme wird immer kühl und außerordentlich tröstlich klingen, doch diesmal verbirgt sich hinter dieser Stimme eine Art tiefer Angst.
Könnte das an der Politik liegen? Am Älterwerden? An der Klimakrise? Vile wäre niemals so ungeschickt, es dir zu verraten; stattdessen lässt er Bilder entstehen wie Teeblätter am Boden einer Tasse. Das Einzige, was er als Gewissheit hinterlässt, ist seine eigene Musik. Die letzte Zeile des Albums lautet: „Du weißt, was ich meine, und du weißt, wie ich ticke.“ Er geht davon aus, dass das ein Trost ist – und das zu Recht.
written by Shaad D‘Souza (The Guardian)