Pink Floyd Live at Pompeji

Pink Floyd und experimentelle Filmemacher waren wie füreinander geschaffen. Ganz am Anfang jedemfalls. Eine vage Handlung? Unverständliche Charaktere? Okeydokey! In der Zeit unmittelbar nach dem Ausscheiden von Syd Barrett konnte Pink Floyd all das sicherlich nachempfinden – und gegen eine angemessene Gage würde die Band Filmemacher eine suchende und zeitweise explosive Musik als Soundtrack dazu improvisieren. 

Das hatte für die BBC (die Mondlandungen, 1969) und bei Barbet Schroeder für die Filme More (1968) und La Vallée (1972) funktioniert, aber als sich der französische Regisseur Adrian Amaben an Pink Floyd wandte, war es wohl schon etwas zu spät, um ihre volle Aufmerksamkeit für ein vage umrissenes Projekt zu gewinnen, das ihre Musik mit Werken surrealistischer Kunst kombinierte. 

Schließlich waren Pink Floyd mittlerweile auf dem Weg nach oben. Der „Ping“-Sound in „Echoes“ hatte kürzlich deutlich gemacht, wie die Band mit strukturierten, konzeptionellen Stücken ihren Weg über den nächsten Horizont hinaus finden könnte.

Als Maben jedoch unbeeindruckt mit einer überarbeiteten Idee zurückkam – nämlich die Band im Oktober 1971 beim Spielen in einem leeren Amphitheater in Pompeji zu filmen –, hatte er etwas gefunden, das seltsam genug war, um ihr Interesse zu wecken. Maben gelang es, eine Ära auf eine Weise festzuhalten, die ein hartnäckigerer Dokumentarfilmer vielleicht übersehen hätte. 

Er filmte eine bedeutende Band auf eine Weise, wie solche Bands normalerweise nie gefilmt werden: ausführlich, in hervorragender Qualität und – was am wichtigsten ist – gerade als sie sich in eine Phase begaben, die man ohne Übertreibung als ihre bedeutsamste Phase bezeichnen kann.

Mabens Regie – nun in der brillanten Bildqualität dieser Neuveröffentlichung zu sehen – dreht sich ganz um Grandezza. Das Filmmaterial von „Pink Floyd: Live At Pompeii“ enthält einige schöne Momente, wie zum Beispiel die Band, die durch die Vulkanlandschaft streift und mit dem brodelnden Schlamm kommuniziert (eine visuelle Geschichte der Pink-Floyd-Promo-Bilder zwischen 1971 und 1974 würde viel Sand zeigen), aber die Hauptfigur und der Umfang der Konzertsequenzen sind monumental.

Die Kamera bewegt sich würdevoll, nimmt die historische Kulisse in sich auf und zeichnet den Aufbau des Sets nach. Es gibt anmutige Kamerafahrten über die Rückseiten der Verstärker („Pink Floyd. London“), die deutlich machen, dass in der Mathematik dieser Zeit die Menge der Ausrüstung gleichbedeutend mit ernsthafter Musik war. Das war eindeutig ernst gemeint – eine Tatsache, die durch das Vorhandensein eines Komzertflügels bestätigt wird. 

Langsam entfaltet sich das Set der Band. Der erste Teil von „Echoes“, „Careful With That Axe, Eugene“, „Saucerful Of Secrets“… es ist faszinierend und opulent anzusehen, wie die Band an einem sonnigen Nachmittag träge diese sehr gute Musik spielt. Auf einer Ebene ist es eine Szene des Fin-de-Siècle-„Pranksterismus“: Sie sind hier, um etwas um seiner selbst willen zu tun; das gleiche harmlose Ausloten von Grenzen, das einen dazu bringt, eine Schule oder eine Untergrundzeitung zu gründen. 

Andererseits wirkt der Film, auch wenn die Szene im Nachhinein betrachtet sehr belastet ist, heute nachdenklicher und maßgeschneiderter. Pink Floyd. Das Amphitheater von Pompeji. Welches ist das beständigere Bauwerk?

Die Persönlichkeiten von Pink Floyd lockern die Ernsthaftigkeit auf. In Interviews, die während der Produktion von „The Dark Side Of The Moon“ im Jahr 1972 geführt wurden, erhalten wir nicht viel Einblick in Rick Wright oder den leicht in Gedanken versunkenen David Gilmour. Roger Waters? Er hat zu allem eine klare Meinung, von philosophischen Fragen zur Instrumententechnologie (laufen die Maschinen von Floyd von selbst?) bis hin zu den nicht zischenden zweiten Pressungen von Obscured By Clouds. Das wahre Geschenk für die Filmemacher ist jedoch zweifellos Nick Mason. Mit seinem verrückten Schlagzeugspiel ist seine Präsenz ein Gewinn für die Live-Sequenzen, die ansonsten von ruhigen Gitarrenklängen und Roger Waters‘ gelegentlichem Gongschlagen geprägt sind. 

Zurück in der Kantine der EMI Studios in der Abbey Road kritisiert er den Weizengrassmoothie („Ich nehme Eier, Würstchen, Pommes und Bohnen – und einen Tee“) und ist ebenso kenntnisreich über die damalige Zeit und den Platz von Pink Floyd darin wie dogmatisch in Bezug auf das richtige Stück Obstkuchen („NICHT ein Eckstück“).

Für manche Menschen, so Mason, sind Floyd „Teil ihrer Kindheit“; Teil der „Underground-London“-Ära, zu der auch das kostenlose Konzert im Hyde Park gehörte. Das sei alles schön und gut, meint er, aber es sei kein Ort, an dem die Band für immer bleiben wolle. 

Im Studio beobachten wir, wie Rick Wright einen weiteren gut gewählten Keyboard-Triller zu „Us And Them“ hinzufügt, und verstehen sofort, dass diese Gefahr nicht besteht. Wie die Welt bald erfahren wird, hat die Musik von Pink Floyd bereits die Sorgen der Erwachsenenwelt aufgegriffen. Was sie von nun an spielen werden, wird – im Guten wie im Schlechten – von der Verantwortung ihrer eigenen Reife geprägt sein.

(John Robinson, Uncut, 2025)